Origen: UK / USA.
Periodo: 2006 - 2010.
El origen de Heaven & Hell es, por supuesto, Black Sabbath. En el post que hice de este grupo concluía que su mejor trabajo era "Heaven & Hell" (1980). Un discazo imprescindible.
Poco después, en 1982, la formación de Sabbath con Dio se disolvió.
Hubo un único reencuentro posterior de Dio con el grupo, en Dehumanizer (1992), álbum extraño, que no cubrió expectativas.
Pasaron los años y el núcleo de Black Sabbath, sobretodo Tommy Iommi, líder y guitarra solista, imaginó un nuevo renacer con todos los integrantes originales. Lo intentó, pero en aquél entonces Ozzy no estaba por la labor y cláusulas de contrato legales impidieron que la reunión tomando a Dio como vocalista se llamara Black Sabbath, así que se quedó con el nombre del disco más espectacular de la historia de la banda.
Y este es el sucinto periplo de este renacer, casi treinta años después.
El disco es lo mejor que ha conseguido el tándem Iommi - Dio desde 1980-81.
Lástima que este proyecto solo diera como fruto un solo trabajo, este fantástico y siniestro The Devil you know, junto con tres temas previos, que se grabaron en 2007; The Devil cried es uno de ellos.
Poco después, en mayo de 2010, Ronnie James Dio fallecía de un cáncer de estómago.
En junio de 2013, Tommy Iommi veía por fin cumplido su sueño de atraer a Ozzy Osbourne y editar, ya como Black Sabbath, disco con material nuevo.
viernes, 13 de noviembre de 2015
Germán Coppini (Lady cruel) - (Barbazul) - 1989 / Manouche (2006)
Coppini, cantante nacido en 1961 en Santander, tuvo muchísimo éxito en sus comienzos, empezando por el primer gran disco de Siniestro Total, pero sobre todo con el tándem que construyó con su amigo Teo Cardalda en Golpes Bajos (ver post).
Pero después de la disolución de Golpes Bajos Germán editó algunos trabajos en solitario, que en parámetros del vil metal fueron casi todos un desastre, a pesar de tener algunos temas una buenisima factura.
Pero para eso estamos aquí. Hay que recuperar algunas canciones escondidas de este fenomenal intérprete, más que nada porque su voz y estilo tan particular debería ser patrimonio nacional, dada su rareza.
Germán Coppini era un personaje, como casi todos los grandes y, por ejemplo, en el clip de Barbazul podéis apreciar unas maneras nada convencionales. Pero muy sugestivas, extrañas e hipnóticas.
A mi entender, en 1989 grabó su mejor disco en solitario, el segundo, "Flechas Negras", del que extraigo dos joyas.
Lady Cruel lo tenéis a partir del minuto 23 (el link recoge Flechas Negras al completo, :)
Y Manouche lo podéis disfrutar a partir del minuto 10,20"". (También el corte youtube es disco completo).
Lady Cruel lo tenéis a partir del minuto 23 (el link recoge Flechas Negras al completo, :)
Y Manouche lo podéis disfrutar a partir del minuto 10,20"". (También el corte youtube es disco completo).
En los ´90 tuvo un lapso de vacío de varios años y luego volvió a una actividad bastante fructífera, con colaboraciones varias (las más importantes con Anónimos y Lemuripop).
En 2013 trabajó en un último muy buen disco con Néctar poco antes de dejarnos en ese mismo año por un cáncer de hígado, con solo 52 años.
A destacar:
> Despierta escuela (1987)
> Daniel Jazz (2006)
> La llama de la felicidad (con Lemuripop, 2008)
> Pájaros (con Néctar, 2014) - póstumo.
lunes, 9 de noviembre de 2015
Black Light Burns (Lie) - 2007
Wesley Louden Borland, músico y artista norteamericano nacido en 1975, famoso por ser parte fundamental en el grupo de nu metal, Limp Bizkit (ver post).
Pero Borland está destinado a ser mucho más grande que eso. No en vano, domina guitarra, piano, sintetizadores, batería y violín, amén de ser buen cantante.
Además, su faceta creativa le lleva a la escultura y al maquillaje y disfraz muy imaginativo, siendo el músico de rock con mas inventiva actual en este aspecto. Por ejemplo, teclead Wes Borland en "imágenes" de Google y veréis el espectáculo.
Personaje inquieto, ha acometido varios proyectos aparte de Limp Bizkit.
El más interesante es este Black Light Burns, en el que es además voz solista y compositor.
El grupo aún tiene una corta vida (4 álbumes de estudio, 2007, 2008, 2012, 2013), compaginando actualmente su tiempo con Limp Bizkit.
El single de su primer trabajo es lo más interesante hasta la fecha.
Pero Borland está destinado a ser mucho más grande que eso. No en vano, domina guitarra, piano, sintetizadores, batería y violín, amén de ser buen cantante.
Además, su faceta creativa le lleva a la escultura y al maquillaje y disfraz muy imaginativo, siendo el músico de rock con mas inventiva actual en este aspecto. Por ejemplo, teclead Wes Borland en "imágenes" de Google y veréis el espectáculo.
Personaje inquieto, ha acometido varios proyectos aparte de Limp Bizkit.
El más interesante es este Black Light Burns, en el que es además voz solista y compositor.
El grupo aún tiene una corta vida (4 álbumes de estudio, 2007, 2008, 2012, 2013), compaginando actualmente su tiempo con Limp Bizkit.
El single de su primer trabajo es lo más interesante hasta la fecha.
viernes, 23 de octubre de 2015
Katy Perry (I kissed a girl) - (One of the boys) - (Ur so gay) - 2008
Katheryn Elisabeth Hudson, nacida en en California en 1984 tuvo un debut como Katy Hudson en 2001, pero en 2008 saltó al estrellato con su disco One of the boys (ya como Katy Perry).
Un muy buen disco poprock, que sin embargo no ha sido refrendado -por su estricta calidad- en sus dos trabajos posteriores, en los que además se ha deslizado notoriamente hacia la música disco y, aunque con éxito mediático y de ventas, sus composiciones no llegan ni de lejos a su disco de 2008.
Veremos que depara el futuro, pues aún es pronto para dar diagnóstico, al escribir este post Katy solo cuenta con 30 añitos.
Por el momento ha conseguido de un solo disco tres cortes en este blog, dos de ellos con excelentes videoclips.
Un muy buen disco poprock, que sin embargo no ha sido refrendado -por su estricta calidad- en sus dos trabajos posteriores, en los que además se ha deslizado notoriamente hacia la música disco y, aunque con éxito mediático y de ventas, sus composiciones no llegan ni de lejos a su disco de 2008.
Veremos que depara el futuro, pues aún es pronto para dar diagnóstico, al escribir este post Katy solo cuenta con 30 añitos.
Por el momento ha conseguido de un solo disco tres cortes en este blog, dos de ellos con excelentes videoclips.
Iggy Pop (I´m a conservative) - 1980 / Tiny girls - Dum dum boys - 1977 / Howl (2001)
James Osterberg Newell, Jr., un completo innovador en cualquier aspecto que se mida de la música rock, punk, hard rock, glam, garage y demás variantes.
Iggy es un tipo muy peculiar, y lo que más me gusta de su música es cuando se pone a hacer de las suyas. Los temas aquí reunidos contienen todos un ápice o un mucho de locura. Pues es en este medio alocado donde se encuentra lo mejor de Iggy.
El disco más efervescente en este sentido, y creo que por ello el mejor, es Soldier (1980). Uno de sus trabajos más olvidados pero un diamante semibruto, emana frecura y un completo desparpajo, Iggy en estado puro; como nunca le verás en ningún otro disco (obviando sus comienzos en The Stooges donde estaba fatal, en el buen sentido).
Una voz única, envidia de sus colegas David Bowie y Bryan Ferry, que podéis apreciar en todo su esplendor en I´m a conservative, Tiny girls, y en Dum dum boys.
Howl es un tema muy muy potente que encantará a cualquier amante del Iggy Pop más desfasado. Lo mejor de la última época.
Iggy es un tipo muy peculiar, y lo que más me gusta de su música es cuando se pone a hacer de las suyas. Los temas aquí reunidos contienen todos un ápice o un mucho de locura. Pues es en este medio alocado donde se encuentra lo mejor de Iggy.
El disco más efervescente en este sentido, y creo que por ello el mejor, es Soldier (1980). Uno de sus trabajos más olvidados pero un diamante semibruto, emana frecura y un completo desparpajo, Iggy en estado puro; como nunca le verás en ningún otro disco (obviando sus comienzos en The Stooges donde estaba fatal, en el buen sentido).
Una voz única, envidia de sus colegas David Bowie y Bryan Ferry, que podéis apreciar en todo su esplendor en I´m a conservative, Tiny girls, y en Dum dum boys.
Howl es un tema muy muy potente que encantará a cualquier amante del Iggy Pop más desfasado. Lo mejor de la última época.
martes, 20 de octubre de 2015
Mansun (Wide open space) - (Stripper vicar) - 1997 / I deserve what i get (2000)
Banda de Chester (Inglaterra).
Estuvieron en activo solamente desde 1995 a 2003, editando en ese periodo tres buenísimos discos de corrido, 1997, 1998 y 2000.
Desde mi punto de vista es uno de los mejores grupos britpop que han existido.
En muchos momentos su vocalista recuerda al gran dios Mike Patton (Tomahawk, Faith no More, Mr. Bungle, Fantomas, Peeping Tom...).
Un delirio de grupo, supurando feeling por todos los poros.
Resuenan también a otros grandes, como a Suede y a Supergrass. Todo en uno.
Estuvieron en activo solamente desde 1995 a 2003, editando en ese periodo tres buenísimos discos de corrido, 1997, 1998 y 2000.
Desde mi punto de vista es uno de los mejores grupos britpop que han existido.
En muchos momentos su vocalista recuerda al gran dios Mike Patton (Tomahawk, Faith no More, Mr. Bungle, Fantomas, Peeping Tom...).
Un delirio de grupo, supurando feeling por todos los poros.
Resuenan también a otros grandes, como a Suede y a Supergrass. Todo en uno.
Ken Hensley (Fortune) - (Black hearted lady) - 1973 / In the morning (1975) / No more (1980)
Os presento a Hensley. Un absoluto genio. El día que se vaya, el mundo sensible llorará lágrimas sin fin.
Fue compositor principal de la legendaria banda de rock Uriah Heep (ver post) durante su mejor época, toda la década de los ´70. Teclista, guitarra y voz.
Debo decir que Hensley es una de las mejores guías por las que se rige este blog, pues sus composiciones todas consiguen un feeling pocas veces superado. Y habéis oido bien. No es una frase bonita, es que Ken Hensley imprime un alma de mucha hondura en todos sus temas. Si os gusta su formidable grupo Uriah Heep cuando él era su esencia, debéis de saber que casi todos los buenos temas de aquella etapa están compuestos por Ken. Pero aún en la mayor gloria de los Uriah, sacó tiempo para editar además dos buenísimos discos en solitario: Proud words on a dusty shelf (1973) y Eager to please (1975). Dos joyas de nuevo en la oscuridad.
En 1980 vio la luz su tercer disco, Free Spirit, también muy interesante. Y a partir de ahí, ya sin su grupo raíz, ha compuesto grandes canciones en un buen puñado de discos, pero con menos intensidad.
A destacar:
> Proud words on a dusty shelf (1973).
> The house on the hill (1975)
> How shall i know (1975)
> Secret (1975)
> Free spirit (2002)
Fue compositor principal de la legendaria banda de rock Uriah Heep (ver post) durante su mejor época, toda la década de los ´70. Teclista, guitarra y voz.
Debo decir que Hensley es una de las mejores guías por las que se rige este blog, pues sus composiciones todas consiguen un feeling pocas veces superado. Y habéis oido bien. No es una frase bonita, es que Ken Hensley imprime un alma de mucha hondura en todos sus temas. Si os gusta su formidable grupo Uriah Heep cuando él era su esencia, debéis de saber que casi todos los buenos temas de aquella etapa están compuestos por Ken. Pero aún en la mayor gloria de los Uriah, sacó tiempo para editar además dos buenísimos discos en solitario: Proud words on a dusty shelf (1973) y Eager to please (1975). Dos joyas de nuevo en la oscuridad.
En 1980 vio la luz su tercer disco, Free Spirit, también muy interesante. Y a partir de ahí, ya sin su grupo raíz, ha compuesto grandes canciones en un buen puñado de discos, pero con menos intensidad.
A destacar:
> Proud words on a dusty shelf (1973).
> The house on the hill (1975)
> How shall i know (1975)
> Secret (1975)
> Free spirit (2002)
martes, 6 de octubre de 2015
Brighton 64 (La próxima vez) - 1985 / (La casa de la bomba) - 1986 - (El mejor cocktail) - 1987
Origen: Barcelona.
Periodo:1981 - hoy.
Una de las mejores bandas nacionales de onda mod, capitaneada por los hermanos Gil.
El nombre de Brighton 64 hace referencia a las famosas peleas entre bandas mods y bandas rockers que ocurrieron en la ciudad de Brighton (sur de Inglaterra) en el verano de 1964.
Aún en activo, aunque bastante vagos pues desde sus principios -1981- sólo han editado cinco discos. Los dos últimos, a su vuelta después de veinticinco años sin material nuevo, en 2012 y 2015. Pero en estos trabajos queda lejana ya la frescura de su mejor época, 1985-1987.
El gran público solamente recordará "La casa de la bomba", pero hay al menos dos más que deben reivindicarse.
Periodo:1981 - hoy.
Una de las mejores bandas nacionales de onda mod, capitaneada por los hermanos Gil.
El nombre de Brighton 64 hace referencia a las famosas peleas entre bandas mods y bandas rockers que ocurrieron en la ciudad de Brighton (sur de Inglaterra) en el verano de 1964.
Aún en activo, aunque bastante vagos pues desde sus principios -1981- sólo han editado cinco discos. Los dos últimos, a su vuelta después de veinticinco años sin material nuevo, en 2012 y 2015. Pero en estos trabajos queda lejana ya la frescura de su mejor época, 1985-1987.
El gran público solamente recordará "La casa de la bomba", pero hay al menos dos más que deben reivindicarse.
miércoles, 23 de septiembre de 2015
The Eagles (Hotel California) - (Wasted time) - 1976 / (One of these nights) - 1975
Hubo una vez unos tíos sensibles que la guerra de Vietnam les llegó al fondo del alma y quisieron formar una banda para contar alguna que otra de las penas que anidaban en sus corazones. Eso son The Eagles, en resumidas cuentas.
