Origen: Malibú - California (USA).
Periodo: 1988 -1990.
"Supergrupo" (entre comillas, para los ciegos), formado por nada menos que Jeff Lynne, Tom Petty, Roy Orbison, George Harrison y Bob Dylan.
En esencia, un fiasco.
Como debiera ser lógico, tal imponente formación habría de haber construido una importante batería de obritas excelsas. Pero el resultado es más que penoso. Un proyecto fallido country en el que Dylan aporta su voz de conejo de granja: una suerte de escuchar un gargajo, flema o esputo en ciernes.
Una farsa, en conclusión.
No obstante, y teniendo en cuenta la calidad de los integrantes de esta tontuna, algo tendrían que haber hecho bien, aunque fuera por simple carambola.
La mayoría de los temas son covers desafortunadas, pero algo bueno a la postre quedó. Solo lo que veis. No hay más.
viernes, 29 de diciembre de 2017
miércoles, 27 de diciembre de 2017
Beck (Lord only knows) - 1996 / (Sexx laws) - (Debra) - 1999 / (Dear life) - 2017
Origen: Los Angeles (USA).
Periodo: 1993 - hoy.
Beck, de nombre real Bek David Campbell, es un músico multinstrumentalista muy interesante.
Ha explorado multitud de estilos, aunque su centro musical es un folk muy particular. Muchas veces demasiado intimista.
A partir de ese folk personalísimo ha ido de vez en cuando extendiendo sus tentáculos. Y en las contadas ocasiones en que se sale diametralmente del folk, su desempeño es espectacular.
Para dimensionar correctamente a este personaje es importante resaltar su dominio variado de instrumentos musicales, entre los que se cuentan: guitarra de doce cuerdas, piano, glockenspiel, bajo, banjo, teclados, batería, armónica, la guitarra y el sitar, entre otros.
Nuestro punto de vista es que ha derrochado durante largos años su talento en dicho folk tan particular, cuando podría haber construido muchas más cosas interesantes.
En 2017 parece que por fin es consciente y en su trabajo "Colors" encontramos composiciones más libres y más cercanas a lo que se le da realmente bien, pues Beck se desenvuelve genial en pop, rock, funk y variantes e hibridaciones de estos estilos.
El mejor destello de Beck lo tenemos en Lord only knows, (1996) un tema alocadamente country rock, y en su única y absolutamente magistral incursión en el funk country-rock orquestado, con firma exclusiva: Sexx Laws (1999). Sin olvidar el magnífico Debra, del mismo año. Una maestría en la que debería haber incidido mucho más y en la que afortunadamente vuelve con Dear Life (2017).
A destacar:
> We live again (1998).
> Think i´m in love - Movie theme (2006).
> Say goodbye (2006).
> Up all night (2017).
Periodo: 1993 - hoy.
Beck, de nombre real Bek David Campbell, es un músico multinstrumentalista muy interesante.
Ha explorado multitud de estilos, aunque su centro musical es un folk muy particular. Muchas veces demasiado intimista.
A partir de ese folk personalísimo ha ido de vez en cuando extendiendo sus tentáculos. Y en las contadas ocasiones en que se sale diametralmente del folk, su desempeño es espectacular.
Para dimensionar correctamente a este personaje es importante resaltar su dominio variado de instrumentos musicales, entre los que se cuentan: guitarra de doce cuerdas, piano, glockenspiel, bajo, banjo, teclados, batería, armónica, la guitarra y el sitar, entre otros.
Nuestro punto de vista es que ha derrochado durante largos años su talento en dicho folk tan particular, cuando podría haber construido muchas más cosas interesantes.
En 2017 parece que por fin es consciente y en su trabajo "Colors" encontramos composiciones más libres y más cercanas a lo que se le da realmente bien, pues Beck se desenvuelve genial en pop, rock, funk y variantes e hibridaciones de estos estilos.
El mejor destello de Beck lo tenemos en Lord only knows, (1996) un tema alocadamente country rock, y en su única y absolutamente magistral incursión en el funk country-rock orquestado, con firma exclusiva: Sexx Laws (1999). Sin olvidar el magnífico Debra, del mismo año. Una maestría en la que debería haber incidido mucho más y en la que afortunadamente vuelve con Dear Life (2017).
A destacar:
> We live again (1998).
> Think i´m in love - Movie theme (2006).
> Say goodbye (2006).
> Up all night (2017).
martes, 26 de diciembre de 2017
Texas (Insane) - 1997 / (Summer son) - (Move in) - 1999
Origen: Glasgow.
Periodo: 1986 - hoy.
A pesar de su nombre Texas no es un grupo norteamericano sino escocés.
Tomaron su nombre de una película de Wim Wenders de 1984, llamada "Paris, Texas".
La guapa cantante, Sharleen Spiteri, fue en tiempos peluquera y cuando formó la banda se ocupó del corte estilista de todos los miembros del grupo.
Hasta hoy han editado nueve discos. Tuvieron un éxito inicial fulminante con el single I don´t want a lover (1989), pero la cosa se desinfló. Con la publicación de su cuarto álbum, "White on blonde" (1997) y el quinto, "The Hush" (1999) firmaron su indiscutible mejor época. Se radiaban sus temas a todas horas. Después, lo intentaron en cuatro ocasiones más, la última en 2017. Pero sin ningún jugo de sustancia. Nada de nada. Silencio total desde aquél The Hush. Algo premonitorio.
Sharleen Spiteri lanzó su primer y único trabajo en solitario hasta la fecha, "Melody" (2015). En la misma onda que los últimos esfuerzos del grupo.
A destacar:
> I don't want a lover (1989).
> Mother´s heaven (1991).
> Put Your Arms Around Me - Postcard - Breathless (1997).
> Sunday afternoon - When we are together (1999).
> Sleep - Get down tonight (2005).
Periodo: 1986 - hoy.
A pesar de su nombre Texas no es un grupo norteamericano sino escocés.
Tomaron su nombre de una película de Wim Wenders de 1984, llamada "Paris, Texas".
La guapa cantante, Sharleen Spiteri, fue en tiempos peluquera y cuando formó la banda se ocupó del corte estilista de todos los miembros del grupo.
Hasta hoy han editado nueve discos. Tuvieron un éxito inicial fulminante con el single I don´t want a lover (1989), pero la cosa se desinfló. Con la publicación de su cuarto álbum, "White on blonde" (1997) y el quinto, "The Hush" (1999) firmaron su indiscutible mejor época. Se radiaban sus temas a todas horas. Después, lo intentaron en cuatro ocasiones más, la última en 2017. Pero sin ningún jugo de sustancia. Nada de nada. Silencio total desde aquél The Hush. Algo premonitorio.
Sharleen Spiteri lanzó su primer y único trabajo en solitario hasta la fecha, "Melody" (2015). En la misma onda que los últimos esfuerzos del grupo.
A destacar:
> I don't want a lover (1989).
> Mother´s heaven (1991).
> Put Your Arms Around Me - Postcard - Breathless (1997).
> Sunday afternoon - When we are together (1999).
> Sleep - Get down tonight (2005).
viernes, 15 de diciembre de 2017
Juan Pardo (Amor mío) - 1977 / (Muchacha) - 1981 / (Una vida sencilla) - 1975
Origen: Palma de Mallorca (1942).
Periodo: 1969 - 2016.
Cantautor melódico español de raíces galegas, importante figura en los ´60 (integrante en su juventud de grupos como los Vándalos, Teleko, Los Pekenikes o Los Brincos).
Compositor de médula, escribió canciones para Rocío Jurado, Luz Casal, el gran Camilo Sesto o Chiquetete, entre otros.
Su timbre y definición vocal resulta ser un híbrido muy curioso entre Víctor Manuel y Camilo Sesto, los dos cantautores más excelsos que hayan existido hasta el día de hoy en castellano (existen ambos post).
Como suele ocurrir en casi cualquier artista que comenzó su producción al comenzar la década de los setenta, este periodo suele ser el mejor. Incluso aunque su carrera se prolongue en el tiempo hasta hoy, siempre hemos encontrado sus mejores perlas en esa década prodigiosa. No es casualidad; los ´70 supuso una emergencia y explosión de estilos nuevos que además mantenían un perfecto continuum y también un cenit de todo lo hecho anteriormente. Las grabaciones se construían aún con instrumentos reales y obligaba a los músicos a hacer "orfebrería", teniendo además a mano la mejor tecnología punta analógica. Todo cambió en los ochenta, fue más fácil y esa ductilidad y automatismos que nos trajo la era digital supuso menos exigencias en todos los procesos de la creación de una obra musical, dando como resultado un porcentaje sensiblemente inferior de calidad.
Traigo precisamente ahora esta reflexión porque el caso de Juan Pardo es paradigma:
12 álbumes en los ´70.
9 álbumes en los ´80.
9 álbumes en los ´90.
En el siglo XXI solo ha editado dos discos de estudio: 2003 y 2016.
No solo las tres joyas que traemos están grabadas en aquel maravilloso lapso temporal (que más o menos está definido entre 1968 y 1982) sino que prácticamente todos los temas a destacar se condensan en ese periodo.
A destacar:
> Cazador - Toros en Méjico (1969).
> Soledades - Mendigo de amor - Un año más - Sincero (1970).
> I´ve got a rose (1973).
> Quédate - Analia - Mis canciones (1975).
> Adiós - Olympia (1977).
> Sin ti - No me hables (1981).
> A la vuelta del jardín (1982).
> Mátame Manuela (2003).
Periodo: 1969 - 2016.
Cantautor melódico español de raíces galegas, importante figura en los ´60 (integrante en su juventud de grupos como los Vándalos, Teleko, Los Pekenikes o Los Brincos).
Compositor de médula, escribió canciones para Rocío Jurado, Luz Casal, el gran Camilo Sesto o Chiquetete, entre otros.
Su timbre y definición vocal resulta ser un híbrido muy curioso entre Víctor Manuel y Camilo Sesto, los dos cantautores más excelsos que hayan existido hasta el día de hoy en castellano (existen ambos post).
Como suele ocurrir en casi cualquier artista que comenzó su producción al comenzar la década de los setenta, este periodo suele ser el mejor. Incluso aunque su carrera se prolongue en el tiempo hasta hoy, siempre hemos encontrado sus mejores perlas en esa década prodigiosa. No es casualidad; los ´70 supuso una emergencia y explosión de estilos nuevos que además mantenían un perfecto continuum y también un cenit de todo lo hecho anteriormente. Las grabaciones se construían aún con instrumentos reales y obligaba a los músicos a hacer "orfebrería", teniendo además a mano la mejor tecnología punta analógica. Todo cambió en los ochenta, fue más fácil y esa ductilidad y automatismos que nos trajo la era digital supuso menos exigencias en todos los procesos de la creación de una obra musical, dando como resultado un porcentaje sensiblemente inferior de calidad.
Traigo precisamente ahora esta reflexión porque el caso de Juan Pardo es paradigma:
12 álbumes en los ´70.
9 álbumes en los ´80.
9 álbumes en los ´90.