¿Hicieron, a pesar de todo algo bien, algo realmente bueno?
Su famoso LP Hotel California tiene algo, es innegable. Pero no mucho, tampoco lancemos campanas al vuelo ni fuegos artificiales. Tiene el tema homónimo y Wasted Time. Bien. ¿Y qué más? Pues nada más. Sientiéndolo en el pecho -es un decir-, el resto, por más que pese a los amantes de la depresión, es música más bien vulgar y para suenamocos.
Lo peor queda para el resto, temas flojeras, blandengues y tontainas para una supuesta banda de rock.
Perdonadme que desmonte de esta manera al mito de The Eagles, pero desde mi punto de vista es otro mal subproducto de la guerra de Vietnam. Algo para recordar lo menos posible.
The Eagles (Hotel California) - (Wasted time) - 1976 / (One of these nights) - 1975
Etta James (Lovin´ you more every day) - 1965 / (Miss Pitiful) -1967 / (W-O-M-A-N) - 1955 / (Look who´s blue) - 1964
PALABRAS MAYORES.
Nacida como Jamesetta Hawkins en 1938 (Riverside - California) se convirtió al poco de su temprano buen hacer en un punto de mira de la música soul y R&B.
Una de las mejores voces femeninas en estos grandiosos estilos, si no la mejor. Juzgad por vosotros mismos.
Fue prodigiosa y legendaria, una personalidad clave de la historia de la Música.
Atención a las selecciones. Como todo gran artista de largo recorrido (estuvo en activo desde 1954 hasta su muerte, en 2012) ha sido muy difícil presentar un mero atisbo del genio de Etta. Pero creo que finalmente constituye un buen vislumbre de lo más eléctrico de esta genial artista.
Empezando por el rabioso Lovin´n you more everyday y acabando con un loco y magnífico duduá.
La versión de Woman elegida es posterior a la original de 1955.
Nacida como Jamesetta Hawkins en 1938 (Riverside - California) se convirtió al poco de su temprano buen hacer en un punto de mira de la música soul y R&B.
Una de las mejores voces femeninas en estos grandiosos estilos, si no la mejor. Juzgad por vosotros mismos.
Fue prodigiosa y legendaria, una personalidad clave de la historia de la Música.
Atención a las selecciones. Como todo gran artista de largo recorrido (estuvo en activo desde 1954 hasta su muerte, en 2012) ha sido muy difícil presentar un mero atisbo del genio de Etta. Pero creo que finalmente constituye un buen vislumbre de lo más eléctrico de esta genial artista.
Empezando por el rabioso Lovin´n you more everyday y acabando con un loco y magnífico duduá.
La versión de Woman elegida es posterior a la original de 1955.
Spice (Gone gone gone) - (Home coming) - (Acapulco now) - 1995
Una de las mejores bandas funk de Alemania (Hannover), muy en la onda de lo que hacía Corduroy por ese entonces (ver post).
Tienen poco recorrido, abandonando el proyecto en 2005, pero su Vario bel air (1995), es un muy buen disco del que os traigo estas tres perlitas, dos de ellas instrumentales.
¿No os trae recuerdos de Vacaciones en el mar?
Tienen poco recorrido, abandonando el proyecto en 2005, pero su Vario bel air (1995), es un muy buen disco del que os traigo estas tres perlitas, dos de ellas instrumentales.
¿No os trae recuerdos de Vacaciones en el mar?
viernes, 18 de septiembre de 2015
King Crimson (Coda: I have a dream) - 2000
Origen: Londres.
Periodo: 1969 - hoy.
En sus comienzos exploró el rock progresivo y más tarde el jazz fusion y la música experimental... pero cansina. Porque en este mundo se puede ser de todo menos pesado.
Muchos puristas y amantes de esta banda me van a crucificar, lo sé, pero me da igual.
Crimson solo supone un moco mal pegado en el culo de un dios de plastilina. Veréis.
El grupo, formado en 1969, tuvo muchos cambios hasta 1981, fecha en que se estabilizó por un breve periodo, resultando Robert Fripp, guitarrista y alma del grupo, el único miembro impertérrito.
Robert Fripp, un personaje difícil, muy perfeccionista (se le ha comparado en esta faceta con Ritchie Blackmore), pero mucho más excéntrico que el legendario líder de Deep Purple.
Las composiciones de King Crimson son para oídos, no diré selectos, porque no, sino más bien para amantes de lo gratuitamente complejo, de lo extraño y raro, pero en un sentido muy poco poético y alejado de la Música en un sentido global. Es difícil escuchar a este grupo y que te guste de manera sencilla y natural. Es de otro planeta, y esto no es un elogio.
Después del estudio pertinente de su discografía, el resultado es el siguiente: repetición y más repeticiones de esquemas que Fripp, en una manía anormal, se empeña en desgranar con matemática precisión y pocas variables de cambio durante muchísimos de sus discos. Para él y sus fieles seguidores imagino que cada cambio en la variable permutará de forma fantástica, pero el experimento solo tiene gracia para los que gustan de dicha experiencia. Experiencia que es bien degustable para unos y bien paradójica para otros, pues la música de Crimson es vesicular, amebática, concisa y fría en sus engranajes. Sus más fieles valoran sus entresijos, los neófitos no saben qué decir, por decir algo.
Aristocomplejo es la definición. Un nuevo término acuñado que aúna todas sus características: aristocrático, relleno de aristas y de complejidad. La música de King Crimson está diseminada de cosas asi. Cosas que aquí no nos interesan pues sencillamente son "magnificiencias y semiautomatismos" desprovistos de alma.
Pirados hay a miles que se congratulan y quedan extasiados con las evoluciones de esta formación musicovocal.
Fripp, alma irredenta. Y pesada.
Pero existe, ya en postrimerías, un disco llamado con este curioso nombre: The Construkction of Light.
Escuchad con atención este corte, pues parece que Robert Fripp ha aglutinado aquí toda la sensibilidad contenida durante tres décadas. El punteo de guitarra entre el minuto 25" y el 47" es el más desgarrador que he escuchado hasta la fecha, y ya es decir. Un temblor de tierra apabullante.
De nuevo en este post el objetivo del blog es cubierto al 100%: traer a la luz una absoluta joya en la oscuridad. Subid el volumen de vuestros altavoces y preparaos para sentir un escalofrío en las entrañas.
Periodo: 1969 - hoy.
En sus comienzos exploró el rock progresivo y más tarde el jazz fusion y la música experimental... pero cansina. Porque en este mundo se puede ser de todo menos pesado.
Muchos puristas y amantes de esta banda me van a crucificar, lo sé, pero me da igual.
Crimson solo supone un moco mal pegado en el culo de un dios de plastilina. Veréis.
El grupo, formado en 1969, tuvo muchos cambios hasta 1981, fecha en que se estabilizó por un breve periodo, resultando Robert Fripp, guitarrista y alma del grupo, el único miembro impertérrito.
Robert Fripp, un personaje difícil, muy perfeccionista (se le ha comparado en esta faceta con Ritchie Blackmore), pero mucho más excéntrico que el legendario líder de Deep Purple.
Las composiciones de King Crimson son para oídos, no diré selectos, porque no, sino más bien para amantes de lo gratuitamente complejo, de lo extraño y raro, pero en un sentido muy poco poético y alejado de la Música en un sentido global. Es difícil escuchar a este grupo y que te guste de manera sencilla y natural. Es de otro planeta, y esto no es un elogio.
Después del estudio pertinente de su discografía, el resultado es el siguiente: repetición y más repeticiones de esquemas que Fripp, en una manía anormal, se empeña en desgranar con matemática precisión y pocas variables de cambio durante muchísimos de sus discos. Para él y sus fieles seguidores imagino que cada cambio en la variable permutará de forma fantástica, pero el experimento solo tiene gracia para los que gustan de dicha experiencia. Experiencia que es bien degustable para unos y bien paradójica para otros, pues la música de Crimson es vesicular, amebática, concisa y fría en sus engranajes. Sus más fieles valoran sus entresijos, los neófitos no saben qué decir, por decir algo.
Aristocomplejo es la definición. Un nuevo término acuñado que aúna todas sus características: aristocrático, relleno de aristas y de complejidad. La música de King Crimson está diseminada de cosas asi. Cosas que aquí no nos interesan pues sencillamente son "magnificiencias y semiautomatismos" desprovistos de alma.
Pirados hay a miles que se congratulan y quedan extasiados con las evoluciones de esta formación musicovocal.
Fripp, alma irredenta. Y pesada.
Pero existe, ya en postrimerías, un disco llamado con este curioso nombre: The Construkction of Light.
Escuchad con atención este corte, pues parece que Robert Fripp ha aglutinado aquí toda la sensibilidad contenida durante tres décadas. El punteo de guitarra entre el minuto 25" y el 47" es el más desgarrador que he escuchado hasta la fecha, y ya es decir. Un temblor de tierra apabullante.
De nuevo en este post el objetivo del blog es cubierto al 100%: traer a la luz una absoluta joya en la oscuridad. Subid el volumen de vuestros altavoces y preparaos para sentir un escalofrío en las entrañas.
The Police (Roxanne) - 1978 / (Every breath you take) - 1983
Trío londinense formado por Gordon Matthew Sumner (Sting), Andy Summers y Stewart Copeland.
Estos tres músicos destacaron por su sorprendente calidad musical. Su sonido, una mezcla de rock y reagge fue tan particular que les dio una firma inconfundible, pero esta firma se encontraba sobre todo en su base rítmica, pues el trío armonizaba a las mil maravillas y el resultado era una música extremadamente limpia y precisa.
Los puntos negros, a mi entender, estaban en la voz de Sting, que en aquél entonces presentaba en la mayor parte de los temas un ahogo y tirantez, fruto de no llegar solvente a los notas agudas en las que él mismo insistía una y otra vez. Esto no ocurre, por supuesto, en Every breath you take, pues aquí Sting desarrolla su timbre natural. Un número uno indiscutible.
El otro agujero lo encontramos en la composición. Aunque soy consciente de que el grupo tuvo un tirón medíático increíble en los ´80, si analizamos esta variable muy en serio, hay muy pocas canciones realmente buenas.
Sin embargo, estas dos selecciones son temas sublimes. Eso es seguro.
Estos tres músicos destacaron por su sorprendente calidad musical. Su sonido, una mezcla de rock y reagge fue tan particular que les dio una firma inconfundible, pero esta firma se encontraba sobre todo en su base rítmica, pues el trío armonizaba a las mil maravillas y el resultado era una música extremadamente limpia y precisa.
Los puntos negros, a mi entender, estaban en la voz de Sting, que en aquél entonces presentaba en la mayor parte de los temas un ahogo y tirantez, fruto de no llegar solvente a los notas agudas en las que él mismo insistía una y otra vez. Esto no ocurre, por supuesto, en Every breath you take, pues aquí Sting desarrolla su timbre natural. Un número uno indiscutible.
El otro agujero lo encontramos en la composición. Aunque soy consciente de que el grupo tuvo un tirón medíático increíble en los ´80, si analizamos esta variable muy en serio, hay muy pocas canciones realmente buenas.
Sin embargo, estas dos selecciones son temas sublimes. Eso es seguro.
miércoles, 16 de septiembre de 2015
Christina Rosenvinge (Voy en un coche) - 1992 / (La distancia adecuada) - 2008
Ay Ay Ay Chris!!!
¿Dónde quedaron esas fantásticas canciones que hiciste con Alex de la Nuez? Pena, pena, pues eran casi todas perfectas (ver post de Alex & Christina, que atesora record de visitas hasta el momento en el blog!!).
Rediós, por qué tuviste que separarte de Alex?? Qué pajaritos volanderos se te cruzaron por la chola??
Yo te lo diré: se te cruzó la impedicia, el ser más, el hacer lo que tú querías... pero resulta que lo que tú solita querías hacer no era ni de lejos tan bueno como lo que tenías con Alex. Lástima.
Querida y sin embargo querida Christina, a pesar de lo dicho te mereces aquí una tribuna. Aunque estas selecciones, a mi entender, aun siendo muy buenas me han costado -como suelo decir- dios y calderos de pollo, pues entre tu discografía de solista atesoras pocas joyas, son canciones demasiado intimistas, pero siempre serás recordada, aunque te pese, por tu gloriosa etapa con Alex.
¿Dónde quedaron esas fantásticas canciones que hiciste con Alex de la Nuez? Pena, pena, pues eran casi todas perfectas (ver post de Alex & Christina, que atesora record de visitas hasta el momento en el blog!!).
Rediós, por qué tuviste que separarte de Alex?? Qué pajaritos volanderos se te cruzaron por la chola??
Yo te lo diré: se te cruzó la impedicia, el ser más, el hacer lo que tú querías... pero resulta que lo que tú solita querías hacer no era ni de lejos tan bueno como lo que tenías con Alex. Lástima.
Querida y sin embargo querida Christina, a pesar de lo dicho te mereces aquí una tribuna. Aunque estas selecciones, a mi entender, aun siendo muy buenas me han costado -como suelo decir- dios y calderos de pollo, pues entre tu discografía de solista atesoras pocas joyas, son canciones demasiado intimistas, pero siempre serás recordada, aunque te pese, por tu gloriosa etapa con Alex.
Neneh Cherry (Kootchi - Seven seconds - Woman) - 1996
Neneh Marianne Karlsson Cherry, nacida en 1964 en Estocolmo (Suecia), es una artista que le viene en vena, pues gran parte de su familia cercana son músicos.
No obstante, Neneh ha hecho muchas tonterías durante su ya extensa carrera, algunas con éxito y otras no. Me explico: alguien capaz de cantar el maravilloso tema "Woman" no debería de patinar tanto en otras producciones, pues su trabajo es de largo recorrido pero poco satisfactorio globalmente hablando.
Lo cierto es que perdió demasiado la cabeza por el rap, música en mi opinión que no era su fuerte y desaprovechó esa vertiente tan genuina que, por ejemplo, visitó de refilón con Youssou N´Dour (Seven Seconds) y en la que a mi juicio debería haber insistido mucho más, pues es ahí donde se encuentra su mejor luz.
Su momento cumbre se concentra en el álbum "Man", al que pertenecen los tres cortes. La producción anterior y posterior es notablemente inferior.
No obstante, Neneh ha hecho muchas tonterías durante su ya extensa carrera, algunas con éxito y otras no. Me explico: alguien capaz de cantar el maravilloso tema "Woman" no debería de patinar tanto en otras producciones, pues su trabajo es de largo recorrido pero poco satisfactorio globalmente hablando.
Lo cierto es que perdió demasiado la cabeza por el rap, música en mi opinión que no era su fuerte y desaprovechó esa vertiente tan genuina que, por ejemplo, visitó de refilón con Youssou N´Dour (Seven Seconds) y en la que a mi juicio debería haber insistido mucho más, pues es ahí donde se encuentra su mejor luz.
Su momento cumbre se concentra en el álbum "Man", al que pertenecen los tres cortes. La producción anterior y posterior es notablemente inferior.
Russ Ballard (Tonight) - 1980 / (Voices) - 1984 / (Is there anybody out there) - 2006
Su nombre real es Waltham Cross, virtuoso músico británico nacido en 1945 en Hertfordshire (Reino Unido), voz, guitarra y habilidoso al piano, armónica y teclados varios. Pero sobre todo buen compositor. Muchos de sus temas fueron grandes éxitos en otros grupos, y también ha sido muy versioneado por grandes como Colin Blunstone, Three Dog Night, Hot Chocolate, Kiss, Uriah Heep o Hello.
Aquí selecciono sus cuatro mejores obras originales de las que no existen covers (al menos de grandes grupos).
Aquí selecciono sus cuatro mejores obras originales de las que no existen covers (al menos de grandes grupos).
Methods of Mayhem (Who the hell cares) - 1999
Grupazo más que curioso de rap metal, formado por el polémico Tommy Lee, baterista de Mötley Crüe y antaño famoso por sus devaneos con Pamela Anderson. Un tipo inquieto, que con este debut, escrito en su estancia en la cárcel, logró un disco de oro.
En 2010 volvieron con un segundo embite (hibrido entre envite y embestida) con A public disservice announcement, con resultado más regular.
En 2010 volvieron con un segundo embite (hibrido entre envite y embestida) con A public disservice announcement, con resultado más regular.
jueves, 13 de agosto de 2015
Toto (Georgy Porgy) - (Hold the line) - 1978 / While my guitar weeps - House of the rising sun (2002)
Esta banda de California que comenzó su andadura en 1976 no es una banda normal al uso. Se trata realmente de un compendio de músicos de estudio a tan alto nivel, que cada uno por separado ha grabado cientos de discos. Por dar algún dato, el baterista Jeff Porcaro, más de 1000 discos, el guitarrista Steve Lukather, mas de 1500, David Paich (teclados), más de 1700 y no hay ningún otro miembro del grupo que no haya conseguido aparecer al menos en 600 ocasiones en diferentes trabajos.
Toto significa calidad, y sus servicios han sido requeridos por grandes como Michael Jackson por poner solo un ejemplo.
Pero el problema de Toto como grupo no es el estilo, pues los domina todos; su talón de aquiles siempre fue la composición. Tras el estudio de su discografía, encontramos una multitud de temas perfectamente ejecutados pero a los que les falta alma.
Curiosamente, excepto en muy muy contadas ocasiones de su discografía (he conseguido encontrar dos temas) las canciones más sobresalientes se encuentran en versiones de grupos-dioses, en los que Toto puede convertirse en casi un referente, debido al citado altísimo nivel técnico. Aquí podéis apreciar dos ejemplos: While my guitar gently geeps de George Harrison y House of the rising sun de Animals. Por cierto, en el post de Animals no quise seleccionar este su tema estrella por otros motivos, pero veréis que aquí está perfectamente justificado.
A destacar, fuera de selección:
> Baby he´s your man (1995)
Toto significa calidad, y sus servicios han sido requeridos por grandes como Michael Jackson por poner solo un ejemplo.
Pero el problema de Toto como grupo no es el estilo, pues los domina todos; su talón de aquiles siempre fue la composición. Tras el estudio de su discografía, encontramos una multitud de temas perfectamente ejecutados pero a los que les falta alma.
Curiosamente, excepto en muy muy contadas ocasiones de su discografía (he conseguido encontrar dos temas) las canciones más sobresalientes se encuentran en versiones de grupos-dioses, en los que Toto puede convertirse en casi un referente, debido al citado altísimo nivel técnico. Aquí podéis apreciar dos ejemplos: While my guitar gently geeps de George Harrison y House of the rising sun de Animals. Por cierto, en el post de Animals no quise seleccionar este su tema estrella por otros motivos, pero veréis que aquí está perfectamente justificado.
A destacar, fuera de selección:
> Baby he´s your man (1995)
Golpes Bajos (La Virgen loca) - (Ayes) - 1985 / (Estoy enfermo) - 1983 / (Escenas olvidadas) - 1984
Uno de los mejores grupos que han existido en España.
Nacieron en 1982 en Vigo, poco después de que German Coppini abandonara Siniestro Total (en el que participó como vocalista en su primer album de culto).
Coppini unió fuerzas con su amigo y antiguo compañero de instituto, un genio a los teclados, Teo Cardalda, y lograron componer una fantasía alucinante aunque lamentablemente de poco recorrido.
Golpes Bajos solamente editaron un famoso EP en 1983 de cinco temas; un LP (A Santa Compaña), en 1984, y un deslumbrante MiniLP al año siguiente, "Devocionario", un trabajo cúspide a una intensa carrera. Poco después Coppini siguió en solitario y Cardalda formó el grupo Cómplices.
Aunque el imaginario popular recuerda los singles de su primer EP No mires a los ojos de la gente y Malos tiempos para la lírica, y aunque en su LP subsiguiente encontramos buenos temas como Hazme un nueve y Cena recalentada, por ejemplo, no es hasta su último trabajo, "Devocionario", una absoluta joya, donde Golpes Bajos despliega su total maestría. Un trabajo de orfebrería majestuoso.
Como muestra, dos botones (¡para quitarse la camisa!!)
A destacar;
> No mires a los ojos de la gente - Malos tiempos para la lírica (1983).
> Hazme un nueve - Colecciono moscas - Hansel y Gretel - Cena recalentada (1984).
> Las travesuras de Till (1985).
Nacieron en 1982 en Vigo, poco después de que German Coppini abandonara Siniestro Total (en el que participó como vocalista en su primer album de culto).
Coppini unió fuerzas con su amigo y antiguo compañero de instituto, un genio a los teclados, Teo Cardalda, y lograron componer una fantasía alucinante aunque lamentablemente de poco recorrido.
Golpes Bajos solamente editaron un famoso EP en 1983 de cinco temas; un LP (A Santa Compaña), en 1984, y un deslumbrante MiniLP al año siguiente, "Devocionario", un trabajo cúspide a una intensa carrera. Poco después Coppini siguió en solitario y Cardalda formó el grupo Cómplices.
Aunque el imaginario popular recuerda los singles de su primer EP No mires a los ojos de la gente y Malos tiempos para la lírica, y aunque en su LP subsiguiente encontramos buenos temas como Hazme un nueve y Cena recalentada, por ejemplo, no es hasta su último trabajo, "Devocionario", una absoluta joya, donde Golpes Bajos despliega su total maestría. Un trabajo de orfebrería majestuoso.
Como muestra, dos botones (¡para quitarse la camisa!!)
A destacar;
> No mires a los ojos de la gente - Malos tiempos para la lírica (1983).
> Hazme un nueve - Colecciono moscas - Hansel y Gretel - Cena recalentada (1984).
> Las travesuras de Till (1985).
Queen (Death on two legs) - 1975 / (Play the game) - 1980 / (Don´t lose your head) - 1984 / (My baby does me) - 1989
Origen: Londres.
Periodo: 1970 - 1995.
La dificultad de análisis de este grupo es importante; soy consciente de la escisión, llamémosla "pureta" vs. "moderna" por definir de alguna forma a la legión fan de Queen, que consiste en diseccionar la producción del grupo entre los discos anteriores a 1980 (con "The Game" como último álbum), y los posteriores a este.
En Queen existen muchos temas imponentes que no van a tener cabida en el blog, por dos razones: están demasiado quemados o no son lo suficientemente buenos, a pesar del tirón mediático que algunos de ellos tuvieron.
Es de recibo citar al menos algunas canciones como Funny how love is (Queen II) o Tenement funster (Sheer heart attack). Obras maestras reconocidas como Another one bites the dust y el aclamado Bohemian Rhapsody, o incluso Bicycle race, por ejemplo, no tienen lugar aquí porque ya sabéis que esta tribuna se complace en llevar a la luz temas que, aun siendo perlas, no han tenido la oportunidad de brillar en todo su esplendor.
En otros grupos es más sencillo hacer esta selección, pero lógicamente la cosa se complica cuando hablamos de monstruos de esta talla.
No obstante, aunque me ha llevado largo tiempo decidir qué es lo mejor y menos conocido de Queen, por fin os puedo presentar el resultado.
Debo decir, a título personal, que si tuviera que quedarme con un periodo concreto de Queen recomendaría los albumes de corrido "A Kind of Magic" (86) y Miracle (89), creo que fue la época más creativa, madura e interesante de esta banda, considerando todas las variables posibles.
A pesar de los puristas y a pesar de que amo los ´70 por encima de cualquier otra década... Pero en Queen me pesan más estos dos maravillosos discos que sus igualmente alucinantes de la década setentera. A sopesar...
Soy consciente que en este post (quizá más que en ningún otro hasta la fecha), los temas seleccionados son quizá los más "oscuros" dentro de lo que cabe esperar de una superbanda, pero creo sinceramente por ello que este artículo cumple la función del blog al 100%.
A destacar:
> Drowse (1976)
> Jealousy (1978)
> Crazy little thing called love (1980)
> Hammer to fall (1984)
> A Kind of magic (1986)
> One vision (1986)
> Khashoggiís ship (1989)
> The Miracle (1989)
> The invisible man (1989)
> Breakthru (1989)
> I can´t live with you (1991)
Periodo: 1970 - 1995.
La dificultad de análisis de este grupo es importante; soy consciente de la escisión, llamémosla "pureta" vs. "moderna" por definir de alguna forma a la legión fan de Queen, que consiste en diseccionar la producción del grupo entre los discos anteriores a 1980 (con "The Game" como último álbum), y los posteriores a este.
En Queen existen muchos temas imponentes que no van a tener cabida en el blog, por dos razones: están demasiado quemados o no son lo suficientemente buenos, a pesar del tirón mediático que algunos de ellos tuvieron.
Es de recibo citar al menos algunas canciones como Funny how love is (Queen II) o Tenement funster (Sheer heart attack). Obras maestras reconocidas como Another one bites the dust y el aclamado Bohemian Rhapsody, o incluso Bicycle race, por ejemplo, no tienen lugar aquí porque ya sabéis que esta tribuna se complace en llevar a la luz temas que, aun siendo perlas, no han tenido la oportunidad de brillar en todo su esplendor.
En otros grupos es más sencillo hacer esta selección, pero lógicamente la cosa se complica cuando hablamos de monstruos de esta talla.
No obstante, aunque me ha llevado largo tiempo decidir qué es lo mejor y menos conocido de Queen, por fin os puedo presentar el resultado.
Debo decir, a título personal, que si tuviera que quedarme con un periodo concreto de Queen recomendaría los albumes de corrido "A Kind of Magic" (86) y Miracle (89), creo que fue la época más creativa, madura e interesante de esta banda, considerando todas las variables posibles.
A pesar de los puristas y a pesar de que amo los ´70 por encima de cualquier otra década... Pero en Queen me pesan más estos dos maravillosos discos que sus igualmente alucinantes de la década setentera. A sopesar...
Soy consciente que en este post (quizá más que en ningún otro hasta la fecha), los temas seleccionados son quizá los más "oscuros" dentro de lo que cabe esperar de una superbanda, pero creo sinceramente por ello que este artículo cumple la función del blog al 100%.
A destacar:
> Drowse (1976)
> Jealousy (1978)
> Crazy little thing called love (1980)
> Hammer to fall (1984)
> A Kind of magic (1986)
> One vision (1986)
> Khashoggiís ship (1989)
> The Miracle (1989)
> The invisible man (1989)
> Breakthru (1989)
> I can´t live with you (1991)
jueves, 16 de julio de 2015
Limp Bizkit (Nookie) - 1999 / (Take a look around) - (The One) - (Hot Dog) - 2000
Nacidos en Jacksonville (Florida) en 1994, con Fred Durst (vocales), Sam Rivers (bajo), John Otto (batería) y Wes Borland (guitarra).
Se sitúan en las postrimerías del llamado Nu Metal (para los neófitos, "el nuevo metal", género muy interesante que mezcla hip hop con hard rock y funky), pues aquí son pioneros Korn, Rage against the Machine y Linkin´Park, entre otros.
Sin embargo Limp Bizkit es mi grupo favorito sin duda en este estilo. Proyectan un alucinante despliegue energético nunca antes visto. Sus directos son un delirio, y no hay que perderse las creativas caracterizaciones de Wes Borland, pues más allá de sus lentillas negras, su faz y ropas se transforman en algo siempre espectacular (buscad en Imágenes de Google y veréis..., merece la pena el espectáculo).
Después de un par de intentos en 1997 y 1999, el año 2000 es su despegue definitivo, consiguiendo hacerse con la banda sonora de la franquicia de Tom Cruise, Misión Imposible II (Take a look around).
De hecho, este disco del 2000, llamado con el curioso título de Chocolate Starfish & The Hot Dog Flavored Water es una declaración de intenciones en firme, logrando más de un millón de copias en su primera semana y llegando a ser nº1 en EEUU, Canadá y Reino Unido. Espectacular. Y lo mejor es que lo merece.
A destacar, fuera de selección:
> My Generation (2000)
> The Only One, Head for the barricade, Behind blue eyes (cover de The Who) (2003).
Después de su separación han editado Gold Cobra (2011) y Stampede of the disco elephants (2015), buenos trabajos que sin embargo no llegan al cénit de 1999-2000, donde parecía totalmente que iban a comerse el mundo.
Lo cierto es que tanto Fred Durst como Wes Borland son personajes a los que debemos seguir la pista muy de cerca.
Se sitúan en las postrimerías del llamado Nu Metal (para los neófitos, "el nuevo metal", género muy interesante que mezcla hip hop con hard rock y funky), pues aquí son pioneros Korn, Rage against the Machine y Linkin´Park, entre otros.
Sin embargo Limp Bizkit es mi grupo favorito sin duda en este estilo. Proyectan un alucinante despliegue energético nunca antes visto. Sus directos son un delirio, y no hay que perderse las creativas caracterizaciones de Wes Borland, pues más allá de sus lentillas negras, su faz y ropas se transforman en algo siempre espectacular (buscad en Imágenes de Google y veréis..., merece la pena el espectáculo).