En el siglo XXI solo ha editado dos discos de estudio: 2003 y 2016.
No solo las tres joyas que traemos están grabadas en aquel maravilloso lapso temporal (que más o menos está definido entre 1968 y 1982) sino que prácticamente todos los temas a destacar se condensan en ese periodo.
A destacar:
> Cazador - Toros en Méjico (1969).
> Soledades - Mendigo de amor - Un año más - Sincero (1970).
> I´ve got a rose (1973).
> Quédate - Analia - Mis canciones (1975).
> Adiós - Olympia (1977).
> Sin ti - No me hables (1981).
> A la vuelta del jardín (1982).
> Mátame Manuela (2003).
domingo, 10 de diciembre de 2017
Radiohead (Just) - (Nice dream) - 1995
Origen: Oxfordshire (UK).
Periodo: 1985- en activo.
Banda liderada por Thom Yorke, voz, guitarra y piano.
En sus dos primeros trabajos son explosivos y de recordatorio. En el tercero y laureado Ok Computer y siguientes, encontramos letras de denuncia social muy interesantes, pero decaen musicalmente en picado. De hecho, no hay nada estrictamente musical que podamos traer al podio más allá de "The Bends" (1995), quizá su álbum más logrado desde nuestro punto de vista.
Poco a poco Radiohead se fue tornando un grupo gris, intimista y triste. Hasta límites poderosos en sus últimos discos.
Extramusical 1:
Thom Yorke mantuvo una relación de nada menos que 23 años con su pareja, Rachel Owen, con la que tuvo dos hijos. En 2015 se separó de ella y pocos meses después Owen murió de un cáncer con el que luchaba desde hacía tiempo.
Aunque Yorke diga que "A moon shaped pool" (2016) está inspirado en su compañera, no logro entender la ruptura sentimental acaecida poco antes de su muerte, porque supongo que Yorke sabría de su enfermedad terminal... Que alguien me lo explique. Por ahí fuera no he encontrado la razón.
En fin, como les ha pasado a la mayoría de grupos britpop, el ansia compositiva destella en un comienzo y luego decae estrepitosamente. Le ocurrió a Muse (hay post), a Oasis, a Elastica, etc. Y a los mismos Radiohead. Parece un mal endémico. Aunque toda regla tiene su excepción. Y la excepción es Suede (ver post). Una banda que ha sabido mantenerse en la excelencia durante largos años. Fueron fantásticos sus siete trabajos publicados entre 1993 y 2003, Se disolvieron pero volvieron con fuerza en 2013.
No podemos decir lo mismo de Radiohead. El periplo por su discografía ha ido de más a menos, y a menos que menos.
Extramusical 2:
En los videoclips de 2016, Yorke aparece desaliñado, con pelo largo y mal cuidado y con un aspecto físico general cercano a la ancianidad contando solo 48 años. Muchos le han criticado por ello. Otros defienden que la belleza está en el interior. Y lo que yo digo es que siendo un personaje público es cierto que podría -porque se lo puede permitir- cuidar un poco más su imagen porque hoy parece un pobre mendigo. Nada le costaría al buen hombre cuidarse más esas bolsas oculares y adecentar ese pelo lamido y esa barba de patíbulo. ¿Que es libre para ir por ahí simulando síndrome de Diógenes? Sí, efectivamente, es libre. Pero un respeto por los fans que compran sus discos y van a tener que tirar los póster a la basura de cuando cantaba "Creep"... Por no reconocer su nueva y "rompedora" imagen, ojo.
A destacar:
> Creep (1993).
> Separator (2011).
Periodo: 1985- en activo.
Banda liderada por Thom Yorke, voz, guitarra y piano.
En sus dos primeros trabajos son explosivos y de recordatorio. En el tercero y laureado Ok Computer y siguientes, encontramos letras de denuncia social muy interesantes, pero decaen musicalmente en picado. De hecho, no hay nada estrictamente musical que podamos traer al podio más allá de "The Bends" (1995), quizá su álbum más logrado desde nuestro punto de vista.
Poco a poco Radiohead se fue tornando un grupo gris, intimista y triste. Hasta límites poderosos en sus últimos discos.
Extramusical 1:
Thom Yorke mantuvo una relación de nada menos que 23 años con su pareja, Rachel Owen, con la que tuvo dos hijos. En 2015 se separó de ella y pocos meses después Owen murió de un cáncer con el que luchaba desde hacía tiempo.
Aunque Yorke diga que "A moon shaped pool" (2016) está inspirado en su compañera, no logro entender la ruptura sentimental acaecida poco antes de su muerte, porque supongo que Yorke sabría de su enfermedad terminal... Que alguien me lo explique. Por ahí fuera no he encontrado la razón.
En fin, como les ha pasado a la mayoría de grupos britpop, el ansia compositiva destella en un comienzo y luego decae estrepitosamente. Le ocurrió a Muse (hay post), a Oasis, a Elastica, etc. Y a los mismos Radiohead. Parece un mal endémico. Aunque toda regla tiene su excepción. Y la excepción es Suede (ver post). Una banda que ha sabido mantenerse en la excelencia durante largos años. Fueron fantásticos sus siete trabajos publicados entre 1993 y 2003, Se disolvieron pero volvieron con fuerza en 2013.
No podemos decir lo mismo de Radiohead. El periplo por su discografía ha ido de más a menos, y a menos que menos.
Extramusical 2:
En los videoclips de 2016, Yorke aparece desaliñado, con pelo largo y mal cuidado y con un aspecto físico general cercano a la ancianidad contando solo 48 años. Muchos le han criticado por ello. Otros defienden que la belleza está en el interior. Y lo que yo digo es que siendo un personaje público es cierto que podría -porque se lo puede permitir- cuidar un poco más su imagen porque hoy parece un pobre mendigo. Nada le costaría al buen hombre cuidarse más esas bolsas oculares y adecentar ese pelo lamido y esa barba de patíbulo. ¿Que es libre para ir por ahí simulando síndrome de Diógenes? Sí, efectivamente, es libre. Pero un respeto por los fans que compran sus discos y van a tener que tirar los póster a la basura de cuando cantaba "Creep"... Por no reconocer su nueva y "rompedora" imagen, ojo.
A destacar:
> Creep (1993).
> Separator (2011).
lunes, 4 de diciembre de 2017
The Cars (I´m not the one) - 1981 / (Touch and go) - 1980 / (Heartbeat city) - (Drive) - 1984
Origen: Boston (USA).
Periodo: 1976 - 1988 (+2011).
Este grupo de new wave y power pop, liderado por el espigado Ric Ocasek, tuvo un importantísimo papel a mediados de los ´80. Sobre todo a raíz de la publicación de "Heartbeat city" (1984). aunque ya venían avisando fuerte con su también magnífico "Shake it up" (1981).
Es curioso el devenir musical y cómo trata el tiempo a determinadas maneras de hacer música.
En el caso de The Cars, el tiempo arrasó con su estilo, barrido al comenzar los ´90 por el grunge de Nirvana y el incipiente britpop de Oasis, Suede, Blur, Elastica. Radiohead, Supergrass... -(ver en la base de datos del blog, existen artículos de todos ellos-).
Recuerdo que el sonido de Heartbeat city se experimentaba a mediados de los ochenta como algo súper sofisticado. Era la música más moderna que podía escucharse. Muy curioso, pues al cabo de pocos años ocurrió lo contrario.
The Cars se convirtió en un dinosaurio que no supo ni quiso evolucionar. De hecho, en 2011 editaron un nuevo disco -después de catorce años de silencio- que seguía insistiendo en el sonido de sus últimos discos de los ´80.
Fue un absoluto fiasco.
Después de lo dicho, podemos extraer dos joyas de su etapa new wave y otras dos de su etapa power pop, condensadas por supuesto estas últimas en su magnífico trabajo "Heartbeat city".
Sin embargo, desde la perspectiva que da el tiempo, la época new wave queda con más sustancia y chispa.
I´m not the one es el sello y rúbrica, el mejor legado de esta fantástica formación.
A destacar:
> Just what i needed (1978).
> Dangerous type (1979).
> A dream away - This could be love - Since you´re gone - Since you´re gone- Maybe baby (1981).
> Magic - It´s not the night (1984).
> Leave or stay (1987).
Periodo: 1976 - 1988 (+2011).
Este grupo de new wave y power pop, liderado por el espigado Ric Ocasek, tuvo un importantísimo papel a mediados de los ´80. Sobre todo a raíz de la publicación de "Heartbeat city" (1984). aunque ya venían avisando fuerte con su también magnífico "Shake it up" (1981).
Es curioso el devenir musical y cómo trata el tiempo a determinadas maneras de hacer música.
En el caso de The Cars, el tiempo arrasó con su estilo, barrido al comenzar los ´90 por el grunge de Nirvana y el incipiente britpop de Oasis, Suede, Blur, Elastica. Radiohead, Supergrass... -(ver en la base de datos del blog, existen artículos de todos ellos-).
Recuerdo que el sonido de Heartbeat city se experimentaba a mediados de los ochenta como algo súper sofisticado. Era la música más moderna que podía escucharse. Muy curioso, pues al cabo de pocos años ocurrió lo contrario.
The Cars se convirtió en un dinosaurio que no supo ni quiso evolucionar. De hecho, en 2011 editaron un nuevo disco -después de catorce años de silencio- que seguía insistiendo en el sonido de sus últimos discos de los ´80.
Fue un absoluto fiasco.
Después de lo dicho, podemos extraer dos joyas de su etapa new wave y otras dos de su etapa power pop, condensadas por supuesto estas últimas en su magnífico trabajo "Heartbeat city".
Sin embargo, desde la perspectiva que da el tiempo, la época new wave queda con más sustancia y chispa.
I´m not the one es el sello y rúbrica, el mejor legado de esta fantástica formación.
A destacar:
> Just what i needed (1978).
> Dangerous type (1979).
> A dream away - This could be love - Since you´re gone - Since you´re gone- Maybe baby (1981).
> Magic - It´s not the night (1984).
> Leave or stay (1987).
jueves, 30 de noviembre de 2017
Giorgio Moroder (Baby blue) - 1979 / (Midnight Express theme) - 1978 / (Tempted) - 2015
Origen: Ortisei (Italia)
Periodo: (1969 - 2015)
Moroder es un compositor, cantante y productor que supuso un ingrediente básico en la música disco de los ´70 y más tarde en la llamada "techno".
Es una figura clave en estos estilos, que ha tenido muchísima influencia en el devenir de la música de baile de calidad, sobre todo en Europa.
Ha editado 16 álbumes de estudio, los diez primeros cubriendo toda la década setentera, que es donde se condensa lo mejor de su producción.
Paralelamente ha construido bandas sonoras de películas, nada menos que una veintena, entre las que se encuentran BSO tan conocidas como:
Midnight Express (1978), American Gigolo (1978), Battlestar Galactica (1978), Cat People (1982), Flashdance (1983), Superman III (1983), Metropolis (1984), La historia interminable II (1990). amén de hacerse cargo de la música de los Juegos Olímpicos de Seúl (1988), y del Mundial de Fútbol de Italia en 1990.
En Baby Blue, el mismo Paquito (Francisco Franco), incluso con un solo huevo, no hubiera llegado a ese nivel de "castrati". Todo un logro.
Aviso: Cuidado con este tema, se te agarra a la mente y no la suelta ni después de un sueño reparador. El antídoto es escuchar "Oh mamy blue" (es broma, ¿eh?).
A destacar:
> Knights in white satin (1976).
> First Hand Experience in Second Hand Love (1977).
Periodo: (1969 - 2015)
Moroder es un compositor, cantante y productor que supuso un ingrediente básico en la música disco de los ´70 y más tarde en la llamada "techno".
Es una figura clave en estos estilos, que ha tenido muchísima influencia en el devenir de la música de baile de calidad, sobre todo en Europa.
Ha editado 16 álbumes de estudio, los diez primeros cubriendo toda la década setentera, que es donde se condensa lo mejor de su producción.
Paralelamente ha construido bandas sonoras de películas, nada menos que una veintena, entre las que se encuentran BSO tan conocidas como:
Midnight Express (1978), American Gigolo (1978), Battlestar Galactica (1978), Cat People (1982), Flashdance (1983), Superman III (1983), Metropolis (1984), La historia interminable II (1990). amén de hacerse cargo de la música de los Juegos Olímpicos de Seúl (1988), y del Mundial de Fútbol de Italia en 1990.
En Baby Blue, el mismo Paquito (Francisco Franco), incluso con un solo huevo, no hubiera llegado a ese nivel de "castrati". Todo un logro.
Aviso: Cuidado con este tema, se te agarra a la mente y no la suelta ni después de un sueño reparador. El antídoto es escuchar "Oh mamy blue" (es broma, ¿eh?).
A destacar:
> Knights in white satin (1976).
> First Hand Experience in Second Hand Love (1977).
jueves, 23 de noviembre de 2017
Pure Hell (Wild one) / (Rot in the doghouse) - 1976
Origen: Filadelfia (USA).
Años en activo: (1974-1980).
Banda punk maldita.
Su único disco "Noise Addiction" (grabado posiblemente en 1976) nunca vio la luz, pues fue secuestrado por su mánager, Curtis Knight. Cuando este murió, su viuda lo reventó por fin del ostracismo en 2007.
Se trata de una banda salvaje punk de músicos negros. En aquella época existían bandas negras punk, por supuesto, aunque esto es muy poco conocido.
Pure Hell competía en esa franja temporal con, por ejemplo, The Penetrators, Reagan Youth, X-Ray Spex, White Flag o Los Olvidados, todas ellas bandas punk de músicos "de color" (más bien tirando a oscuro).
Su líder, Malcolm McLaren, tuvo relación con los New York Dolls de David Johansen. Y se nota.
Su impresionante tema "Wild One" es como revivir un universo paralelo de The Stooges.
Años en activo: (1974-1980).
Banda punk maldita.
Su único disco "Noise Addiction" (grabado posiblemente en 1976) nunca vio la luz, pues fue secuestrado por su mánager, Curtis Knight. Cuando este murió, su viuda lo reventó por fin del ostracismo en 2007.
Se trata de una banda salvaje punk de músicos negros. En aquella época existían bandas negras punk, por supuesto, aunque esto es muy poco conocido.
Pure Hell competía en esa franja temporal con, por ejemplo, The Penetrators, Reagan Youth, X-Ray Spex, White Flag o Los Olvidados, todas ellas bandas punk de músicos "de color" (más bien tirando a oscuro).
Su líder, Malcolm McLaren, tuvo relación con los New York Dolls de David Johansen. Y se nota.
Su impresionante tema "Wild One" es como revivir un universo paralelo de The Stooges.
domingo, 19 de noviembre de 2017
Tears for Fears (Shout) - 1985 / (Sowing The Seeds Of Love) - 1989 / (Cold) - 1993 / (Sorry) - 1995
Origen: Somerset (UK)
Periodo: 1981 - 2004.
Dúo formado por Curt Smith y Roland Orzabal.
Tears for Fears ¿Qué significado tiene este nombre? La banda lo eligió en honor de un libro de autoayuda, escrito por el psicólogo americano Arthur Janov, en concreto por un capítulo llamado Prisioneros del dolor.
Se iniciaron en la new wave, firmando un tema tan importante como "Shout", su mayor éxito.
Editaron seis discos de estudio, el último en 2004.
En mi opinión "Cold" es lo mejor que jamás construyó este grupo -por delante incluso de "Shout"-. Como suele ocurrir, no es muy conocido.
Curiosamente y por primera vez en el blog, este grupo tiene varias selecciones dispersas entre su producción cubriendo el cupo de los 4 temas máximos, aunque no podemos destacar nada más. Sin embargo esto significa que Tears for Fears colocó en casi cada uno de sus trabajos una joya. Muchos no pueden decir ni la mitad de la mitad.
Periodo: 1981 - 2004.
Dúo formado por Curt Smith y Roland Orzabal.
Tears for Fears ¿Qué significado tiene este nombre? La banda lo eligió en honor de un libro de autoayuda, escrito por el psicólogo americano Arthur Janov, en concreto por un capítulo llamado Prisioneros del dolor.
Se iniciaron en la new wave, firmando un tema tan importante como "Shout", su mayor éxito.
Editaron seis discos de estudio, el último en 2004.
En mi opinión "Cold" es lo mejor que jamás construyó este grupo -por delante incluso de "Shout"-. Como suele ocurrir, no es muy conocido.
Curiosamente y por primera vez en el blog, este grupo tiene varias selecciones dispersas entre su producción cubriendo el cupo de los 4 temas máximos, aunque no podemos destacar nada más. Sin embargo esto significa que Tears for Fears colocó en casi cada uno de sus trabajos una joya. Muchos no pueden decir ni la mitad de la mitad.
martes, 7 de noviembre de 2017
Jimi Hendrix (Hey Joe) - 1967
Origen: Seattle (EEUU).
Otro mito sobrevalorado. Una vez más.
Absolutamente subversivo en su época, hoy suena muy pasado de fecha.
Considerado por muchos como un dios de la guitarra.
Hendrix en su momento (1967-1970) tenía un dominio muy interesante de su guitarra, ¿pero qué es lo que aportó como novedad? Sin entrar en detalles técnicos, como su uso del pedal wha:
a) Fue el primero de los guitarristas rock "en solitario". Es decir, fue el primero que llegó al gran público, no por sus canciones o por su banda sino más bien por los riffs de su guitarra. Pero este dato debería ser solo anécdota, al igual, por ejemplo, que la empresa que registró el primer dominio .com. Es solo un dato histórico, nada más.
b) Esos riffs no suponían una evolución en sonido, lo nuevo era la forma en que él los hacía. Una manera de tocar distinta pero con el mismo sonido existente.
Esta forma de tocar tiene un legado, que en tiempos recientes podemos ver a veces en Prince y mucho más descarada en Red Hot Chili Peppers, por hablar de dos grupos por todos conocidos.
Quiero decir con ello que el sonido de Hendrix no supuso realmente ningún salto, sino que fue una variante.
El éxito y el mito de Hendrix también se explica así:
a) Por sus reivindicaciones sociopolíticas le convirtieron ipso facto en un altavoz muy importante de derechos y libertades. Hay muchas lagunas en torno a su temprana desaparición. Legiones hoy reivindican su muerte a manos de la "inteligencia" política porque se estaba convirtiendo en un personaje muy molesto. Quien tenga interés, que tire del hilo. Hilo largo y enmarañado, eso sí.
b) Su muerte le convirtió instantáneamente en mártir. Aunque no en el sentido que aludimos, sino en uno más prosaico: Discográficas y medios se las arreglaron para encumbrarle a cotas de semidiós.
Cuando la cosa no era, ni mucho menos, para tanto. Al menos en su aspecto estricto musical.
Fue un animal -salvaje- circunscrito a 1967-1970, con un sonido cerrado en esta época.
Y, como siempre, en contraposición quedan en el olvido guitarristas que sí merecieron el calificativo de genios, pero no solo por su estilo sino porque de verdad supusieron un paso hacia adelante en el tiempo.
Escuchad, por ejemplo, a Trevor Rabin en sus inicios en 1975. Son solo 4-5 años de diferencia temporal, pero Rabin está ya muy muy lejos de Hendrix. (Ver post).
Dicho todo lo anterior, me rindo ante la magia de Hey Joe, sin duda un tema inmortal. Recuerdo hace muchos años en que hicimos un CD en nuestra factoría musical con las dieciséis mejores versiones. Aún lo escucho de vez en cuando con deleite.
A destacar:
> Foxy lady - The wind cries Mary - May this be love - Purple Haze (1967).
> Bold as love (1967).
> All along the watchtower (1968).
domingo, 5 de noviembre de 2017
Depeche Mode (Get right with me) - 1993
Origen: Basildon (UK).
Periodo: 1980 - Aún activos.
Se dice sobre ellos:
"Uno de los mayores exponentes de la música electrónica".
"Han vendido más de 120 millones de discos, siendo el grupo más rentable en el género de música electrónica".
"Según la BBC, los padres del rock electrónico" (?).
"Elegido entre los mejores 50 grupos de música de todos los tiempos y uno de los más influyentes".
Bien. Ahora nuestra opinión:
Después de estudiar a conciencia toda su extensa discografía (nada menos que 14 discos hasta la fecha (el último data de este mismo año) podemos afirmar que Depeche Mode es una banda para masas, para oídos muy fáciles. Con poco atisbo de genialidad. Aún teniendo un buen vocalista, como es Dave Gahan, en muy contadas ocasiones han sabido construir algo que merezca la pena de verdad. Así de llano.
El masivo éxito de este grupo tiene su columna vertebral en letras interesantes de Vince Clarke -hasta 1981 y de Martin L. Gore-, y de un inteligente despliegue de márketing (publicidad a mansalva y videoclips atractivos, por ejemplo) que han comido la sesera al personal, haciéndoles creer que era una magnífica banda, cuando a lo más que pueden aspirar es a poetas electrónicos. Contar con buenas letras no le convierte a uno en buen músico, como ya he dicho en varias ocasiones.
Sin discutir aspectos técnicos, Depeche Mode dice muy poco al oído avisado.
Sin temor a equívoco, uno de los mayores bluff de la historia musical.
La voz profunda y siempre interesante de Dave Gahan y los coros gospel de Get right with me es lo poco en limpio que hemos obtenido de este grupo.
A destacar:
> Enjoy the silence (1990).
> I feel you - Mercy in you - Judas - In your room (1993).
> Freestate (1997).
> Easy tiger- Breathe - Goodnight lovers (2001).
> Heaven - Welcome to my world - Goodbye (2013).
Periodo: 1980 - Aún activos.
Se dice sobre ellos:
"Uno de los mayores exponentes de la música electrónica".
"Han vendido más de 120 millones de discos, siendo el grupo más rentable en el género de música electrónica".
"Según la BBC, los padres del rock electrónico" (?).