Después de un par de intentos en 1997 y 1999, el año 2000 es su despegue definitivo, consiguiendo hacerse con la banda sonora de la franquicia de Tom Cruise, Misión Imposible II (Take a look around).
De hecho, este disco del 2000, llamado con el curioso título de Chocolate Starfish & The Hot Dog Flavored Water es una declaración de intenciones en firme, logrando más de un millón de copias en su primera semana y llegando a ser nº1 en EEUU, Canadá y Reino Unido. Espectacular. Y lo mejor es que lo merece.
A destacar, fuera de selección:
> My Generation (2000)
> The Only One, Head for the barricade, Behind blue eyes (cover de The Who) (2003).
Después de su separación han editado Gold Cobra (2011) y Stampede of the disco elephants (2015), buenos trabajos que sin embargo no llegan al cénit de 1999-2000, donde parecía totalmente que iban a comerse el mundo.
Lo cierto es que tanto Fred Durst como Wes Borland son personajes a los que debemos seguir la pista muy de cerca.
martes, 30 de junio de 2015
Matchbox (Rockin´ at the Ritz) - 1979 / (Over the rainbow) - 1980 / (Buzz buzz a diddle it) -1979 / (You´re the one) - 1981
Grupo formado en Middlesex (EEUU) en 1971 que hace un esfuerzo encomiable para recuperar el sonido rockabilly de los ´50, como hicieron un poco después Stray Cats (ver post).
La diferencia entre estos dos memorables revivals es que Matchbox se ciñe algo más al estilo clásico, y eso le honra.
A partir de 1978 el gran vocalista Graham Fentom se hace con la direccíón del grupo y los proyecta a una nueva era fabulosa de éxitos en el circuito del rock americano clásico.
Siempre es importante recuperar esta onda musical pues activa unas emociones inéditas con cualquier otro espectro y, ¡cuidado!, no algo añejo, pues la emoción impertérrita ¡es fresca y joven ad aeternum!
La diferencia entre estos dos memorables revivals es que Matchbox se ciñe algo más al estilo clásico, y eso le honra.
A partir de 1978 el gran vocalista Graham Fentom se hace con la direccíón del grupo y los proyecta a una nueva era fabulosa de éxitos en el circuito del rock americano clásico.
Siempre es importante recuperar esta onda musical pues activa unas emociones inéditas con cualquier otro espectro y, ¡cuidado!, no algo añejo, pues la emoción impertérrita ¡es fresca y joven ad aeternum!
jueves, 25 de junio de 2015
Alex y Christina (No me pidas amor) - 1987 / (El souvenir) - (Sylvia cometió un error) - (El angel y el diablo) - 1989
Christina Rosenvinge, una virtuosa de vocales muy sugerentes (como lo fue en tiempos Jeannete -ver post) tuvo unos inicios desechables con Ella y los Neumáticos y más tarde con Magia Blanca, pero en 1987 unió fuerzas con Alex de la Nuez para un proyecto maravilloso que aún a día de hoy no ha sido lo suficiente valorado en su estricto nivel musical, al igual que le pasó a Rubi y los Casinos. Pero ambos grupos atesoran auténticas perlas melódicas.
A parte del magnífico Chas! y aparezco a tu lado existen otras buenísmas canciones.
En No me pidas amor resuena el eco de Aerolíneas Federales, aunque más poppy.
Otra joya es Sylvia cometió un error, precursora del feeling de Fangoria.
Y en El angel y el diablo tiene réditos con Dinarama, aunque siempre presentando una innegable personalidad propia de indudables atractivos varios... Los clips dicen mucho de ello.
Aunque lamentablemente solo editaron dos discos, son inolvidables. Posteriormente Christina emprendió otros proyectos en solitario, más orientados al rock aunque en los últimos discos se ha vuelto muy intimista (habrá post de ellos), pero me temo que algo inferiores teniendo en cuenta todas las variables.
KC & The Sunshine Band (Queen of clubs) - 1974 / (All my love) - 1974 / (Get down tonight) - 1975 / (That´s the way (i like it) - 1975
Origen: Miami (USA).
Periodo: 1973 - hoy.
Importantísima fábrica de bailables.
Su espectro recorre vertientes funk, R&B, soul y dance. Incluso música disco en sus últimos trabajos.
Su líder, Harry Wayne Casey formó el grupo en 1973 junto Richard Finch y el guitarrista Jerome Smith, todos personal de TK Records, una por entonces pequeña discográfica de Miami.
Casey transformó su apellido en "KC" y "Sunshine Band" procede de Sunshine State (Florida).
Después del repaso a su extensa discografía, lo mejor se encuentra en sus temas más conocidos, y esto no es lo normal. Cualquiera que siga el blog sabrá que esta no es la línea.
Pero sí en el caso de este grupo, en el que parece que todos estamos de acuerdo. Aún así selecciono dos temas que merecen estar aquí por encima de otros números uno.
En 1974 aparece el importante tema soul 100% All my love, bastante desconocido.
En 1975 lanzaron Get down tonight, el primero de sus cinco números uno.
Y en el mismo año, 1975, encontramos el superhit That´s the way (i like it), que fue nº1 en USA, Canadá y Países Bajos.
Ya tenía casi decidido colocar en la cuarta selección a Please don´t go (1979), la primera balada del grupo junto a I Betcha Didn't Know That -los otros dos números uno-, pero me he decantado finalmente por un tema de 1974, más desconocido (Queen of clubs), que no obstante fue el primer éxito del grupo llegando al top 10 en Reino Unido.
Otros buenos temas a señalar:
All Boogie shoes (75); Let it go -pt.2 (75); I like to do it (76); (Shake, shake, shake) shake your booty, otro nº1.
Periodo: 1973 - hoy.
Importantísima fábrica de bailables.
Su espectro recorre vertientes funk, R&B, soul y dance. Incluso música disco en sus últimos trabajos.
Su líder, Harry Wayne Casey formó el grupo en 1973 junto Richard Finch y el guitarrista Jerome Smith, todos personal de TK Records, una por entonces pequeña discográfica de Miami.
Casey transformó su apellido en "KC" y "Sunshine Band" procede de Sunshine State (Florida).
Después del repaso a su extensa discografía, lo mejor se encuentra en sus temas más conocidos, y esto no es lo normal. Cualquiera que siga el blog sabrá que esta no es la línea.
Pero sí en el caso de este grupo, en el que parece que todos estamos de acuerdo. Aún así selecciono dos temas que merecen estar aquí por encima de otros números uno.
En 1974 aparece el importante tema soul 100% All my love, bastante desconocido.
En 1975 lanzaron Get down tonight, el primero de sus cinco números uno.
Y en el mismo año, 1975, encontramos el superhit That´s the way (i like it), que fue nº1 en USA, Canadá y Países Bajos.
Ya tenía casi decidido colocar en la cuarta selección a Please don´t go (1979), la primera balada del grupo junto a I Betcha Didn't Know That -los otros dos números uno-, pero me he decantado finalmente por un tema de 1974, más desconocido (Queen of clubs), que no obstante fue el primer éxito del grupo llegando al top 10 en Reino Unido.
Otros buenos temas a señalar:
All Boogie shoes (75); Let it go -pt.2 (75); I like to do it (76); (Shake, shake, shake) shake your booty, otro nº1.
lunes, 15 de junio de 2015
Scorpions (Backstage Queen) - 1976 / (He's a Woman, She's a Man) - 1977 / (Can't live without you) - 1982 / (We let it rock...You let it roll) - 1988
Origen: Hannover (Alemania).
Periodo: 1965 - 2015.
Volvemos a las bandas épicas de hard rock, y digo hard rock porque lo mejor de Scorpions está en esta categoría musical y no en el heavy metal, como muchos puedan pensar.
En sus primeros trabajos los hermanos Rudolf y Michael Schenker (guitarra rítmica y solista, respectivamente) estuvieron en el proyecto. Pero en 1973 el pequeño genio Michael se incorpora a UFO (implementando la edad de oro de este grupo) y toma el relevo el virtuoso Uli Jon Roth hasta 1978, momento en que abandona la banda y es reemplazado por el joven Mathias Jabs con el que iniciaron el asalto al mercado americano (antes ya eran dioses en Europa y Japón).
Scorpions tiene muy buenos trabajos en la década de los ´70, de los que destaca el periodo 1976-1979 con Virgin Killer, Taken by Force y Lovedrive.
Atesoran más de 160 millones de discos y, a lo largo de su carrera, 35 discos de platino y más de 100 discos de oro.
En 1982 lanzaron Blackout, un álbum redondo de principio a fin, no superado por ninguna de sus producciones anteriores ni posteriores, con un Klaus Meine recién operado de problemas vocales y un tándem Rudolf / Mathias / Rarebell (batería) en plena forma.
A destacar:
> Action (72)
> Robot man (75)
> Catch your train (76)
> Virgin Killer (76)
> Steamrock Fever (77)
> I've Got to Be Free (77)
> Don't Make No Promises (78)
> Dynamite (82)
> No One Like You (82)
> Blackout (82)
> Arizona (82)
> The same thrill (84)
Periodo: 1965 - 2015.
Volvemos a las bandas épicas de hard rock, y digo hard rock porque lo mejor de Scorpions está en esta categoría musical y no en el heavy metal, como muchos puedan pensar.
En sus primeros trabajos los hermanos Rudolf y Michael Schenker (guitarra rítmica y solista, respectivamente) estuvieron en el proyecto. Pero en 1973 el pequeño genio Michael se incorpora a UFO (implementando la edad de oro de este grupo) y toma el relevo el virtuoso Uli Jon Roth hasta 1978, momento en que abandona la banda y es reemplazado por el joven Mathias Jabs con el que iniciaron el asalto al mercado americano (antes ya eran dioses en Europa y Japón).
Scorpions tiene muy buenos trabajos en la década de los ´70, de los que destaca el periodo 1976-1979 con Virgin Killer, Taken by Force y Lovedrive.
Atesoran más de 160 millones de discos y, a lo largo de su carrera, 35 discos de platino y más de 100 discos de oro.
En 1982 lanzaron Blackout, un álbum redondo de principio a fin, no superado por ninguna de sus producciones anteriores ni posteriores, con un Klaus Meine recién operado de problemas vocales y un tándem Rudolf / Mathias / Rarebell (batería) en plena forma.
A destacar:
> Action (72)
> Robot man (75)
> Catch your train (76)
> Virgin Killer (76)
> Steamrock Fever (77)
> I've Got to Be Free (77)
> Don't Make No Promises (78)
> Dynamite (82)
> No One Like You (82)
> Blackout (82)
> Arizona (82)
> The same thrill (84)
Cee Lo Green (Fuck you) - (It´s Ok) - (I want you) - (Satisfied) - 2010
Thomas DeCarlo Callaway (Atlanta, Georgia) es un cantante, compositor y conocido rapero en tiempos.
A partir de 2008 sus trabajos viran hacia el soul, R&B y funk, demostrando aquí su mejor potencial.
En 2010 dio un puñetazo en la mesa definitivo, editando en el mismo año dos muy buenos álbumes: Stray Bullets, del que destaco "I like it" y "Superwoman theme song"; y su impresionante The Lady Killer, en el que encontramos 4 joyas como "Fuck you", con la que ganó un Grammy y lanzó un alucinante videoclip, y los otros tres temas incluidos aquí.
Cee Lo, a sabiendas de la grandeza de este trabajo, elabora videoclips fantásticos a gogó.
Debo decir que es la primera vez que un artista consigue en el blog 4 selecciones de un mismo álbum y, además, 3 de 4 de los temas cuentan con videoclip. Impresionantes las tres filmaciones.
A destacar de este mismo álbum "Bright lights bigger city" (del que existe también un buen clip), y de su álbum de 2015, TV On the Radio, los cortes "Chocolatte" y "Big Girls".
A partir de 2008 sus trabajos viran hacia el soul, R&B y funk, demostrando aquí su mejor potencial.
En 2010 dio un puñetazo en la mesa definitivo, editando en el mismo año dos muy buenos álbumes: Stray Bullets, del que destaco "I like it" y "Superwoman theme song"; y su impresionante The Lady Killer, en el que encontramos 4 joyas como "Fuck you", con la que ganó un Grammy y lanzó un alucinante videoclip, y los otros tres temas incluidos aquí.
Cee Lo, a sabiendas de la grandeza de este trabajo, elabora videoclips fantásticos a gogó.
Debo decir que es la primera vez que un artista consigue en el blog 4 selecciones de un mismo álbum y, además, 3 de 4 de los temas cuentan con videoclip. Impresionantes las tres filmaciones.
A destacar de este mismo álbum "Bright lights bigger city" (del que existe también un buen clip), y de su álbum de 2015, TV On the Radio, los cortes "Chocolatte" y "Big Girls".
domingo, 14 de junio de 2015
Camilo Sesto (Sara) - (Fuego) -1972 / (La culpa ha sido mía) - 1979 / (Vuelve) - 1991
Camilo Blanes Cortés, nacido en Alcoy (Valencia) es uno de los artistas más importantes de todos los tiempos, con un récord de nada menos que 52 temas como números uno.
Camilo compone la mayoría de sus canciones, además de producirlas.
Su incansable actividad en la década de los 70´y 80´s le llevó a ser admirado y reverenciado en España, pero sobre todo en América.
Ha vendido más de 100 millones de discos, pero una faceta quizá olvidada de este autor es su generosidad con el más desfavorecido. Un ejemplo: en 1983 hizo en Méjico una docena de galas cuya recaudación fue íntegra para la Asociación Mejicana de Asistencia Cardiovascular, la Asociación de Niños Huérfanos "El Mexicanito", la Fundación Rotaria de Rehabilitación, La Cruz Roja Mejicana y La Casa Cuna "La Paz", entregando los cheques personalmente.
Sus premios y discos de oro y platino son apabullantes. En diciembre de 2004 se edita el recopilatorio llamado "Camilo Sesto nº1", con tal éxito de ventas que consiguió 50 discos diamante.
En 2007, en una votación telefónica del por entonces programa de máxima audiencia Sé lo que hicisteis, fue elegido "el cantante español más famoso de la historia", muy por delante de otros ilustres, como Julio Iglesias, Raphael o Miguel Bosé.
El 28 de mayo de 2011 se le concede en Las Vegas el premio "Máximo orgullo hispano", y se proclama ese día como "Día de Camilo Sesto".
Como os podréis imaginar, ha costado mucho seleccionar solo cuatro temas de su enorme discografía.