"Elegido entre los mejores 50 grupos de música de todos los tiempos y uno de los más influyentes".
Bien. Ahora nuestra opinión:
Después de estudiar a conciencia toda su extensa discografía (nada menos que 14 discos hasta la fecha (el último data de este mismo año) podemos afirmar que Depeche Mode es una banda para masas, para oídos muy fáciles. Con poco atisbo de genialidad. Aún teniendo un buen vocalista, como es Dave Gahan, en muy contadas ocasiones han sabido construir algo que merezca la pena de verdad. Así de llano.
El masivo éxito de este grupo tiene su columna vertebral en letras interesantes de Vince Clarke -hasta 1981 y de Martin L. Gore-, y de un inteligente despliegue de márketing (publicidad a mansalva y videoclips atractivos, por ejemplo) que han comido la sesera al personal, haciéndoles creer que era una magnífica banda, cuando a lo más que pueden aspirar es a poetas electrónicos. Contar con buenas letras no le convierte a uno en buen músico, como ya he dicho en varias ocasiones.
Sin discutir aspectos técnicos, Depeche Mode dice muy poco al oído avisado.
Sin temor a equívoco, uno de los mayores bluff de la historia musical.
La voz profunda y siempre interesante de Dave Gahan y los coros gospel de Get right with me es lo poco en limpio que hemos obtenido de este grupo.
A destacar:
> Enjoy the silence (1990).
> I feel you - Mercy in you - Judas - In your room (1993).
> Freestate (1997).
> Easy tiger- Breathe - Goodnight lovers (2001).
> Heaven - Welcome to my world - Goodbye (2013).
viernes, 3 de noviembre de 2017
Doro (Hoffnung - Chained) - 2002 / (Creep into my brain) - 2006
Dorothee Pesch.
Nacida en Düsseldorf, Alemania, en 1964.
Reina del heavy rock. Ha dedicado su vida a la música. Cosa loable, pues según sus declaraciones ha extinguido cualquier intento de formar familia en aras de su proyecto musical.
La familia de Doro es su grupo, y vive Dios que ha sido así.
Comenzó muy joven como cantante de Warlock (1984-1987), debutando sola poco después.
A partir de 1989 ha publicado una docena de discos en solitario.
Su álbum "Fight" (2002) supone un hito, con dos selecciones y tres temas destacados.
Con Hoffnung Doro explora una vertiente lírica poco convencional y que estoy seguro que le hubiera dado muchísimos éxitos de haber insistido más en ella. No es la típica balada heavy, es bastante más.
Es la artista femenina más sólida y con más años dedicada al género por delante de cualquier otra.
A destacar:
> Fight - Always live to win - Legends never die (2002).
Nacida en Düsseldorf, Alemania, en 1964.
Reina del heavy rock. Ha dedicado su vida a la música. Cosa loable, pues según sus declaraciones ha extinguido cualquier intento de formar familia en aras de su proyecto musical.
La familia de Doro es su grupo, y vive Dios que ha sido así.
Comenzó muy joven como cantante de Warlock (1984-1987), debutando sola poco después.
A partir de 1989 ha publicado una docena de discos en solitario.
Su álbum "Fight" (2002) supone un hito, con dos selecciones y tres temas destacados.
Con Hoffnung Doro explora una vertiente lírica poco convencional y que estoy seguro que le hubiera dado muchísimos éxitos de haber insistido más en ella. No es la típica balada heavy, es bastante más.
Es la artista femenina más sólida y con más años dedicada al género por delante de cualquier otra.
A destacar:
> Fight - Always live to win - Legends never die (2002).
domingo, 29 de octubre de 2017
Roland Gift - (Wish you were here) - (A girl like you) - 2002 / (Crushed) - 2009
Origen: Birmingham, UK.
¿Quién no recuerda a ese fantástico cantante mestizo de los Fine Young Cannibals?
Bueno, me estoy dejando llevar, FYC -ver post- fueron buenísimos, pero es cierto que fue una banda de corto recorrido (solo dos discos, entre 1985 y 1988), por lo que puede ser muy normal que no demasiada gente hoy los recuerde. Pecado, pues cualquier amante de la buena música debería conocerlos.
Pero lo que sí es seguro es que muy muy pocos conocerán la trayectoria posterior de Roland Gift (n. 1961), su particular cantante.
Trayectoria minimalista. Un solo disco de estudio (homónimo, en 2002) y un single (Crushed, en selección) de 2009, que formaría parte de un nuevo trabajo que finalmente nunca vio la luz.
Lo cierto es que ese único disco en solitario nos deja algunas canciones al mismo nivel de las mejores composiciones de FYC.
Uno de sus mejores temas es Wish you were here. No existe en YT suelta, así que no queda otra que poner el disco al completo. Es la cuarta canción.
Otros datos:
- Debutó como saxofonista con la banda pionera de sonido ska, Akrylykz, editando con ella algunos singles en 1980).
- Puede presumir de una pequeña filmografía como actor. Su papel más destacado está en el film de Stephen Frears de 1987.
¿Quién no recuerda a ese fantástico cantante mestizo de los Fine Young Cannibals?
Bueno, me estoy dejando llevar, FYC -ver post- fueron buenísimos, pero es cierto que fue una banda de corto recorrido (solo dos discos, entre 1985 y 1988), por lo que puede ser muy normal que no demasiada gente hoy los recuerde. Pecado, pues cualquier amante de la buena música debería conocerlos.
Pero lo que sí es seguro es que muy muy pocos conocerán la trayectoria posterior de Roland Gift (n. 1961), su particular cantante.
Trayectoria minimalista. Un solo disco de estudio (homónimo, en 2002) y un single (Crushed, en selección) de 2009, que formaría parte de un nuevo trabajo que finalmente nunca vio la luz.
Lo cierto es que ese único disco en solitario nos deja algunas canciones al mismo nivel de las mejores composiciones de FYC.
Uno de sus mejores temas es Wish you were here. No existe en YT suelta, así que no queda otra que poner el disco al completo. Es la cuarta canción.
Otros datos:
- Debutó como saxofonista con la banda pionera de sonido ska, Akrylykz, editando con ella algunos singles en 1980).
- Puede presumir de una pequeña filmografía como actor. Su papel más destacado está en el film de Stephen Frears de 1987.
viernes, 27 de octubre de 2017
Colosseum II (Down to you) - (Secret places) - 1976 / (Castles) - 1977
Origen: Gran Bretaña.
Periodo: 1975-1978.
El baterista Jon Hiseman quiso resucitar a Colosseum (una banda anterior, viva entre 1969 y 1971).
Y tuvo la suerte de poder reunir para este segundo proyecto a grandes figuras del momento, como Don Airey (teclados), Neil Murray (bajo) y Gary Moore a la guitarra solista, entre otros. En esta ocasión la orientación del grupo iba a ser completamente jazz fusion progresivo.
Su mejor disco es sin duda el primero (de tres), llamado Strange new flesh (1976). Una joya en la semipenumbra.
Para este trabajo ficharon al vocalista Mike Starrs. Pero fue despedido poco después incomprensiblemente y en los dos siguientes discos de Colosseum II se hizo cargo de este apartado el propio Gary Moore, pero ya no fue lo mismo. De hecho, casi todos los temas de 1977 fueron instrumentales.
Mike Starrs se fue con Lucifer´s Friend y fue el cantante sustituto de John Lawton (mientras este cubría su etapa en Uriah Heep), firmando dos grandes LP´s con LF: Good time warrior (1978) y Sneak me in (1980).
Colosseum II fue un supergrupo de los que ha habido varios con semejantes características: muy buenas composiciones, músicos estelares, pero con ventas y difusión mínimas. ¿La razón? Hay cotas de excelencia que el público es incapaz de digerir. Este es uno de esos casos. Demasiado buen hacer resulta muchas veces incomprensible para la gente e insostenible para el monedero de "la industria". Solo algunos podrán ver lo magníficos que fueron. Y como dicen las discográficas, esto es un negocio, si no hay ventas no es posible continuar. Y así fue y así ha sido una y otra vez. Una lástima.
Dejamos en selección el tema "Down to you", aún siendo una versión de Joni Mitchell - ver post. La explicación es que posee tanta originalidad y aporte sobre el de Mitchell que vamos a tomarlo como un tema genuino de Colosseum II, de hecho, uno de los mejores.
A destacar:
> Dark side of the moog (1976).
> The Scorch (1977).
> Fighting talk - Last exit (1977).
Periodo: 1975-1978.
El baterista Jon Hiseman quiso resucitar a Colosseum (una banda anterior, viva entre 1969 y 1971).
Y tuvo la suerte de poder reunir para este segundo proyecto a grandes figuras del momento, como Don Airey (teclados), Neil Murray (bajo) y Gary Moore a la guitarra solista, entre otros. En esta ocasión la orientación del grupo iba a ser completamente jazz fusion progresivo.
Su mejor disco es sin duda el primero (de tres), llamado Strange new flesh (1976). Una joya en la semipenumbra.
Para este trabajo ficharon al vocalista Mike Starrs. Pero fue despedido poco después incomprensiblemente y en los dos siguientes discos de Colosseum II se hizo cargo de este apartado el propio Gary Moore, pero ya no fue lo mismo. De hecho, casi todos los temas de 1977 fueron instrumentales.
Mike Starrs se fue con Lucifer´s Friend y fue el cantante sustituto de John Lawton (mientras este cubría su etapa en Uriah Heep), firmando dos grandes LP´s con LF: Good time warrior (1978) y Sneak me in (1980).
Colosseum II fue un supergrupo de los que ha habido varios con semejantes características: muy buenas composiciones, músicos estelares, pero con ventas y difusión mínimas. ¿La razón? Hay cotas de excelencia que el público es incapaz de digerir. Este es uno de esos casos. Demasiado buen hacer resulta muchas veces incomprensible para la gente e insostenible para el monedero de "la industria". Solo algunos podrán ver lo magníficos que fueron. Y como dicen las discográficas, esto es un negocio, si no hay ventas no es posible continuar. Y así fue y así ha sido una y otra vez. Una lástima.
Dejamos en selección el tema "Down to you", aún siendo una versión de Joni Mitchell - ver post. La explicación es que posee tanta originalidad y aporte sobre el de Mitchell que vamos a tomarlo como un tema genuino de Colosseum II, de hecho, uno de los mejores.
A destacar:
> Dark side of the moog (1976).
> The Scorch (1977).
> Fighting talk - Last exit (1977).
martes, 24 de octubre de 2017
The Jam (Running on the spot) - (Precious) - 1982 / (I need you) - 1977
Origen: Surrey, UK.
Periodo: 1972 -1982.
Trío formado por Paul Weller (Guitarra, voz, compositor), Bruce Foxton (bajo), Rick Buckler (batería).
Otro clásico sobrevalorado.
Paul Weller aún estaba muy en barbecho. Más adelante haría maravillas, primeramente con Style Council pero sobre todo en su carrera en solitario -ver ambos posts.
Construyeron su música dentro de un estilo mod revival con tintes de punk.
Intentaron un continuo de lo que habían hecho por ejemplo The Who, no consiguiendo en general ni llegarles a la suela de los zapatos, pues los susodichos habían puesto el listón muy alto y además el proyecto de Weller era inferior desde casi cualquier ángulo que se mire.
Tuvieron su momento, no obstante. Lograron algún que otro tema loable, pero insisto que la carrera de Weller solo estaba despuntando y lo mejor de este artista llegaría después.
En su último disco, "The Gift", encontramos dos precedentes musicales en Precious y Town called Malice de lo que sería su siguiente proyecto, Style Council.
Desde nuestro punto de vista, Running on the spot (poco conocido) es un ejemplo del mejor sonido Jam.
Editaron seis discos de estudio entre 1977 y 1982, siendo el último, "The Gift" el único que consiguíó posicionarse como nº1 y el más interesante en conjunto.
A destacar:
> In the city - The modern world (1977).
> David Watts - A bomb in wardour street - Down in the tube station at midnight (1978).
> Thick as thieves (1979).
> Start! - That´s entertainment (1980).
> Carnation (1982).
Periodo: 1972 -1982.
Trío formado por Paul Weller (Guitarra, voz, compositor), Bruce Foxton (bajo), Rick Buckler (batería).
Otro clásico sobrevalorado.
Paul Weller aún estaba muy en barbecho. Más adelante haría maravillas, primeramente con Style Council pero sobre todo en su carrera en solitario -ver ambos posts.
Construyeron su música dentro de un estilo mod revival con tintes de punk.
Intentaron un continuo de lo que habían hecho por ejemplo The Who, no consiguiendo en general ni llegarles a la suela de los zapatos, pues los susodichos habían puesto el listón muy alto y además el proyecto de Weller era inferior desde casi cualquier ángulo que se mire.
Tuvieron su momento, no obstante. Lograron algún que otro tema loable, pero insisto que la carrera de Weller solo estaba despuntando y lo mejor de este artista llegaría después.
En su último disco, "The Gift", encontramos dos precedentes musicales en Precious y Town called Malice de lo que sería su siguiente proyecto, Style Council.
Desde nuestro punto de vista, Running on the spot (poco conocido) es un ejemplo del mejor sonido Jam.
Editaron seis discos de estudio entre 1977 y 1982, siendo el último, "The Gift" el único que consiguíó posicionarse como nº1 y el más interesante en conjunto.
A destacar:
> In the city - The modern world (1977).
> David Watts - A bomb in wardour street - Down in the tube station at midnight (1978).
> Thick as thieves (1979).
> Start! - That´s entertainment (1980).
> Carnation (1982).
domingo, 22 de octubre de 2017
Geri Halliwell (Scream if you wanna go faster) - (I was made that way) - 2001 / (Miracles) - 2016 / (Look at me) - 1999
Origen. Watford (Inglaterra).
Periodo: 1994 - hoy.
Nacida en Watford (UK) en 1972 supuso un aire fresco en el panorama pop y dance, e incluso en el pop rock.
En su palmarés encontramos cuatro discos de estudio. El más flojo de ellos es Passion (2005), hecho que la llevó a un silencio de casi doce años.
Su segundo trabajo "Scream If You Wanna Go Faster" (2001) es sin duda lo mejor que ha hecho hasta el momento, aunque su reciente "Man on the Mountain" (2016) contiene alguna sorpresa.
El disco está firmado bajo el nombre de Geri Horner, en un alarde atávico sentimental.
La explicación se encuentra en que en 2015 Halliwell contrajo matrimonio con el actual director de Red Bull Racing, Christian Horner. El nuevo trabajo se solapa en el tiempo con esa primerísima etapa por todos conocida en una relación; en el momento de publicar su disco debía estar muy enamorada (en ese estado de estupidez supina, en palabras de Cela), hasta cometer la insensatez que aludimos. Pues es una locura de cara a la promoción de su disco relegar su propio apellido -mundialmente conocido- en aras de un "regalo"a su hombre. Hecho del que se arrepentirá a no mucho tardar. Tiempo al tiempo.
También resaltaremos otras facetas de este interesante personaje:
- Puede presumir de una discreta filmografía como actriz.
- Entre 2008 y 2009 escribió seis libros para niños centrados en el personaje de Ugenia Lavender, su alter ego.
- La filantropía es otra de sus facetas, ayudando en proyectos humanitarios desde que tuvo ocasión.
A destacar:
> Walkaway (1999).
> Feels like sex - Shake your bootie cutie - Don't call me baby (2001).
> Deep down (2016).
viernes, 20 de octubre de 2017
Megadeth (In my darkest hour) - 1988 / (Hangar 18) - (1990) - (Sweating Bullets) - 1992 / (Breadline) - 1999
Origen: Los Angeles, California (USA).
Todo comenzó en 1983, cuando el pelirrojo vocalista, compositor y guitarra llamado Dave Mustaine (n. 1961) fue despedido de su banda original, unos tipejos que se hacían llamar Metallica.
Mustaine era un peso pesado dentro de Metallica, principal compositor. Pero por aquél entonces, persona excesiva en todas las facetas imaginables: dictatorial, agresivo y con una afición desmedida al alcohol y las drogas. Cosa que propició su despido de una manera algo brutal, por conspiración ideada a través del batería Lars Ulrich y del chivo tatuado James Hetfield (a la postre, líder incombustible de Metallica).
Esto produjo ipso facto una reacción vengativa en el ínclito humillado, que a partir de entonces tomó como fin de su existencia formar un grupo que "tocara mejor, más rápido y con más potencia que Metallica", según sus propias palabras.
El sonido que perseguían ambas bandas es un heavy metal más agresivo y más contundente en sus riffs, sin demasiados tics líricos y, cuando existen, más contenidos en extensión en favor de la potencia general: Un subgénero llamado Thrash metal.
El "big four" de este estilo está comprendido por Megadeth, Metallica, Slayer y Anthrax.
Megadeth incurre también en sus últimas producciones en el speed metal, con no demasiado éxito.
La trayectoria del grupo está marcada por el abuso de drogas hasta límites muy peligrosos, habiendo encontrado la muerte varios de sus miembros y excomponentes.
El propio Mustaine arrastró sus adicciones durante muchos años. Tanto es así, que en 1993, en una de tantas celebraciones por el éxito de Countdown to Extinction (el mejor trabajo de toda su discografía) muere realmente en el hospital, pero es devuelto a la vida minutos después por algún galeno en racha de buenaventura.
No tomó nota, y en 1995 vuelve a ingresar por 15º (y eso sí, última vez) en rehabilitación. Por fin vio la luz inconmensurable.
Otros datos:
- El nombre de Megadeth es un error ortográfico intencionado. Lo correcto hubiera sido Megadeath.
- A diferencia de su oponente, James Hetfield (Metallica) -un tío con barba de chivo y multitatuado- Mustaine se muestra casi siempre bien afeitado y sin ningún tatuaje. Totalmente atípico.
- La mejor época del grupo se sitúa en los primeros años de la década de los ´90.
- A pesar de la crítica, el álbum "Risk" (1999) contiene temas muy valiosos, que fueron defenestrados por los fans por no ser thrash metal sino música más cercana al hard pop. Algo muy parecido le ocurrió a Kiss con su glorioso Unmasked, un álbum casi anatema en su momento.
- La rivalidad entre Metallica y Mustaine parece estar enterrada desde hace más o menos una década.
- Muy impresionante el mencionado Countdown to Extinction, con varios premios y con certificación de doble platino. El propio tema homónimo bebe claramente del "Black Blade" (1980) de Blue Öyster Cult -ver post.
A destacar:
> Peace sells (1986).
> Dawn patrol (1990).
> Captive honour - Psychotron - Countdown to Extinction- Symphony of destruction (1992).
> A tout le monde (1994).
> No more Mr.nice guy - cover de Alice Cooper (1995).
> Vortex - Use the man (1997).
> Crush´em - Wanderlust - Ecstasy - Time: The End (1999).
> 1000 times goodbye - Burning bridges (2001).
> The right to go insane (2009).
> Millenium of the blind (2011).
> Conquer of die - The emperor (2016).
martes, 17 de octubre de 2017
The Inmates (Sweet nuthin´) - 1989 / (I can´t stop) - 1979
Formación británica nacida en 1977.
Entre 1979 y 1997 editaron diez discos de estudio. Apenas ha habido cambios en sus filas y cuatro de sus cinco componentes originales se han mantenido a través del tiempo.
Hacen un pub rock festivo, muchas veces cercano al rock and roll y que por momentos recuerda al gran Tom Petty.
A destacar:
> Love got me - Jealousy (1979).
> Feelin´good - Tell me what´s wrong (1980).
> Turn back the hands of time - Dangerous love (1989).
> Wanted (1993).
Entre 1979 y 1997 editaron diez discos de estudio. Apenas ha habido cambios en sus filas y cuatro de sus cinco componentes originales se han mantenido a través del tiempo.
Hacen un pub rock festivo, muchas veces cercano al rock and roll y que por momentos recuerda al gran Tom Petty.
A destacar:
> Love got me - Jealousy (1979).
> Feelin´good - Tell me what´s wrong (1980).
> Turn back the hands of time - Dangerous love (1989).
> Wanted (1993).
viernes, 13 de octubre de 2017
The Emotions (How can you stop loving someone) - (I don´t wanna lose your love) - 1976 / (Where is your love) - 1979 / (Are you through with my heart) - 1984
Origen: Chicago (USA).
Periodo: 1962 - 2020.
Atención a este maravilloso grupo de smooth soul, que no es que sean buenos, ¡son una absoluta joya!
Poned vuestro mejor oído en aviso, pues lo que vais a escuchar pertenece a la categoría de supreme virtual drugs. Efectivamente, lo que en este blog perseguimos. Y lo digo porque estoy seguro de que muy pocos habrán tenido el placer de conocer a The Emotions, o sea, las hermanas Hutchinson, formación nacida en 1968 (otra vez ese mágico año).
Las Hutchinson (Wanda, Sheila y Jeanette) se dedicaron a cantar gospel durante toda su juventud y en los ´70 estuvieron vinculadas al prestigioso sello Stax colaborando estrechamente con proyectos del gran Maurice White (líder de Earth, Wind & Fire). De hecho, White produjo varios de sus discos y estuvo siempre muy pendiente de las evoluciones de estas virtuosas hermanas.
En esta banda es destacable la calidad de su música y cómo supieron reconvertir en pura delicia de algodón su música soul y su música disco.
Editaron once LP's entre 1970 y 1985.
En 1976 se desmarcaron con una obra maestra, "Flowers", con un par de temas en selección y otros tantos destacados.
Podríamos decir sin errar demasiado que The Emotions fueron el alma femenina de la concepción de la música de Maurice White y su EWF, a la que siempre estuvieron ligados. De hecho, cuando el peso de Maurice desapareció virtualmente del panorama musical en 1985, The Emotions eclipsaron igualmente.
Una última puntualización: A mi modo de ver, The Emotions resistieron mejor la etapa disco que los propios EWF (ver post), consiguiendo construir canciones más ancladas en sus orígenes.