Personalmente me encantan las composiciones orquestadas, cercanas a su maravillosa Vivir así es morir de amor (1978). Pero antes de este tema existen dos piezas poco conocidas por el gran público y que ya suponen dos selecciones. Se trata de "Sara" (homenaje a su amiga Sara Montiel) y "Fuego", ambas pertenecientes al disco "Solo un hombre" (1972).
En 1991, después de un retiro de cuatro años, vuelve con un sorprendente trabajo, aportando un sonido más moderno, con la misma esencia. Pero lo que destaca aquí es la incorporación del fantástico guitarrista brasileño Robertinho de Recife, que nos deleita en varios temas del álbum con unos punteos memorables.
Vamos a la discografía complementaria (y necesaria):
- Algo de mi (72)++
- El por qué (72)
- Fresa salvaje (72)
- Solo mía (76)
- Foolish love (76)
- Girasol (78)+
- Vivir así es morir de amor (78)++
- Loving you (79) (con un interesante despliegue de falsete a la moda Bee Gees de la época).
- Vivir sin ti (80)
- Locura sin dirección (84)
- Quién eres tú (85)
- Por qué me tratas así (86)
- Necesito un amor (91)+
- Amores con doble vida (91)
Camilo compone la mayoría de sus canciones, además de producirlas.
Su incansable actividad en la década de los 70´y 80´s le llevó a ser admirado y reverenciado en España, pero sobre todo en América.
Ha vendido más de 100 millones de discos, pero una faceta quizá olvidada de este autor es su generosidad con el más desfavorecido. Un ejemplo: en 1983 hizo en Méjico una docena de galas cuya recaudación fue íntegra para la Asociación Mejicana de Asistencia Cardiovascular, la Asociación de Niños Huérfanos "El Mexicanito", la Fundación Rotaria de Rehabilitación, La Cruz Roja Mejicana y La Casa Cuna "La Paz", entregando los cheques personalmente.
Sus premios y discos de oro y platino son apabullantes. En diciembre de 2004 se edita el recopilatorio llamado "Camilo Sesto nº1", con tal éxito de ventas que consiguió 50 discos diamante.
En 2007, en una votación telefónica del por entonces programa de máxima audiencia Sé lo que hicisteis, fue elegido "el cantante español más famoso de la historia", muy por delante de otros ilustres, como Julio Iglesias, Raphael o Miguel Bosé.
El 28 de mayo de 2011 se le concede en Las Vegas el premio "Máximo orgullo hispano", y se proclama ese día como "Día de Camilo Sesto".
Como os podréis imaginar, ha costado mucho seleccionar solo cuatro temas de su enorme discografía.
Personalmente me encantan las composiciones orquestadas, cercanas a su maravillosa Vivir así es morir de amor (1978). Pero antes de este tema existen dos piezas poco conocidas por el gran público y que ya suponen dos selecciones. Se trata de "Sara" (homenaje a su amiga Sara Montiel) y "Fuego", ambas pertenecientes al disco "Solo un hombre" (1972).
En 1991, después de un retiro de cuatro años, vuelve con un sorprendente trabajo, aportando un sonido más moderno, con la misma esencia. Pero lo que destaca aquí es la incorporación del fantástico guitarrista brasileño Robertinho de Recife, que nos deleita en varios temas del álbum con unos punteos memorables.
Vamos a la discografía complementaria (y necesaria):
- Algo de mi (72)++
- El por qué (72)
- Fresa salvaje (72)
- Solo mía (76)
- Foolish love (76)
- Girasol (78)+
- Vivir así es morir de amor (78)++
- Loving you (79) (con un interesante despliegue de falsete a la moda Bee Gees de la época).
- Vivir sin ti (80)
- Locura sin dirección (84)
- Quién eres tú (85)
- Por qué me tratas así (86)
- Necesito un amor (91)+
- Amores con doble vida (91)
sábado, 16 de mayo de 2015
The Stone Roses (Breaking into heaven) - (Love spreads) - (Good times) - 1994
Banda orginaria de Manchester.
Fue un referente britpop para lo que llegó en los ´90 con solamente dos discos (1989-1994).
Grupo de culto. Atención a su "Breaking into heaven", con una introducción de más de cuatro minutos.
En "Good Times" escuchamos a unos The Doors regenerados.
Fue un referente britpop para lo que llegó en los ´90 con solamente dos discos (1989-1994).
Grupo de culto. Atención a su "Breaking into heaven", con una introducción de más de cuatro minutos.
En "Good Times" escuchamos a unos The Doors regenerados.
martes, 21 de abril de 2015
Collective Soul (December) - (Collection of Goods) - 1995 / (Link) - 1997 / (Perfect day) - 2000
Originarios de Georgia (EEUU).
Uno de los grupos más interesantes de los últimos tiempos. Y no me extraña. Con influencias de Elvis Presley, The Beatles, Elton John y The Cars supieron marcar el feeling-rock en una nueva dimensión.
Desde su álbum debut en 1993 aportan siempre alguna perla suprema en cada uno de sus discos (9 de estudio), y eso es algo que de casi ningún artista puede decirse. Es otra banda en la que cuesta hacer una síntesis tan concisa como la que pretendo. Por ello hay una selección complementaria que no debe pasar desapercibida, pues algunos de estos temas podrían igualmente estar en el estrado.
Es la siguiente:
> (1993): Burning bridges. Gran tema de su album debut y si no está en el podio es por tablas.
> (1995): Smashing young man,
> (1997): Blame / Everything.
> (1999): Heavy.
> (2000): Why. Pt.2 / Happiness.
> (2004): Better now.
> (2007): What i can give you / Bearing witness.
> (2009): Welcome all again / Dig / You.
> (1999): Heavy.
> (2000): Why. Pt.2 / Happiness.
> (2004): Better now.
> (2007): What i can give you / Bearing witness.
> (2009): Welcome all again / Dig / You.
domingo, 19 de abril de 2015
Mermelada (Coge el Tren) - (Es mejor así) - 1979
Mermelada de Lentejas, este era el nombre original de esta maravillosa banda de rock n´roll madrileña.
Liderados por Javier Teixidor lograron en sus dos primeros álbumes (1979, 1981) un estilo rompedor de hacer rockanrol.
Grabando un total de ocho discos de estudio, pero su frescura y desparpajo se mantiene solo en los dos primeros, en los que abogan por una música festiva y descarnada, símbolo de lo que fue un determinado exponente de la movida madrileña.
Liderados por Javier Teixidor lograron en sus dos primeros álbumes (1979, 1981) un estilo rompedor de hacer rockanrol.
Grabando un total de ocho discos de estudio, pero su frescura y desparpajo se mantiene solo en los dos primeros, en los que abogan por una música festiva y descarnada, símbolo de lo que fue un determinado exponente de la movida madrileña.
viernes, 17 de abril de 2015
Black Sabbath (Sabra Cadabra) - 1973 / (Lady Evil) - (Walk Away) - (Lonely is the word) (1980)
Esta bomba de neutrones se formó en Birmingham, Reino Unido, allá por 1968.
Aunque los críticos comparten la creación del sonido heavy metal con otros grupos, tales como Deep Purple, Led Zeppelin o Uriah Heep, lo cierto es que Ozzy Osbourne, Tommy Iommi, Geezer Butler y Bill Ward fueron los auténticos artífices de este particular modo de hacer música. Fueron los primeros en ajustar sus guitarras en un inusitado sonido grave, muy grave y profundo... Y ese fue el inicio del heavy metal. Sin más discusión. Fue un invento de Black Sabbath.
Me voy a posicionar en contra de las voces críticas clásicas, que siempre han entendido que lo mejor de Black Sabbath se encuentra en sus primeros cuatro trabajos, a saber: "Black Sabbath (1969), "Paranoid" (1970), "Master of Reality" (1971) y "Vol. 4" (1972).
Desde el punto de vista de quien ha tenido a este grupo como "cuatro esquinitas tiene mi cama...", como manual de cabecera, puedo certificar sin lugar a error que a partir de "Sabbath Bloody Sabbath" (1973) el grupo demuestra una madurez que antes no tenía. Verdad es que hay temas interesantes en su primera época, tanto en su álbum debut, como en Paranoid. Señalaría "After Forever" (1971) por esa sorprendente firma de guitarras tan pesadas; algo casi sobrenatural para la época.
En el "Vol. 4" Ozzy ensaya su primer cambio radical a melódico, que más tarde y ya en solitario hará las delicias en varias ocasiones junto al dios Randy Rhoads. El tema en donde ocurre es "Snowblind". De este largo también destacaría "St. Vitus Dance" y "Under the sun", genuinamente Sabbath.
Por aquellos tiempos (1973) el grupo al completo estaba hecho polvo a causa de los excesos -drogas a tutiplén- pero la experiencia no les impidió fabricar cuatro discos de corrido excelentes, desde el magnífico y necesario "Sabbath bloody Sabbath" (1973), pasando por el increíble "Sabotage" (1975), continuando con un"Technical Ecstasy" (1976) fuera de lo normal y terminando con el sorprendente experimento garage "Never say day" (1978). Los dos últimos defenestrados por la crítica. Pero ya digo que voy de opinión diametralmente opuesta, pues mantengo que estos últimos cuatro trabajos dentro de la "era Ozzy" son mejores que los 4 primeros.
Ya sin Ozzy como cantante, reemplazado por Ronnie James Dio, antiguo frontman de ELF y de Rainbow, con unas vocales que ya quisiera cualquiera, apareció en 1980 "Heaven and Hell", que se convirtió en uno de los mejores y más completos trabajos de rock de la historia. Un absoluto diamante en el que brilla todo todito todo. El mejor disco de este grupo, sin duda ninguna.
Juro que he intentando, repasando temas de la era Ozzy, incluir al menos uno más para que estuviera más compensado el balance, pero he de ser justo. Si, según las propias normas del blog me he de ceñir a una selección exhaustiva de solo 4 temas como máximo, lo cierto es que solo Sabra Cadabra de la era Ozzy es meritorio si tenemos en cuenta el Heaven & Hell de la era Dio. Es una verdad incontestable que este trabajo de 1980 se hace con casi toda la gloria. Merecida por todos sus poros. El problema es que Sabbath tiene muchos temas buenos en los ´70 pero que aún siendo excelentes se ven eclipsados por Heaven and Hell. Las reglas del blog cometen injusticia en este grupo. ¡Mea culpa!
Ronnie James hizo a continuación con los Sabbath "Mob Rules" (1982), del que destaca el tema homónimo y alguno más, pero está lejos de la cristalidad de Heaven and Hell.
Se fue Dio (formando una legendaria banda en solitario), llegó Ian Gillan e hicieron Born Again (1983), interesante, pero lejos de este podio. Y ahí acabó todo lo bueno... Luego Tommy Iommi tuvo que vérselas solo, y ni siquiera nada de Dehumanizer (reunión con Dio en 1992) es reseñable.
Muuuuuucho después hay cónclave con Ozzy en 2013, sumando nuevo trabajo de estudio ("13"), del que hay decir, sintiéndolo mucho, que es una caquita pinchada en un palito, poco más o menos. Quizá me pase un pelín, pero seguro que no demasiado.
Escuchemos mejor a Sabbath entre 1973 y 1980, es mi recomendación, cuando eran dioses. Con Ozzy lo fueron, pero también con Dio. Sin duda.
Vamos a la selección complementaria (y necesaria):
> "Sabbath bloody Sabbath" (1973):
A destacar, aparte del tema escogido: Spiral Architect, Killing yourself to live y Looking for today.
> "Sabotage" (1976): Symptom of universe, The Thrill of it all.
> "Technical Ecstasy" (1977): You won´t change me, She´s Gone.
> "Never say day" (1978): Johnny Blade, Shock Wave y Over to You.
> "Heaven & Hell (1980): Heaven & Hell, Children of the Sea, Neon Knights...
Por aquellos tiempos (1973) el grupo al completo estaba hecho polvo a causa de los excesos -drogas a tutiplén- pero la experiencia no les impidió fabricar cuatro discos de corrido excelentes, desde el magnífico y necesario "Sabbath bloody Sabbath" (1973), pasando por el increíble "Sabotage" (1975), continuando con un"Technical Ecstasy" (1976) fuera de lo normal y terminando con el sorprendente experimento garage "Never say day" (1978). Los dos últimos defenestrados por la crítica. Pero ya digo que voy de opinión diametralmente opuesta, pues mantengo que estos últimos cuatro trabajos dentro de la "era Ozzy" son mejores que los 4 primeros.
Ya sin Ozzy como cantante, reemplazado por Ronnie James Dio, antiguo frontman de ELF y de Rainbow, con unas vocales que ya quisiera cualquiera, apareció en 1980 "Heaven and Hell", que se convirtió en uno de los mejores y más completos trabajos de rock de la historia. Un absoluto diamante en el que brilla todo todito todo. El mejor disco de este grupo, sin duda ninguna.
Juro que he intentando, repasando temas de la era Ozzy, incluir al menos uno más para que estuviera más compensado el balance, pero he de ser justo. Si, según las propias normas del blog me he de ceñir a una selección exhaustiva de solo 4 temas como máximo, lo cierto es que solo Sabra Cadabra de la era Ozzy es meritorio si tenemos en cuenta el Heaven & Hell de la era Dio. Es una verdad incontestable que este trabajo de 1980 se hace con casi toda la gloria. Merecida por todos sus poros. El problema es que Sabbath tiene muchos temas buenos en los ´70 pero que aún siendo excelentes se ven eclipsados por Heaven and Hell. Las reglas del blog cometen injusticia en este grupo. ¡Mea culpa!
Ronnie James hizo a continuación con los Sabbath "Mob Rules" (1982), del que destaca el tema homónimo y alguno más, pero está lejos de la cristalidad de Heaven and Hell.
Se fue Dio (formando una legendaria banda en solitario), llegó Ian Gillan e hicieron Born Again (1983), interesante, pero lejos de este podio. Y ahí acabó todo lo bueno... Luego Tommy Iommi tuvo que vérselas solo, y ni siquiera nada de Dehumanizer (reunión con Dio en 1992) es reseñable.
Muuuuuucho después hay cónclave con Ozzy en 2013, sumando nuevo trabajo de estudio ("13"), del que hay decir, sintiéndolo mucho, que es una caquita pinchada en un palito, poco más o menos. Quizá me pase un pelín, pero seguro que no demasiado.
Escuchemos mejor a Sabbath entre 1973 y 1980, es mi recomendación, cuando eran dioses. Con Ozzy lo fueron, pero también con Dio. Sin duda.