Un ejemplo puede ser Miss your love, un tema gospel-disco muy bueno. Cosas interesantes, que EWF entrados en los ´80 fueron incapaces de hacer.
Mientras que el grueso excelente de EWF lo encontramos en el funky soul, The Emotions por el contrario acaparan un buen bagaje de temas disco, eso sí, con un inconfundible sello retro.
Escuchemos ya sin más preámbulos a esta delicada banda.
A destacar:
> Put a little love away (1974)
> How can you stop loving someone - Special part (1976)
> Blessed (1977)
> Come into our world (1979)
> There´ll never be another moment (1981)
> Miss your love (1985)
Nota: Where is your love no es posible insertarlo en el blog. Pero podemos escucharlo en el siguiente enlace:
https://youtu.be/LkodLDvrI0I
Nota: Where is your love no es posible insertarlo en el blog. Pero podemos escucharlo en el siguiente enlace:
https://youtu.be/LkodLDvrI0I
miércoles, 11 de octubre de 2017
Peter Criss (In trouble again) - 1980 / (First day in the rain) - 1982 / (Hope) - (Heart behind these hands - 2007
Origen: Brooklyn (USA).
Periodo: 1978 - 2007.
Estuvo al mando de los tambores en Kiss durante su épica trayectoria en la década de los 70.
En Kiss cantaban todos y Peter dejó su voz en una docena de canciones, la mayoría de ellas excelentes.
Sus intereses se centraban más en el R&B y el rock and roll, y así lo demostró en su primer disco en solitario (1978), el trabajo que lanzó a la par que los demás miembros de Kiss.
A partir de 1980 inicia su andadura en solitario, con dos buenos y bastante desconocidos trabajos:
"Out of control" (1980) y "Let me rock you" (1982), editados ambos por Casablanca Records, la discográfica de su grupo madre.
El gran Vini Poncia, artífice del "sonido Unmasked" de Kiss, produjo los tres primeros discos de Criss y coescribió junto a él el tema Move on over (1982).
Lo cierto es que Peter Criss logró firmar grandes temas como First day in the rain -en selección.
En 1994 apareció "Cat1", un buen compendio de buen hacer hard rock, con multitud de buenas canciones. Porque Peter Criss es un cantante y artista sobresaliente por encima de su definición como batería.
En su último trabajo "One for all" (2007) ya avisa con su portada, un álbum con vocación de mucho vuelo. Disco a ratos orquestado, con algunas composiciones deslumbrantes. Posiblemente el mejor disco de Criss, pero con repercusión nula. De ahí su silencio posterior.
Creo poder afirmar que se trata de una joya perdida. El guitarrista Mike McLaughlin está magnífico.
En 2017, con 72 años, anuncia su despedida definitiva de los escenarios.
A destacar:
> Theres nothing better - My life - Feel like letting go (1980)
> Move on over (1982)
> Good times - Strike - Blue moon over Broklyn (1994)
> Memories - Faces in the crowd (2007)
A destacar:
> Theres nothing better - My life - Feel like letting go (1980)
> Move on over (1982)
> Good times - Strike - Blue moon over Broklyn (1994)
> Memories - Faces in the crowd (2007)
domingo, 8 de octubre de 2017
Jeff Lynne (Stranger on a quiet street) - (It really doesn´t matter) - 2000 / (Love and rain) - 2015 / (Don´t say goodbye)- 1990
Origen: Birmingham (UK).
Periodo: 1963 - 2019
Diez años después vuelve con Zoom, bajo el nombre de ELO, aunque en rigor es el segundo álbum de Lynne pues obviando algunas colaboraciones el disco está realizado al completo por el. Tuvo muy buenas críticas pero no las ventas esperadas por lo que Jeff Lynne abandonó de nuevo el proyecto.
Tuvieron que pasar otros doce años más para que volviera con un disco de versiones muy interesante (Long wave, 2012), que pasaremos por alto al no ser composiciones originales del autor.
Y en 2015 aparece por fin Alone in the universe, un trabajo en el que, como buen multinstrumentalista, se ocupa de prácticamente todo lo que suena en el. No llega al nivel compositivo de Zoom pero es muy buen disco.
Conclusión: De los tres albumes de Jeff Lynne el más redondo es sin duda, Zoom. Pero vamos a incluir un tema de su primer disco y otro de su último proyecto de 2015 para obtener una perspectiva de su trayectoria, en detrimento de "Moment in paradise" y otros temas que sobrepasan a cualquiera de sus otros discos. Pero no por mucho, porque casi todo lo que produce este músico genial tiene un altísimo nivel.
A destacar:
> Moment in paradise - State of mind - In my own time (2000).
> All my life - Ain´t it a drag (2015).
sábado, 7 de octubre de 2017
Flash and the Pan (Hey Jimmy) - 1982 / (Communication breakdown) - 1984 / (Make your own cross) - (Atlantis Calling) - 1980
Origen: Sydney (Australia).
Periodo: 1976 - 1992.
George es el hermano mayor de los archiconocidos Angus y Malcolm Young de AC/DC. Y, de hecho, el equipo Vanda & Young produjeron los cinco primeros y legendarios álbumes del grupo (hasta Powerage, 1978) en su propio estudio Albert Productions.
Flash and the Pan sin embargo exploró un sonido bien diferente de AC/DC, muy new wave.
Tanto George como Harry se ocupaban indistintamente de las guitarras y de las voces, y de otros instrumentos como los teclados, que el propio George dominaba. Una firma del grupo fue la característica voz nasal de George.
Editaron seis discos entre 1978 y 1992, siendo muy buenos los tres primeros.
A partir de 1984 entraron en una espiral decadente compositiva de la que nunca se recuperaron.
Su canción más conocida es probablemente "Walking in the rain" (1978), de la que Grace Jones hizo un igualmente afamado cover en 1981.
A destacar:
> Walking in the rain - Lady killer - The African shuffle - Man in the middle - Hey St. Peter -
The Man who knew the answer - Down among the dead man - (1978).
> Psychos on the street (1982).
> Do it (1992).
miércoles, 4 de octubre de 2017
John Lawton (Christine) - (Daddy's In The Money) - 1980
Nacido en Halifax, UK, en 1946, es sin duda una de las más grandes leyendas del rock.
Comenzó en Lucifer´s Friend, un magnífico grupo alemán (ver post).
Antes de ser Lucifer´s Friend fueron Asterix (editaron un único pero fenomenal disco publicado bajo este nombre en 1970).
En este enlace youtube podeís disfrutar del LP al completo:
https://www.youtube.com/watch?v=JAq4CvLEVec
Luego llegaron cinco trabajos de corrido con la banda alemana (1970-1975), todos ellos espectaculares. Y paralelamente, en ese mismo lapso de tiempo, fue la voz de Les Humphries Singers, editando con ellos nada menos que diecisiete discos.
En 1976 el icónico cantante de Uriah Heep, David Byron, emprendió su carrera en solitario y los Uriah, que por esa época eran uno de los grupos de más peso del orbe, incluyeron a Lawton como cantante de reemplazo. Junto a el, Uriah Heep produjo oficialmente tres grandes discos:
Firefly (1977), Innocent Victim (1977) y Fallen Angel (1978).
Pero es muy poco conocido que Lawton trabajó de facto en un cuarto álbum con los Heep. El disco en cuestión se llamó "Ten Miles High" pero los egos de Lawton y Hensley hicieron imposible que el proyecto continuara. Con el despido de Lawton algunas de aquellas canciones fueron de nuevo grabadas por el vocalista John Sloman, apareciendo finalmente con el nombre de "Conquest" (1980).
Sin embargo, el último esfuerzo de Lawton con Uriah Heep ahí quedó. Disco maldito grabado en 1979. Oficialmente no hay registros -aunque se puede adquirir como bootleg-.
Aquí lo tenéis:
https://www.youtube.com/watch?v=VLJX8vlNibE
Y está al mismo nivel de los tres anteriores trabajos.
En este punto llegamos a lo que nos interesa: En 1980 John Lawton reunió a su banda original alemana para lanzar su primer disco en solitario, denominado "Hardbeat" (editado posteriormente como "Heartbeat" por la discográfica en un intento estúpido para que fuera más atractivo).
O sea, que este primer LP de Lawton es en rigor el sexto disco de Lucifer´s Friend, pues es la misma formación, pero en esta única ocasión bajo el nombre de John Lawton.
Este dato es conocido por muy pocas almas.
En este disco encontramos una joya, "Christine", con un alucinante ritmo reggae.
En 2003 aparece el proyecto John Lawton Band, (un solo trabajo de estudio), del que destacaremos dos temas.
En el año 2000 editó un muy buen disco de blues (Still Payin' My Dues...).
Otros proyectos curiosos:
- Bajo el nombre de "Gunhill", Lawton fabricó dos álbumes hoy inencontrables (banda de covers).
- Con un grupo llamado "Zar" editó el único disco genuinamente heavy metal en su palmarés, denominado Life your life forever.
- Bajo el nombre de "Rebel", en 1982 apareció un disco de Lawton que contiene alguna que otra sorpresa.
Larga vida a este portento. Seguro que no andamos muy equivocados cuando mantenemos que es una de las mejores voces del rock.
A destacar:
> Rainbow chasing (1980)
> I´ll be your man - Tomorrow - Starlight angel (2000)
> Firing line - Dog house (2003)
> Surrender - Innocent and wild (1982)
Comenzó en Lucifer´s Friend, un magnífico grupo alemán (ver post).
Antes de ser Lucifer´s Friend fueron Asterix (editaron un único pero fenomenal disco publicado bajo este nombre en 1970).
En este enlace youtube podeís disfrutar del LP al completo:
https://www.youtube.com/watch?v=JAq4CvLEVec
Luego llegaron cinco trabajos de corrido con la banda alemana (1970-1975), todos ellos espectaculares. Y paralelamente, en ese mismo lapso de tiempo, fue la voz de Les Humphries Singers, editando con ellos nada menos que diecisiete discos.
En 1976 el icónico cantante de Uriah Heep, David Byron, emprendió su carrera en solitario y los Uriah, que por esa época eran uno de los grupos de más peso del orbe, incluyeron a Lawton como cantante de reemplazo. Junto a el, Uriah Heep produjo oficialmente tres grandes discos:
Firefly (1977), Innocent Victim (1977) y Fallen Angel (1978).
Pero es muy poco conocido que Lawton trabajó de facto en un cuarto álbum con los Heep. El disco en cuestión se llamó "Ten Miles High" pero los egos de Lawton y Hensley hicieron imposible que el proyecto continuara. Con el despido de Lawton algunas de aquellas canciones fueron de nuevo grabadas por el vocalista John Sloman, apareciendo finalmente con el nombre de "Conquest" (1980).
Sin embargo, el último esfuerzo de Lawton con Uriah Heep ahí quedó. Disco maldito grabado en 1979. Oficialmente no hay registros -aunque se puede adquirir como bootleg-.
Aquí lo tenéis:
https://www.youtube.com/watch?v=VLJX8vlNibE
Y está al mismo nivel de los tres anteriores trabajos.