Vamos a la selección complementaria (y necesaria):
> "Sabbath bloody Sabbath" (1973):
A destacar, aparte del tema escogido: Spiral Architect, Killing yourself to live y Looking for today.
> "Sabotage" (1976): Symptom of universe, The Thrill of it all.
> "Technical Ecstasy" (1977): You won´t change me, She´s Gone.
> "Never say day" (1978): Johnny Blade, Shock Wave y Over to You.
> "Heaven & Hell (1980): Heaven & Hell, Children of the Sea, Neon Knights...
jueves, 9 de abril de 2015
Rocky Sharpe (Drip drop) - 1975 / (Heart) - 1981
Este experimento inglés se inicia en 1972 con The Razors, inspirado en el sonido doo wop (nuestro du duduá), sonido nacido en los ´40 pero de gran éxito en las dos décadas siguientes en EEUU, donde fue una absoluta impronta musical, basado en una mezcla de rhythm and blues y gospel. Y esa atmósfera es la que intenta recuperar a toda costa Rocky Sharpe.
Lo consiguió de pleno en algunas ocasiones.
Su álbum más completo es Shout! Shout! (1981).
Su álbum más completo es Shout! Shout! (1981).
El grupo se disolvió en 1984.
En 1978, con Rama Lama Ding Dong, llegaron al estrellato con esta versión de The Edsels, a mi entender vomitiva, y que no hace justicia a Rocky Sharpe, sobre todo porque parece que el vulgo ignaro solo es capaz de recordar al grupo por este tema. Aunque también es cierto que de ello bien tienen la culpa las emisoras de radio, que por aquél entonces emitían sin cesar y cual pesadilla la susodicha serenata.Groove Armada (At the River) - 1997 / (Madder) - 2002 / (Feel the same) - 2007
Grupo de música electrónica formado en Cambridge (UK) por los muy avisados DJ´s y productores Andy Cato y Tom Findlay.
El nombre de Groove Armada alude a una fiesta que se celebraba en Newcastle en los ´70.
En activo desde 1996, han editado una decena de discos, la mayoría insustanciales, pero hay algunas joyas dispersas que hay que recuperar aquí. Perlas muy interesantes, como enseguida veréis.
Su hit de 1997 "At the River", utilizando el sample Old cape Cod de Patti Page es recogido en varias compilaciones chill out.
Su album más completo hasta el momento es "Lovebox (2002), en el que hay que destacar, aparte del seleccionado Madder, también Remember y Think Twice.
Aunque, en mi opinión, no tengo duda ninguna en que lo supremo de este grupo se encuentra en el tema "Feel the Same" (2007), interpretado por la cantante R&B Angie Stone.
El nombre de Groove Armada alude a una fiesta que se celebraba en Newcastle en los ´70.
En activo desde 1996, han editado una decena de discos, la mayoría insustanciales, pero hay algunas joyas dispersas que hay que recuperar aquí. Perlas muy interesantes, como enseguida veréis.
Su hit de 1997 "At the River", utilizando el sample Old cape Cod de Patti Page es recogido en varias compilaciones chill out.
Su album más completo hasta el momento es "Lovebox (2002), en el que hay que destacar, aparte del seleccionado Madder, también Remember y Think Twice.
Aunque, en mi opinión, no tengo duda ninguna en que lo supremo de este grupo se encuentra en el tema "Feel the Same" (2007), interpretado por la cantante R&B Angie Stone.
lunes, 23 de marzo de 2015
The Vibrators (Rocket to the moon) - (Jumpin´Jack flash) - 1982 / (Flying duck theory) - 1978 / (No, no, no) - 1994
Grupo londinense punk, nacido en 1976 y aún en activo, con nada menos que 15 discos de estudio en su haber.
También: "Mx America" (1984).
A finales de los ´70 tuvieron un éxito considerable.
Su V2 (1978) es considerado uno de los mejores discos punk de la historia.
De todos modos y, sin duda, me quedo con su trabajo de 1982 (Guilty).
Su V2 (1978) es considerado uno de los mejores discos punk de la historia.
De todos modos y, sin duda, me quedo con su trabajo de 1982 (Guilty).
En selección, una buenísima versión del "Jumpin´Jack flash" de Rolling Stones. Aunque también hay que destacar del mismo: "Wolfman Wolf", "Fighter Pilot" y "Watch out baby".
También: "Mx America" (1984).
sábado, 21 de marzo de 2015
Jeanette (Por qué te vas) - 1973 / (Jeremie) -1977 / Cuando estoy con el (1981) / (Sol de verano) - 1986
Janette Anne Dimech. Nació en Londres. Sus padres se trasladaron a EEUU y, tras su divorcio, Jeanette, de adolescente viaja a España. Allí comienza su andadura musical, primero con Pic-Nic en 1967-68, y más tarde en solitario, tras una oferta de la discográfica Hispavox que intuía que esta chica era un filón. El gran
Manuel Alejandro compuso para ella "Soy Rebelde", que fue un éxito inmediato.
Pero en 1973 José Luis Perales le cedió su tema "Por qué te vas", magnificado aún más después de que en 1975 Carlos Saura lo utilizara como banda sonora de su película "Cría Cuervos", un excelente film, en el que una Ana Torrent de 9 años bailaba junto a sus dos hermanas el tema al completo. De hecho, el corte Youtube pertenece al fragmento porque representa realmente el momento del estrellato de esta artista, que en propias declaraciones dice "Soy Rebelde fue un gran éxito, pero Por qué te vas lo fue aún más gracias a la película". Cinta con momentos inquietantes, que a "Miss Melancolía" -como a mí me gusta definir a Jeanette- le venían como anillo al dedo.
No obstante, aparte de los dos temas citados (sin duda los de mayor éxito y más conocidos), existe un buen puñado de buenísimas canciones, como la cuasi desconocida "Jeremie", a la altura de las otras dos joyas.
Jeanette perpetra un registro perfecto en referencia a la confabulación de los parámetros idealizados de inocencia, pureza y belleza muy pocas veces vistos en el panorama musical.
Una de las cantantes que se acercaron a esa definición tan particular pudiera ser -salvando las distancias- Christina Rosenvinge en sus comienzos, cuando cosechó sus hits al frente de "Alex y Cristina". Una diferencia superficial de pose, letras e intencíón, es claro, pero aún así veo un paralelismo. Es una sugerencia sugerente.
Después de un lapso de descanso, y gracias a las composiciones de Manuel Alejandro, lanzó su mejor trabajo de conjunto, "Corazón de Poeta", 1981, en la que casi todo es crema.
A destacar de este álbum, aparte del increíble "Cuando estoy con el" (en selección); "Frente a frente" (atención a la letra), y "Comiénzame a vivir".
Más adelante, encontramos algún buen destello en "Baila conmigo" (1984), pero también en su disco Reluz de 1986: "No me fío más" y "Sol de verano", dos temas festivos muy interesantes.
El último trabajo de estudio es Loca por la Música (1989), de bastante tirón mediático y onda pop, pero ya lejano a este podio.
Manuel Alejandro compuso para ella "Soy Rebelde", que fue un éxito inmediato.
Pero en 1973 José Luis Perales le cedió su tema "Por qué te vas", magnificado aún más después de que en 1975 Carlos Saura lo utilizara como banda sonora de su película "Cría Cuervos", un excelente film, en el que una Ana Torrent de 9 años bailaba junto a sus dos hermanas el tema al completo. De hecho, el corte Youtube pertenece al fragmento porque representa realmente el momento del estrellato de esta artista, que en propias declaraciones dice "Soy Rebelde fue un gran éxito, pero Por qué te vas lo fue aún más gracias a la película". Cinta con momentos inquietantes, que a "Miss Melancolía" -como a mí me gusta definir a Jeanette- le venían como anillo al dedo.
No obstante, aparte de los dos temas citados (sin duda los de mayor éxito y más conocidos), existe un buen puñado de buenísimas canciones, como la cuasi desconocida "Jeremie", a la altura de las otras dos joyas.
Jeanette perpetra un registro perfecto en referencia a la confabulación de los parámetros idealizados de inocencia, pureza y belleza muy pocas veces vistos en el panorama musical.
Una de las cantantes que se acercaron a esa definición tan particular pudiera ser -salvando las distancias- Christina Rosenvinge en sus comienzos, cuando cosechó sus hits al frente de "Alex y Cristina". Una diferencia superficial de pose, letras e intencíón, es claro, pero aún así veo un paralelismo. Es una sugerencia sugerente.
Después de un lapso de descanso, y gracias a las composiciones de Manuel Alejandro, lanzó su mejor trabajo de conjunto, "Corazón de Poeta", 1981, en la que casi todo es crema.
A destacar de este álbum, aparte del increíble "Cuando estoy con el" (en selección); "Frente a frente" (atención a la letra), y "Comiénzame a vivir".
Más adelante, encontramos algún buen destello en "Baila conmigo" (1984), pero también en su disco Reluz de 1986: "No me fío más" y "Sol de verano", dos temas festivos muy interesantes.
El último trabajo de estudio es Loca por la Música (1989), de bastante tirón mediático y onda pop, pero ya lejano a este podio.
miércoles, 18 de marzo de 2015
Mike Oldfield (Crises) - (Foreign affair) - (Moonlight shadow) - 1983
Origen: Reading (UK).
Periodo: 1967 - hoy.
Bueno, Mike Oldfield suena bien, suena bien su nombre e incluso suena bien su música por momentos, sólo por momentos. Pero no perdamos el norte.
Según como yo lo veo, después del pertinente análisis de su completa discografía, sus ideas instrumentales se componen de melodías demasiado simples y repetitivas. Y este es el problema.
Tubular Bells no es nada del otro mundo, por muy laureado que fuera. Hay algo ahí, sí, es indudable, pero no lo suficiente para elevar a este artista a los podios en los que ha estado.
Sin embargo, hubo un momento en que Oldfield supo engrasar un disco no instrumental, un disco para el que encontró un acierto de cantante (Maggie Reilly) y supo hacer una música entendible y saneada de tics.
De hecho, creo que el experimento (pues dentro de la produccíón tan intimista de Mike Oldfield "Crises" fue un experimento) "hacia lo comercial" funcionó a las mil maravillas. Ahí tenemos, el éxito de "Moonlight Shadow" (el tema más conocido de este autor). Pero "Crises" quedó como un alarde de buen hacer de principio a fin, como una isla solitaria de la que hay que dejar constancia. Incluso su portada es diferente y muy sugestiva. Atención al tema homónimo, que ocupaba en tiempos toda la cara A en vinilo, composición larga y llena de giros sorprendentes, probablemente lo mejor de Oldfield.
Krokus (Freak Dream) - 1976 / (Lonesome rider) - 1977 / (Long stick goes boom) - (To the top) - 1982 / (Drive it in) - 2010
Origen: Suiza.
Periodo: 1974 - 2013.
Os aseguro que la anécdota que paso a relatar es auténtica:
Poco después de morir Bon Scott de AC/DC se me ocurrió anunciar al elenco de mis colegas que Bon, antes de pasar a mejor vida, había dejado varios temas inéditos que supuestamente habían sido cristalizados con el grupo en un disco posterior a Highway to Hell (1979), oficialmente el último de Bon con la banda australiana. A priori nadie me creyó, hasta que presenté las pruebas: les puse a escuchar un disco en el que parecía totalmente que Scott era el cantante pero sobre todo sonaba a AC/DC 100%. Todos creyeron a pie juntillas esta sublime patraña. Y no era para menos. El disco del delito se llamaba "One vice at a time" y no era de AC/DC sino de un grupo suizo llamado Krokus; un discazo, lanzado en 1982, que con maestría sobrenatural parecía reproducir completamente el sonido de AC/DC, incluído el de su mítico vocalista Bon Scott; era la viva encarnación de lo que hubiera hecho AC/DC si efectivamente Bon Scott no hubiera muerto. Si no eso, algo muy parecido.
Este idilio por el sonido Young-Young-Scott persistió por siempre en Krokus. De hecho, ellos mismos lo reconocen... "ya nada fue igual después de escuchar a AC/DC"- dicen.
Pero, fuera de anécdotas, es el momento de poner las cosas en su lugar, pues Krokus ya era un pedazo de grupo cuando AC/DC estaban grabando su High Voltage en 1976. Entonces Krokus no era como AC/DC, tenían un cantante más R&B (Chris Von Rohr) nada parecido a Bon, y eran capaces de hacer absolutas maravillas lisérgicas, como en sus trabajos iniciáticos de 1976 y 1977. Por cierto, el primer disco de Krokus (1976) es una joya muy buscada por los coleccionistas, y no me extraña, es un trabajo mayúsculo y muy especial.
Ya en los ´80 viraron como he dicho hacia un sonido muy muy similar al del grupo australiano, consiguiendo ese impecable "One vice at a time", otra joya de discoteca pues pasa completamente por un post- Highway to Hell. (Aporto prueba. El inicio de "Long stick goes boom" es además casi el mismo del Riff Raff de Ac/dc en su sublime directo de 1978). Y en "To The top" podéis constatar el espíritu de Bon sobrevolando.
Como veréis, en el último corte de 2010 seguimos escuchando a "Bon" como si estuviera ahí mismo, vivito y coleando.
Periodo: 1974 - 2013.
Os aseguro que la anécdota que paso a relatar es auténtica:
Poco después de morir Bon Scott de AC/DC se me ocurrió anunciar al elenco de mis colegas que Bon, antes de pasar a mejor vida, había dejado varios temas inéditos que supuestamente habían sido cristalizados con el grupo en un disco posterior a Highway to Hell (1979), oficialmente el último de Bon con la banda australiana. A priori nadie me creyó, hasta que presenté las pruebas: les puse a escuchar un disco en el que parecía totalmente que Scott era el cantante pero sobre todo sonaba a AC/DC 100%. Todos creyeron a pie juntillas esta sublime patraña. Y no era para menos. El disco del delito se llamaba "One vice at a time" y no era de AC/DC sino de un grupo suizo llamado Krokus; un discazo, lanzado en 1982, que con maestría sobrenatural parecía reproducir completamente el sonido de AC/DC, incluído el de su mítico vocalista Bon Scott; era la viva encarnación de lo que hubiera hecho AC/DC si efectivamente Bon Scott no hubiera muerto. Si no eso, algo muy parecido.
Este idilio por el sonido Young-Young-Scott persistió por siempre en Krokus. De hecho, ellos mismos lo reconocen... "ya nada fue igual después de escuchar a AC/DC"- dicen.
Pero, fuera de anécdotas, es el momento de poner las cosas en su lugar, pues Krokus ya era un pedazo de grupo cuando AC/DC estaban grabando su High Voltage en 1976. Entonces Krokus no era como AC/DC, tenían un cantante más R&B (Chris Von Rohr) nada parecido a Bon, y eran capaces de hacer absolutas maravillas lisérgicas, como en sus trabajos iniciáticos de 1976 y 1977. Por cierto, el primer disco de Krokus (1976) es una joya muy buscada por los coleccionistas, y no me extraña, es un trabajo mayúsculo y muy especial.
Ya en los ´80 viraron como he dicho hacia un sonido muy muy similar al del grupo australiano, consiguiendo ese impecable "One vice at a time", otra joya de discoteca pues pasa completamente por un post- Highway to Hell. (Aporto prueba. El inicio de "Long stick goes boom" es además casi el mismo del Riff Raff de Ac/dc en su sublime directo de 1978). Y en "To The top" podéis constatar el espíritu de Bon sobrevolando.
Como veréis, en el último corte de 2010 seguimos escuchando a "Bon" como si estuviera ahí mismo, vivito y coleando.
miércoles, 11 de marzo de 2015
Jet (Are you gonna be my girl) - 2003 / (La Di Da) - 2009
Jet fue una banda australiana de hard rock, pero al estilo clásico, que intentó refundir lo mejor de grandes como AC/DC, Oasis, The Who, The Kinks y T.Rex, entre otros.
En su debut lo consiguieron en gran parte, pues tuvo un éxito y difusión enormes (8x platino solo en Australia!!).
El grupo se disolvió en 2012.
martes, 10 de marzo de 2015
Los Elegantes (Mangas cortas) - (Tiempo perdido) - 1984 / (Dos años atrás) - 1985 / (No soy tan duro) - 1991
Origen: Madrid.
Periodo: 1979 - 1991.
De inspiración mod, confabularon unos inicios gloriosos y continuaron en la brecha hasta 1991.
Periodo: 1979 - 1991.
De inspiración mod, confabularon unos inicios gloriosos y continuaron en la brecha hasta 1991.
Uno de los mejores exponentes en España de este movimiento, junto a Panico Speed, Los Potros, Brighton 64 y Los Flechazos, manjares que tienen ya aquí su tribuna particular.
Lo mejor que nos legan Los Elegantes es su calidad y su feeling, ambos emitidos en ondas bailables y a raudales.
El buen hacer continuó hasta el final. A destacar de su último disco (1991), aparte del seleccionado, su tema homónimo "A fuego lento".
A bailar!!
lunes, 9 de marzo de 2015
Blur (Parklife) - 1994 / (Stereotypes) - 1995 / (Death of a party) - 1997 / (Battle) - 1999
Banda britpop, en activo desde 1989, con un sonido muy elegante. Hicieron historia junto a Oasis, Suede, Elastica y Ocean Colour Scene, entre otros.
Con 8 álbumes de estudio (el último recién salido del horno, después de una sequía muy importante de nada menos que doce años).
Lo intentaron con temas interesantes desde su primer trabajo, pero no fue hasta su tercer disco (Parklife, 1994), en que presentan sus primeras joyas. A destacar aparte del tema homónimo (en selección): "Girls & Boys", que parece totalmente una oda a los primeros Duran Duran, pero también "To the End" y "Magic America". Un disco bastante completo.
En "The Great Escape" seguimos con el mejor Blur, con temazo como el seleccionado, pero también el muy zen "Yuko and Hiro".
En 1997, disco denominado "Blur", a secas, considero que el grupo plasma su más completa esencia con "Death of a Party".
Con 8 álbumes de estudio (el último recién salido del horno, después de una sequía muy importante de nada menos que doce años).
Lo intentaron con temas interesantes desde su primer trabajo, pero no fue hasta su tercer disco (Parklife, 1994), en que presentan sus primeras joyas. A destacar aparte del tema homónimo (en selección): "Girls & Boys", que parece totalmente una oda a los primeros Duran Duran, pero también "To the End" y "Magic America". Un disco bastante completo.
En "The Great Escape" seguimos con el mejor Blur, con temazo como el seleccionado, pero también el muy zen "Yuko and Hiro".
En 1997, disco denominado "Blur", a secas, considero que el grupo plasma su más completa esencia con "Death of a Party".
jueves, 26 de febrero de 2015
Skay Beilinson (El fantasma del 5º piso) - 2007 / (En el camino) - 2010
Una vez roto el conjuro de Patricio Rey -ver post anterior-, el genial guitarrista Eduardo Federico Beilinson (llamado Skay Beilinson) inauguró su andadura solitaria en 2002, y desde entonces nos ha legado cinco álbumes sagrados, muy en la onda de sus queridos Redonditos, quizá actualizando un ápice el ya antaño y majestuoso sonido de su grupo madre, pero solo en matices. Tenemos por tanto la suerte de disfrutar una muy lograda continuación - pocas veces conseguida tan bien en casos similares- de un estilo de hacer música. Ave Skay!
domingo, 22 de febrero de 2015
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (Superlógico) - 1985 / (Nadie es perfecto) - 1989 / (¡Cruz Diablo!) - (¡Me matan limón!) - 1996
Os presento un grupazo argentino de rock and roll, muy desconocido, pues siempre han estado al margen de cualquier intento de clasificación de cualquier tipo. Siempre outsiders por definición.
Ya en su primer trabajo (1985) apuntaban maneras (y qué maneras!), tanto es así que selecciono del mismo su corte "Superlógico".
Con un buen puñado de discos a sus espaldas representan un rock libre, con letras interesantes y artes corrosivas, siempre con el sello de la calidad que permanece en lo hecho de corazón. Es música suprema, se vea desde cualquier ángulo. Lo podréis comprobar enseguida en cuanto le deis al PLAY.
Llegaron a su cénit con"Luzbelito" (1996), obra conceptual en torno al tío de los cuernos. Buena, buena, diamante de discoteca. Impresionante también su arte gráfico. Selecciono dos temas de este álbum pero, repito, es una joya al completo, todos sus cortes son supremos.
A destacar de "Gulp" (1985): "Ñam, fri, fruili, fali, fru", y "Criminal mambo".
De su disco de 1988, "Vamos las bandas" y del del ´89: "Rock para los dientes".
La banda se disolvió en 2001, pero nos quedan los discos en solitario del genial guitarrista Skay Beilinson, estudiado en posterior post.
Ya en su primer trabajo (1985) apuntaban maneras (y qué maneras!), tanto es así que selecciono del mismo su corte "Superlógico".
Con un buen puñado de discos a sus espaldas representan un rock libre, con letras interesantes y artes corrosivas, siempre con el sello de la calidad que permanece en lo hecho de corazón. Es música suprema, se vea desde cualquier ángulo. Lo podréis comprobar enseguida en cuanto le deis al PLAY.
Llegaron a su cénit con"Luzbelito" (1996), obra conceptual en torno al tío de los cuernos. Buena, buena, diamante de discoteca. Impresionante también su arte gráfico. Selecciono dos temas de este álbum pero, repito, es una joya al completo, todos sus cortes son supremos.
A destacar de "Gulp" (1985): "Ñam, fri, fruili, fali, fru", y "Criminal mambo".
De su disco de 1988, "Vamos las bandas" y del del ´89: "Rock para los dientes".
La banda se disolvió en 2001, pero nos quedan los discos en solitario del genial guitarrista Skay Beilinson, estudiado en posterior post.
jueves, 19 de febrero de 2015
Yes (Release, release) - 1978/ (Does it really happen?) - 1980 / (Our song) - 1983 / (Starship troopers) - 1996
Uno de los referentes clásicos en rock progresivo junto a Genesis. Banda formada en Londres en 1968. Con "Close to the Edge" (1972) y "Relayer" (1974) inauguraron una manera épica de hacer música, con temas de más de veinte minutos, conjugando alardes a los instrumentos nunca antes vistos, tanto en el desarrollo como en la estructura. En estos álbumes citados existen piezas apabullantes, como el tema hómonimo de Close to the Edge o "Gates of Delirium" en Relayer.
Pero no adelantemos acontecimientos, pues ya desde su primer trabajo (Yes, 1968) existen maravillas como "Looking Around" o "Dear Father".
A destacar igualmente de sus primeros discos:
> "Time and a Word" (1970): "Then". "Astral Traveler" y "Sweet Dreams".
> "Fragile" (1971): "America" y "Roundabout".
Si el grupo hubiera acabado su producción aquí es claro que alguno de los temas citados estarían seleccionados pero Yes es mucho Yes y no dejó de reinventarse. En 1978 lanzaron "Tormato", un disco poco laureado pero, aun así, considero que "Release, release" es una joya olvidada, muy pocas veces mencionada, que debe estar aquí.
En 1980, en plena crisis del grupo, con Jon Anderson en estampida, lanzan "Drama", con el infalible Trevor Horn a las vocales (contratado por ser fan de Yes y por su reciente éxito con sus The Buggles y su "Video killed the radio star"). Todo un personaje en la escena musical futura como productor. "Drama" fue un buen disco, pero lastrado por los problemas internos que hizo que Yes llegara a su disolución tal como eran. Discazo, y precedente de lo que estaba por venir.
En este momento tenéis que volver al post de Trevor Rabin para entender el renacer de Yes con su increíble "90125" (1983), adelantado a su tiempo en todos los parámetros musicales.
Recomiendo la audición de "Starship Troopers", en el directo de Oslo (1996) -el mejor reflejo de Yes de todos los tiempos, según mi opinión-, en el que se aprecia la calidad sublime de los componentes, con un mano a mano pletórico entre Chris Squire (bajo), Rick Wakeman (teclados) y Steve Howe (guitarra)... posicionar la audición en el minuto 5,40 del vídeo Youtube, obviando las vocales de Anderson. Alucinante!!
Pero no adelantemos acontecimientos, pues ya desde su primer trabajo (Yes, 1968) existen maravillas como "Looking Around" o "Dear Father".
A destacar igualmente de sus primeros discos:
> "Time and a Word" (1970): "Then". "Astral Traveler" y "Sweet Dreams".
> "Fragile" (1971): "America" y "Roundabout".
Si el grupo hubiera acabado su producción aquí es claro que alguno de los temas citados estarían seleccionados pero Yes es mucho Yes y no dejó de reinventarse. En 1978 lanzaron "Tormato", un disco poco laureado pero, aun así, considero que "Release, release" es una joya olvidada, muy pocas veces mencionada, que debe estar aquí.
En 1980, en plena crisis del grupo, con Jon Anderson en estampida, lanzan "Drama", con el infalible Trevor Horn a las vocales (contratado por ser fan de Yes y por su reciente éxito con sus The Buggles y su "Video killed the radio star"). Todo un personaje en la escena musical futura como productor. "Drama" fue un buen disco, pero lastrado por los problemas internos que hizo que Yes llegara a su disolución tal como eran. Discazo, y precedente de lo que estaba por venir.
En este momento tenéis que volver al post de Trevor Rabin para entender el renacer de Yes con su increíble "90125" (1983), adelantado a su tiempo en todos los parámetros musicales.
Recomiendo la audición de "Starship Troopers", en el directo de Oslo (1996) -el mejor reflejo de Yes de todos los tiempos, según mi opinión-, en el que se aprecia la calidad sublime de los componentes, con un mano a mano pletórico entre Chris Squire (bajo), Rick Wakeman (teclados) y Steve Howe (guitarra)... posicionar la audición en el minuto 5,40 del vídeo Youtube, obviando las vocales de Anderson. Alucinante!!
lunes, 16 de febrero de 2015
Pearl Jam (Nothing as it seems) - 2000
Grupo americano de Seattle (EEUU), en activo desde 1990.
Después de un repaso exhaustivo a su discografía, he encontrado una solitaria joya que cumple los parámetros para estar aquí, "Nothing as it seems", compuesta por el bajista Jeff Ament.
A destacar, no obstante: "Army reserve" (2006); "Don´t gimme no lip", una cara B de "No Code" (1996), firmada por el guitarra Stone Gossard y editada posteriormente en 2003 junto a otras caras B bajo el álbum "Lost Dogs"; "In my tree" (1996) y "Tremor Christ" (Vitalogy, 1994).
Después de un repaso exhaustivo a su discografía, he encontrado una solitaria joya que cumple los parámetros para estar aquí, "Nothing as it seems", compuesta por el bajista Jeff Ament.
A destacar, no obstante: "Army reserve" (2006); "Don´t gimme no lip", una cara B de "No Code" (1996), firmada por el guitarra Stone Gossard y editada posteriormente en 2003 junto a otras caras B bajo el álbum "Lost Dogs"; "In my tree" (1996) y "Tremor Christ" (Vitalogy, 1994).
lunes, 9 de febrero de 2015
April Wine (Refuge) - (You could have been a lady) 1972 / (Baby done got some soul) - 1975
Grupo canadiense de principios y de larguísima trayectoria. Desde 1969 siguen en la brecha, aunque lo mejor son sus aportaciones en la década de los ´70.
Digo que son de principios, pues es una banda de rock que, llegados los ´80, no giraron hacia el heavy metal (como tantos otros grupos de rock de los ´70, que sí lo hicieron) y siguieron una línea coherente con lo que venían haciendo.
Han sabido, sin demasiados alardes, mantener una trayectoria encomiable y seria.
En 1975 se atreven con un corte de tiros largos, muy funky y muy raro para April Wine.
En el primer tema YouTube está el disco al completo del ´72 (On Record).
"Refuge" lo podéis escuchar posicionando la línea de tiempo del minuto 19,35 al 24,28.
El segundo track pertenece al mismo disco y se encuentra desde el minuto 1,55 al minuto 5,20.
Digo que son de principios, pues es una banda de rock que, llegados los ´80, no giraron hacia el heavy metal (como tantos otros grupos de rock de los ´70, que sí lo hicieron) y siguieron una línea coherente con lo que venían haciendo.
Han sabido, sin demasiados alardes, mantener una trayectoria encomiable y seria.
En 1975 se atreven con un corte de tiros largos, muy funky y muy raro para April Wine.
En el primer tema YouTube está el disco al completo del ´72 (On Record).
"Refuge" lo podéis escuchar posicionando la línea de tiempo del minuto 19,35 al 24,28.
El segundo track pertenece al mismo disco y se encuentra desde el minuto 1,55 al minuto 5,20.
Bobby Byrd (Signed, Sealed & Delivered) - 1973 / (Let me know) - 1972
Compañero incansable de James Brown, parte integrante del maestro durante décadas, nos deja algunos destellos en solitario mayúsculos.