En este punto llegamos a lo que nos interesa: En 1980 John Lawton reunió a su banda original alemana para lanzar su primer disco en solitario, denominado "Hardbeat" (editado posteriormente como "Heartbeat" por la discográfica en un intento estúpido para que fuera más atractivo).
O sea, que este primer LP de Lawton es en rigor el sexto disco de Lucifer´s Friend, pues es la misma formación, pero en esta única ocasión bajo el nombre de John Lawton.
Este dato es conocido por muy pocas almas.
En este disco encontramos una joya, "Christine", con un alucinante ritmo reggae.
En 2003 aparece el proyecto John Lawton Band, (un solo trabajo de estudio), del que destacaremos dos temas.
En el año 2000 editó un muy buen disco de blues (Still Payin' My Dues...).
Otros proyectos curiosos:
- Bajo el nombre de "Gunhill", Lawton fabricó dos álbumes hoy inencontrables (banda de covers).
- Con un grupo llamado "Zar" editó el único disco genuinamente heavy metal en su palmarés, denominado Life your life forever.
- Bajo el nombre de "Rebel", en 1982 apareció un disco de Lawton que contiene alguna que otra sorpresa.
Larga vida a este portento. Seguro que no andamos muy equivocados cuando mantenemos que es una de las mejores voces del rock.
A destacar:
> Rainbow chasing (1980)
> I´ll be your man - Tomorrow - Starlight angel (2000)
> Firing line - Dog house (2003)
> Surrender - Innocent and wild (1982)
lunes, 2 de octubre de 2017
The Moody Blues (Gemini Dream) - (Meanwhile) - (The Voice) - 1981 / (Blue World) - 1983
Banda británica formada en Birmingham en 1964.
En sus comienzos se llamaban "The Magnificient Moodys" (hasta 1966).
Su segundo trabajo "Days of future passed" (1967) supuso un planteamiento muy novedoso para la época, disco muy aclamado, orquestado y de indudable calidad pero que no obstante es una rareza en la discografía del grupo, que nunca quiso perseguir esta línea.
Entre 1968 y 1972 editaron seis discos en los que realmente casi nada es aprovechable en el sentido que le damos aquí.
El siguiente álbum ya data de 1978, con un lapso vacío de seis años.
Sin embargo en 1981 apareció por fin un disco para enmarcar y para escuchar detenidamente: "Long Distance Voyager". La inclusión del genial teclista Patrick Moraz tuvo mucho que ver en su éxito.
En sus comienzos se llamaban "The Magnificient Moodys" (hasta 1966).
Su segundo trabajo "Days of future passed" (1967) supuso un planteamiento muy novedoso para la época, disco muy aclamado, orquestado y de indudable calidad pero que no obstante es una rareza en la discografía del grupo, que nunca quiso perseguir esta línea.
Entre 1968 y 1972 editaron seis discos en los que realmente casi nada es aprovechable en el sentido que le damos aquí.
El siguiente álbum ya data de 1978, con un lapso vacío de seis años.
Sin embargo en 1981 apareció por fin un disco para enmarcar y para escuchar detenidamente: "Long Distance Voyager". La inclusión del genial teclista Patrick Moraz tuvo mucho que ver en su éxito.
En esta producción aunaron toda su sabiduría y la pusieron en la mesa de los tiempos que corrían, elaborando un perfecto álbum de época, recogiendo las mejores corrientes y traspasándolas al estilo Moody Blues.
Por ejemplo, en Gemini dream emulan a la mejor ELO; en In my world, a Lennon.
Meanwhile y The Voice es genuino sonido Moody Blues, muy paralelo a lo que hacían los últimos Badfinger exactamente en el mismo año. ¿Retroalimentación, contagio, sincronicidad?
Painted smile recuerda a un decadente y circense Elvis.
Sin duda, lo más emocionante que jamás hicieron The Moody Blues.
Blue World (1983) es el último gran tema que nos ha dejado este elegante grupo.
Editaron cinco discos más, el último en 2003.
A destacar:
> Dawn is a a feeling (1967)
> The story in your eyes - After you came (1971)
> You - My brother (1975)
> Top rank suite - I´m your man - The day we meet again (1978)
> In my world - Painted smile (1981)
> Sorry (1983)
> Here comes the weekend - Deep (1988)
> English sunset - Strange times (1999)
Sin duda, lo más emocionante que jamás hicieron The Moody Blues.
Blue World (1983) es el último gran tema que nos ha dejado este elegante grupo.
Editaron cinco discos más, el último en 2003.
A destacar:
> Dawn is a a feeling (1967)
> The story in your eyes - After you came (1971)
> You - My brother (1975)
> Top rank suite - I´m your man - The day we meet again (1978)
> In my world - Painted smile (1981)
> Sorry (1983)
> Here comes the weekend - Deep (1988)
> English sunset - Strange times (1999)
viernes, 29 de septiembre de 2017
Treasure (Innocent Eyes) - (Turn yourself around) - 1977
Origen: USA.
Periodo: 1976 - 1978.
A la guitarra solista estaba Vincent Cusano, de ascendencia italiana.
Los demás integrantes eran Felix Cavaliere (voz y teclados), Jack Sacarangella (percusión) y Rick Laird al bajo.
Producido por Cavaliere para Epic en los Sound Ideas Studios de Nueva York, consiguieron un sofisticado sonido de muy alta calidad.
Se da la circunstancia de que en los dos mejores temas (en selección) del álbum canta Vinnie Cusano.
Poco después Vincent cambiaría su nombre a Vinnie Vincent y se haría famoso por ser el guitarrista que Kiss tomó como reemplazo al mítico Ace Frehley en 1982 para la grabación de "Creatures of the night" (aunque no se le menciona en los créditos), y ya de manera oficial en el siguiente trabajo, "Lick it up" (1983), con el que consiguió llevar a la banda de nuevo al éxito masivo.
Fue despedido a no mucho tardar por supuestas conductas poco éticas, aunque la verdadera razón es que tenía un superlativo ego que chocaba frontalmente con el aún más descomunal de Gene Simmons, y ahí no había nada que hacer.
Sus solos de guitarra eran muchas veces excesivos y tenía constantes trifulcas por esta razón, no solamente en Kiss, también le ocurrió lo mismo con su siguiente banda, Vinnie Vincent Invasion.
Sin embargo, aquí está Treasure, con un sonido totalmente pop, muy alejado de lo que haría después.
A destacar:
> Love me tonight - Treasure (1977).
martes, 26 de septiembre de 2017
Geisha (Blue suede boy) - (Dangerous occupation) - 1989 / (Normal people) - 1987 / (Sailing) - 2011
Origen: Melbourne (Australia).
Periodo: 1983 - 1988 / 2007 - hoy.
Geisha es otro de esos grupos de muy corto recorrido pero que conocerlo será una grata sorpresa para muchos.
Geisha elabora un AOR suave de inspiración glam y de tintes románticos que sin duda hubiera sido un éxito si hubiera contado con una difusión más acertada, cosa que no tuvo lugar, de ahí que haya permanecido en la sombra.
Nacidos en 1983 en Australia bajo la batuta de su absoluto líder, Chris Doheny, cantante, guitarra, compositor de la mayoría de las canciones, y también bajista a partir del tercer álbum.
Editaron dos trabajos de corrido, el homónimo en 1985 y "Midnight to Dawn" en 1987. Y cuando el tercer disco "No Second Prize", grabado en 1989, ya estaba listo, el grupo se disolvió y las grabaciones desaparecion.
En 2006 se pudieron recuperar y es entonces cuando por fin vio la luz este magnífico trabajo.
No existía nada de este disco en youtube, así que no he tenido por más que subir personalmente las dos canciones seleccionadas del mismo, porque son además dos de los mejores temas de Geisha.
En 2011 sale a la luz una nueva canción (en selección) que suponía un adelanto al que iba a ser el cuarto álbum de la banda, que tenía incluso nombre (Dysphasia), pero que aún a día de hoy no existe y no se sabe si existirá. Una pena, porque el single, "Sailing", prometía nuevas mieles.
En 2014 Chris Doheny lanza su primer disco en solitario, llamado "Doheny", acústico y bastante interesante, como casi todo lo que ha hecho este hombre.
A destacar:
> Night games (1985)
> Calling your name (1987)
> Mother - In my life (1989)
Periodo: 1983 - 1988 / 2007 - hoy.
Geisha es otro de esos grupos de muy corto recorrido pero que conocerlo será una grata sorpresa para muchos.
Geisha elabora un AOR suave de inspiración glam y de tintes románticos que sin duda hubiera sido un éxito si hubiera contado con una difusión más acertada, cosa que no tuvo lugar, de ahí que haya permanecido en la sombra.
Nacidos en 1983 en Australia bajo la batuta de su absoluto líder, Chris Doheny, cantante, guitarra, compositor de la mayoría de las canciones, y también bajista a partir del tercer álbum.
Editaron dos trabajos de corrido, el homónimo en 1985 y "Midnight to Dawn" en 1987. Y cuando el tercer disco "No Second Prize", grabado en 1989, ya estaba listo, el grupo se disolvió y las grabaciones desaparecion.
En 2006 se pudieron recuperar y es entonces cuando por fin vio la luz este magnífico trabajo.
No existía nada de este disco en youtube, así que no he tenido por más que subir personalmente las dos canciones seleccionadas del mismo, porque son además dos de los mejores temas de Geisha.
En 2011 sale a la luz una nueva canción (en selección) que suponía un adelanto al que iba a ser el cuarto álbum de la banda, que tenía incluso nombre (Dysphasia), pero que aún a día de hoy no existe y no se sabe si existirá. Una pena, porque el single, "Sailing", prometía nuevas mieles.
En 2014 Chris Doheny lanza su primer disco en solitario, llamado "Doheny", acústico y bastante interesante, como casi todo lo que ha hecho este hombre.
A destacar:
> Night games (1985)
> Calling your name (1987)
> Mother - In my life (1989)
lunes, 25 de septiembre de 2017
Barón Rojo (Chica de la ciudad) - 1981 / (Incomunicación) - (Los rockeros van al infierno) - 1982 / (Los domingos son muy aburridos) - 1988
Legendario grupo de heavy metal español, formado en 1980.
Sus dos primeros trabajos, "Larga vida al rock and roll" (1981) y "Volumen Brutal" (1982) supusieron una bomba en el panorama nacional.
Incluso se hizo una versión del Volumen Brutal cantada en inglés y grabada en los estudios de Ian Gillan que tuvo su repercusión en Inglaterra.
Volumen Brutal perseguía un sonido cercano a lo que habían hecho AC/DC en el último y mítico disco del grupo con Bon Scott (Highway to Hell, 1979).
Hasta la fecha han publicado doce discos de estudio, el último en 2012.
Su tema "Incomunicación" me sigue pareciendo de una potencia impresionante.
La calidad del grupo nunca ha menguado, pero sí su fuerza a partir de 1983.
A destacar:
> El pobre - Barón Rojo (1981)
> Se escapa el tiempo (1983)
Sus dos primeros trabajos, "Larga vida al rock and roll" (1981) y "Volumen Brutal" (1982) supusieron una bomba en el panorama nacional.