Aunque en el maravilloso corte "Let me Know", las vocales y el teclado corren a cargo del genio JB, el tema es de Bobby.
Es otro ejemplo de cómo se las gastaba James Brown a los teclados (faceta muy desconocida del ínclito -ver post de James, en el que existe otro increíble alarde a los teclados, "Today", este ya para alucinar en technicolor-).
Es otro ejemplo de cómo se las gastaba James Brown a los teclados (faceta muy desconocida del ínclito -ver post de James, en el que existe otro increíble alarde a los teclados, "Today", este ya para alucinar en technicolor-).
lunes, 2 de febrero de 2015
Carlos Berlanga (El día del recuerdo) / (Traición) - 1994 - (A Cannes) / (Cul de Sac) - 2001
Origen: Madrid.
Periodo: 1977 - 2002.
Nuestro héroe no es cosa menuda. Fue en tiempos compositor de las mejores creaciones de Dinarama. Amén de ser partícipe de Kaka de Luxe y de Alaska y Los Pegamoides. No estamos hablando de cualquiera, es obvio. Pero si queremos añadir galones diremos también que es bisnieto del político Fidel García Berlanga, nieto del abogado y político José García Berlanga e hijo de uno de nuestros más grandes cineastas, Luis García Berlanga. Algo bueno a la fuerza debía salir con este tan espectacular elenco genético.
Y así fue...Personaje mayúsculo en nuestra escena artística (músico, diseñador, pintor, escritor) nos dejó prematuramente (42 años) en 2002.
Sus composiciones tienen un toque mágico y único, irrepetible, cargado de algo muy especial. Música sofisticada y elegante.
A principios de los ´90 se separa de Dinarama y en 1994 lanza "Indicios", un disco redondo, pero redondo lirondo. Lo malo es que, acogido a una discográfica y distribuidora pequeña no pudo/supo tener el éxito que se merecía. De hecho esta obra maestra quedó sólo para deleite de círculos intelectuales.
En 2001, poco antes de morir, aparece su último trabajo, "Impermeable", otra joya en la oscuridad que debe ser aireada cuanto antes.
Periodo: 1977 - 2002.
Nuestro héroe no es cosa menuda. Fue en tiempos compositor de las mejores creaciones de Dinarama. Amén de ser partícipe de Kaka de Luxe y de Alaska y Los Pegamoides. No estamos hablando de cualquiera, es obvio. Pero si queremos añadir galones diremos también que es bisnieto del político Fidel García Berlanga, nieto del abogado y político José García Berlanga e hijo de uno de nuestros más grandes cineastas, Luis García Berlanga. Algo bueno a la fuerza debía salir con este tan espectacular elenco genético.
Y así fue...Personaje mayúsculo en nuestra escena artística (músico, diseñador, pintor, escritor) nos dejó prematuramente (42 años) en 2002.
Sus composiciones tienen un toque mágico y único, irrepetible, cargado de algo muy especial. Música sofisticada y elegante.
A principios de los ´90 se separa de Dinarama y en 1994 lanza "Indicios", un disco redondo, pero redondo lirondo. Lo malo es que, acogido a una discográfica y distribuidora pequeña no pudo/supo tener el éxito que se merecía. De hecho esta obra maestra quedó sólo para deleite de círculos intelectuales.
En 2001, poco antes de morir, aparece su último trabajo, "Impermeable", otra joya en la oscuridad que debe ser aireada cuanto antes.
jueves, 29 de enero de 2015
Ricchi e Poveri (Come vorrei) - 1980 / (C'è che sto bene) - 1982
Ricos y pobres. Formación italiana melódica de enormes éxitos y de larguísima trayectoria (en activo desde 1969), y con traslado al castellano por numerosos artistas.
Sus singles más conocidos quedan, una vez más, eclipsados -desde mi punto de vista- por estos pequeños diamantes.
Sus singles más conocidos quedan, una vez más, eclipsados -desde mi punto de vista- por estos pequeños diamantes.
Izit (Izit everywhere) - (Blow white and the seven chords) - 1994 / Bird of paradise mix Future Homosapiens) - 2008
A mediados de los ´90 y dentro de la corriente mal llamada "Acid Jazz" surgieron varias superbandas, algunas ya estudiadas aquí, como Brand New Heavies, Corduroy e incluso Mother Earth.
Este es otro muy buen ejemplo del buen hacer de ese sonido, aunque muy muy efímero (pues que a mí me conste sólo sacaron dos discos, "The Whole Affair" (1994) e "Imaginary Man" (1995). Capitaneados por Tony Colman os presento tres producciones maravillosas (lástima que no he encontrado por ningún lado un enlace al que considero el mejor de sus temas ("Sharing our lives"). El tercer corte pertenece a uno de los varios mix que hicieron muy posteriormente.
Garbage (Temptation waits) - 1998 / (Shut your mouth) - (Can´t cry these tears) - 2001 / (Man on a wire) - 2012
Formación basada en su líder, Shirley Manson, cantante, que se encontró con tres productores americanos, y entre todos arreglaron este experimento, a ratos muy muy acertado.
De no muy largo recorrido (recuerdan a lo que ocurrió con Elastica), han puesto en circulación 5 discos desde 1995. En el album debut encontramos un buen intento con el single "Stupid girl". Pero también con "Milk", "Queer" y "Not my idea".
En 1998 ya los encontramos más preparados, aunque sólo sea por el gran "Temptation waits" -en seleccion-.
Pero luego vino su mejor trabajo, el mejor acuñado (Beautiful Garbage, 2001), del cual escojo dos maravillas.
Posteriormente no le va muy a la zaga "Bad boyfriend" (2005), de su siguiente disco (Bleed like me), y parece que ahí quedo todo dicho... hasta que encontramos en su vuelta de 2012 (Not your kind of people) otra pequeña joya: "Man of wire"-en selección-.
De no muy largo recorrido (recuerdan a lo que ocurrió con Elastica), han puesto en circulación 5 discos desde 1995. En el album debut encontramos un buen intento con el single "Stupid girl". Pero también con "Milk", "Queer" y "Not my idea".
En 1998 ya los encontramos más preparados, aunque sólo sea por el gran "Temptation waits" -en seleccion-.
Pero luego vino su mejor trabajo, el mejor acuñado (Beautiful Garbage, 2001), del cual escojo dos maravillas.
Posteriormente no le va muy a la zaga "Bad boyfriend" (2005), de su siguiente disco (Bleed like me), y parece que ahí quedo todo dicho... hasta que encontramos en su vuelta de 2012 (Not your kind of people) otra pequeña joya: "Man of wire"-en selección-.
miércoles, 21 de enero de 2015
The Animals (Worried life blues) - I can´t believe it (1965) / What am i living for (1966) / The House of the rising sun (1964)
Oriundos de Newcastle (Inglaterra), fueron un soplo de aire fresco en la mitad de los ´60. Contemporáneos de Them, el primigenio y glorioso grupo de Van Morrison y en equivalente onda - ver post.
Aun por archiconocido, pero de calidad superior, no dejaremos aparte "The house of the rising sun". Por cierto, que existe un debate no cerrado referente a su originalidad (desde luego anterior a The Animals), algunos dicen que de Bob Dylan, otros de Dave Van Ronk, otros de Josh White, grabando el tema repetidamente en 1944 y 1949, e incluso de Nina Simone, apareciendo en una grabación de 1962. Parece que el bueno de White es el compositor original, pero no está todo dicho.
Aun por archiconocido, pero de calidad superior, no dejaremos aparte "The house of the rising sun". Por cierto, que existe un debate no cerrado referente a su originalidad (desde luego anterior a The Animals), algunos dicen que de Bob Dylan, otros de Dave Van Ronk, otros de Josh White, grabando el tema repetidamente en 1944 y 1949, e incluso de Nina Simone, apareciendo en una grabación de 1962. Parece que el bueno de White es el compositor original, pero no está todo dicho.
Selecciono tres temas mucho menos conocidos pero enormes igualmente. Tal como está escrito en las normas.
martes, 13 de enero de 2015
Red Hot Chili Peppers (Higher Ground) - 1989 / (Apache Rose Peacock) - 1991
Grupo americano de Los Angeles, de avezada técnica, mezcla de punk-rap-rock.
En sus primeros discos no existe nada destacable, perdidos en su tontuna de intentar algo nuevo, muy presente por sus gráficas insurgentes . Lastrados por innumerables episodios de adicción a las drogas (con decesos incluidos), su frontman, Anthony Kiedis, conocido adicto a la heroína, salió vivo en varias ocasiones por los pelos.
La lástima es que gran parte del grupo estaba inmerso en esta lacra por lo que, a mi juicio, dieron de si mucho menos de lo que su potencial les tenía a la mano. La historia de los Red Hot es ciertamente lamentable. Me explico: se aprecia en sus producciones más maduras (a partir de 1989) una energía y talento mal encauzado, pues sigo apostando porque este grupazo, libre de estupefacientes, hubiera conquistado el cielo entero, no solo el pedacito conseguido. Algo parecido les ocurrió -casi en la misma onda y por la misma época- a The Stone Roses. Signo de los tiempos es. Así es. Es así. Triste es. Tristeza ecuánime ante tales dislates.
Al final, mucho "Blood Sugar..." y "Californication", pero lo cierto es que todos estos intentos quedan casi en saco roto, pues esta banda no dio lo que pudo y debía dar cuando lo tuvo que dar.
Sus mayores éxitos, sus singles, me parecen vacíos, juguetes rotos.
De hecho, su presencia aquí, en esta tribuna extrema, solo tiene justificación, como suele ocurrir, por temas desconocidos para el gran público como los seleccionados. Merecidos, a pesar de lo dicho.
A destacar, fuera de ponencias, "Breaking the girl" y "The Righteaus & The Wicked" (1991); "I could die for you" y "Tear" (2002).
En sus primeros discos no existe nada destacable, perdidos en su tontuna de intentar algo nuevo, muy presente por sus gráficas insurgentes . Lastrados por innumerables episodios de adicción a las drogas (con decesos incluidos), su frontman, Anthony Kiedis, conocido adicto a la heroína, salió vivo en varias ocasiones por los pelos.
La lástima es que gran parte del grupo estaba inmerso en esta lacra por lo que, a mi juicio, dieron de si mucho menos de lo que su potencial les tenía a la mano. La historia de los Red Hot es ciertamente lamentable. Me explico: se aprecia en sus producciones más maduras (a partir de 1989) una energía y talento mal encauzado, pues sigo apostando porque este grupazo, libre de estupefacientes, hubiera conquistado el cielo entero, no solo el pedacito conseguido. Algo parecido les ocurrió -casi en la misma onda y por la misma época- a The Stone Roses. Signo de los tiempos es. Así es. Es así. Triste es. Tristeza ecuánime ante tales dislates.
Al final, mucho "Blood Sugar..." y "Californication", pero lo cierto es que todos estos intentos quedan casi en saco roto, pues esta banda no dio lo que pudo y debía dar cuando lo tuvo que dar.
Sus mayores éxitos, sus singles, me parecen vacíos, juguetes rotos.
De hecho, su presencia aquí, en esta tribuna extrema, solo tiene justificación, como suele ocurrir, por temas desconocidos para el gran público como los seleccionados. Merecidos, a pesar de lo dicho.
A destacar, fuera de ponencias, "Breaking the girl" y "The Righteaus & The Wicked" (1991); "I could die for you" y "Tear" (2002).
sábado, 3 de enero de 2015
Jethro Tull (We used to know) - 1969 / (Hymn 43) - 1971 / (Rover) - 1978 / (Dun Ringill) - 1979
Vamos a ver, vamos a ver... Jethro Tull es una banda compleja, que aún a día de hoy sigue siendo desconocida en sus mejores parámetros para el público general. El éxito les llegó en 1971 con el aclamado y superfamoso "Aqualung". Un disco asequible, potente, que tuvo un par de singles que llegaron al imaginario del mortal de a pie. Pero Aqualung no es la panacea de Jethro Tull, ni mucho menos. Esta formación dio bastante más de sí que aquél disco. Ojo, no estoy diciendo que sea malo, pero sí sobrevalorado en perspectiva. ¿Y por qué digo todo esto? Pues porque, para empezar, el mejor álbum de la banda (Thick as a Brick, 1972) es muchísimo más desconocido ya que se trata de un espectacular trabajo conceptual en el que no hay cortes, todo él es un conjunto. De hecho, en su versión original en vinilo, la cara A sumaba 42 minutos y la cara B 22 minutos. Y si la tecnología de entonces lo hubiera permitido nos encontraríamos con que de principio a fin sumaría unos 65 minutos non stop de creatividad al más alto nivel. Pero las cosas como son, se trata de un metraje no apto para cualquiera. Y muy poco comercial. Ningún single pudo extraerse, con lo que permanece "en tierra ignota", popularmente hablando.
Dicho esto, antes del citado superéxito "Aqualung", existe "Stand Up" (1969), a mi parecer logrando una altura similar; y con él tenemos además la curiosidad de encontrarnos con el primer single de la Historia de la Música en estéreo (Witch´s Promise).
Personalmente (los fans me pueden degollar) "Aqualung" es un disco de fácil oido, pero que en mi opinión no dice lo que es Jethro Tull. No sólo por Thick as a Brick, sino también por destellos posteriores en trabajos como "A Passion Play" (1973) (de nuevo conceptual), "Songs from the Wood" (1977) y "Heavy Horses" (1978), los dos últimos con Ian Anderson en su pico vocal.
A pesar de lo dicho, en Aqualung encontramos "Hymn 43", un tema que me encanta. No es de los aclamados, pero para mí siempre será el mejor por su fiereza inusitada.
Dicho esto, antes del citado superéxito "Aqualung", existe "Stand Up" (1969), a mi parecer logrando una altura similar; y con él tenemos además la curiosidad de encontrarnos con el primer single de la Historia de la Música en estéreo (Witch´s Promise).
Personalmente (los fans me pueden degollar) "Aqualung" es un disco de fácil oido, pero que en mi opinión no dice lo que es Jethro Tull. No sólo por Thick as a Brick, sino también por destellos posteriores en trabajos como "A Passion Play" (1973) (de nuevo conceptual), "Songs from the Wood" (1977) y "Heavy Horses" (1978), los dos últimos con Ian Anderson en su pico vocal.
A pesar de lo dicho, en Aqualung encontramos "Hymn 43", un tema que me encanta. No es de los aclamados, pero para mí siempre será el mejor por su fiereza inusitada.
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