Incluso se hizo una versión del Volumen Brutal cantada en inglés y grabada en los estudios de Ian Gillan que tuvo su repercusión en Inglaterra.
Volumen Brutal perseguía un sonido cercano a lo que habían hecho AC/DC en el último y mítico disco del grupo con Bon Scott (Highway to Hell, 1979).
Hasta la fecha han publicado doce discos de estudio, el último en 2012.
Su tema "Incomunicación" me sigue pareciendo de una potencia impresionante.
La calidad del grupo nunca ha menguado, pero sí su fuerza a partir de 1983.
A destacar:
> El pobre - Barón Rojo (1981)
> Se escapa el tiempo (1983)
sábado, 23 de septiembre de 2017
The Electric Prunes (Are you Lovin' me more, but enjoin' it less) - (Bangles) - (Luvin) - 1967 / (Hey, Mr. President) - 1968
Origen: Los Angeles (USA) en 1965.
Después de algunos singles, en 1967 editaron su primer largo, que supone un destello importante.
A nuestro parecer, los temas en selección definen lo curioso y especial de esta gran banda. En ellos existe un aura beat muy original.
Lástima que perdiera completamente el norte a partir de 1968.
Después de su alucinante debut editaron otros cuatro trabajos, dando por finalizado el proyecto en 1969.
Aunque su tema más posicionado en los ránkings de la época fue "Get me to the world on time", lo vamos a dejar solo como destacado.
En 2001, más de treinta años después, volvieron con nuevo material. Y han repetido, en 2004, 2006 y 2014. Algunas de sus nuevas canciones no están nada mal, aunque queda muy poco de los integrantes originales.
Disfrutemos de las curiosas composiciones en su pequeña etapa de gloria.
A destacar:
> Get me to the world on time - About a quarter to nine (1967)
Después de algunos singles, en 1967 editaron su primer largo, que supone un destello importante.
A nuestro parecer, los temas en selección definen lo curioso y especial de esta gran banda. En ellos existe un aura beat muy original.
Lástima que perdiera completamente el norte a partir de 1968.
Después de su alucinante debut editaron otros cuatro trabajos, dando por finalizado el proyecto en 1969.
Aunque su tema más posicionado en los ránkings de la época fue "Get me to the world on time", lo vamos a dejar solo como destacado.
En 2001, más de treinta años después, volvieron con nuevo material. Y han repetido, en 2004, 2006 y 2014. Algunas de sus nuevas canciones no están nada mal, aunque queda muy poco de los integrantes originales.
Disfrutemos de las curiosas composiciones en su pequeña etapa de gloria.
A destacar:
> Get me to the world on time - About a quarter to nine (1967)
jueves, 21 de septiembre de 2017
Ronnie Montrose (Town without Pity) - (Heads up) - 1978 / (Outer marker inbound) - 1990
Guitarrista nacido en San Francisco en 1947.
Formó su propia banda, Montrose en 1973 (ver post). Y en 1978 vio la luz su primer disco en solitario, "Open Fire".
Todos los trabajos que editó bajo su nombre (ocho en total, el último en 1999) son instrumentales y firmando un rock progresivo espacial muy técnico y por delante de su época.
Open Fire es uno de los más interesantes y completos.
A pesar de que tuvo el respaldo de una discográfica gigante como la Warner, solamente el primer disco de su banda original "Montrose" tuvo repercusión en ventas. Ni los esfuerzos del grupo posteriores ni sus discos en solitario (incluyendo su proyecto paralelo, "Gamma") tuvieron la suerte que se merecían.
El 3 de marzo de 2012 se suicidó con un disparo en la cabeza. Tenía solamente 64 años. No dejó ninguna nota, pero poco antes a su mujer le había confesado que sentía un vacío creativo total. En un principio la familia ocultó este hecho y aunque estaba luchando contra un cáncer de próstata diagnosticado en 2007, más tarde salió a la luz que aquello no fue la causa de su muerte.
A destacar:
> Open fire - Mandolinia (1978)
> Catscan - Odd man out (1986)
> Telstar (1990)
> Primary function (1994)
Formó su propia banda, Montrose en 1973 (ver post). Y en 1978 vio la luz su primer disco en solitario, "Open Fire".
Todos los trabajos que editó bajo su nombre (ocho en total, el último en 1999) son instrumentales y firmando un rock progresivo espacial muy técnico y por delante de su época.
Open Fire es uno de los más interesantes y completos.
A pesar de que tuvo el respaldo de una discográfica gigante como la Warner, solamente el primer disco de su banda original "Montrose" tuvo repercusión en ventas. Ni los esfuerzos del grupo posteriores ni sus discos en solitario (incluyendo su proyecto paralelo, "Gamma") tuvieron la suerte que se merecían.
El 3 de marzo de 2012 se suicidó con un disparo en la cabeza. Tenía solamente 64 años. No dejó ninguna nota, pero poco antes a su mujer le había confesado que sentía un vacío creativo total. En un principio la familia ocultó este hecho y aunque estaba luchando contra un cáncer de próstata diagnosticado en 2007, más tarde salió a la luz que aquello no fue la causa de su muerte.
A destacar:
> Open fire - Mandolinia (1978)
> Catscan - Odd man out (1986)
> Telstar (1990)
> Primary function (1994)
domingo, 17 de septiembre de 2017
The Amboy Dukes (Journey to the center of the mind) - 1968
Origen: Detroit, Michigan (USA).
Inicios: 1964.
Nombre del grupo: Inspirado en la primera novela del escritor Irving Shulman, de título homónimo (1947), en el que se relatan los crimenes de una banda adolescente judía en el Brooklyn de la segunda guerra mundial. Fueron hechos reales, y dicha banda tuvo cierta repercusión habida la hora en que el propio Shulman hizo dos secuelas más noveladas sobre ello.
La formación tuvo cambios constantes, permaneciendo como único miembro estable su virtuoso guitarrista.
Editaron seis discos de estudio en sus diez años de recorrido histórico, el último en 1974.
A partir de ahí el grupo se disolvió porque su alma, Ted Nugent, comenzó su carrera en solitario.
En 1968 construyeron este superhit, para mi gusto el único por el que deben ser recordados.
Encontramos un surtido más pletórico en la etapa de Nugent posterior.
Por el momento disfrutemos de este magnífico tema en el que se aprecia al guitarrista aún comedido, con traje, media melena y bigotito del que Dalí se hubiera sentido orgulloso. A no mucho tardar, su aspecto derivaría en un salvaje desnudo con barba hippie y con un rifle de repetición en sus brazos que disparaba andanadas de fantastic crazy rock. Pero esto es otro cantar.
Inicios: 1964.
Nombre del grupo: Inspirado en la primera novela del escritor Irving Shulman, de título homónimo (1947), en el que se relatan los crimenes de una banda adolescente judía en el Brooklyn de la segunda guerra mundial. Fueron hechos reales, y dicha banda tuvo cierta repercusión habida la hora en que el propio Shulman hizo dos secuelas más noveladas sobre ello.
La formación tuvo cambios constantes, permaneciendo como único miembro estable su virtuoso guitarrista.
Editaron seis discos de estudio en sus diez años de recorrido histórico, el último en 1974.
A partir de ahí el grupo se disolvió porque su alma, Ted Nugent, comenzó su carrera en solitario.
En 1968 construyeron este superhit, para mi gusto el único por el que deben ser recordados.
Encontramos un surtido más pletórico en la etapa de Nugent posterior.
Por el momento disfrutemos de este magnífico tema en el que se aprecia al guitarrista aún comedido, con traje, media melena y bigotito del que Dalí se hubiera sentido orgulloso. A no mucho tardar, su aspecto derivaría en un salvaje desnudo con barba hippie y con un rifle de repetición en sus brazos que disparaba andanadas de fantastic crazy rock. Pero esto es otro cantar.
jueves, 14 de septiembre de 2017
Montrose (Bad Motor scooter) - (Rock the nation) - (Space Station 5) -1973 / (Underground) - 1974
Banda californiana formada en 1973.
Su alineación original, que es la que realmente nos interesa por ser la mejor, incluía a Ronnie Montrose a la guitarra, Sammy Hagar al micrófono, Bill Church al bajo y Denny Carmassi a la batería.
Con esta formación lanzaron un álbum debut legendario, llamado "Montrose" (1973) y un segundo trabajo en 1974, denominado "Paper Money", ambos producidos por Ted Templeman (famoso por ser también productor de Van Halen).
El primer disco de Montrose es muy emocionante, pues es como escuchar a unos Led Zeppelin desatados, con más potencia, aunque tiene valor intrínseco: Muy poca gente era capaz de hacer lo que se hizo aquí en 1973, un hard rock perfecto, de muchísmo peso y calidad, en el que Templeman tuvo sin duda un lugar destacado. En su momento no tuvo gran éxito de ventas, pero con el paso de los años adquirió calificación platino (1.000.000 de copias vendidas).
Existe un tema en su segundo disco -en selección- que supone uno de los primeros precedentes del pop-rock moderno y esto hay que valorarlo pues está adelantado en el tiempo varios años.
Sam Hagar, que así se le llamaba por ese entonces, cantó solamente en estos dos primeros discos. A partir de ahí inició su carrera en solitario hasta que Van Halen lo reclutara a mediados de los ´80.
Sam Hagar, que así se le llamaba por ese entonces, cantó solamente en estos dos primeros discos. A partir de ahí inició su carrera en solitario hasta que Van Halen lo reclutara a mediados de los ´80.
Hablaremos en breve de la carrera en solitario de Ronnie Montrose.
A destacar:
> All i need (1975)
> Rich man (1976)
A destacar:
> All i need (1975)
> Rich man (1976)
viernes, 1 de septiembre de 2017
Social Distortion (Cold Feelings) - (Making believe) - 1992
Banda de punk rock nacida en 1978 y con siete discos a las espaldas, el último en 2011.
Su formación ha tenido muchas idas y venidas, permaneciendo como único miembro estable su líder, el cantante y guitarra Mike Ness.
Grupo muy paralelo a Godfathers (ver post) aunque menos conocido.
Su mejor disco, Somewhere Between Heaven and Hell (1992) nos trae estas dos selecciones.
A destacar:
> Let it be me - So far away (1990).
> Bye bye baby (1992)
> California (Hustle And Flow) - Can't Take It With You (2011)
Barbra Streisand (Prisoner. Eyes of Laura Mars) - 1978 / (The Way We Were) -1973 / (Superman) - 1977
La gran Barbra, la grandísima Streisand. Qué stress. Desde jovencísima, cantante de éxito, con poco más de veinte años una estrella con su propio espacio en televisión. Tertuliana medio chalada que siempre tuvo un objetivo claro: destacar por delante de sus contemporáneos. Incluso fue capaz de sobrepasar a The Beatles en ventas cuando la banda de Liverpool era una apisonadora. Nadie más puede decir lo mismo.
Compositora, actriz y directora de cine, fue la primera mujer que con "Yentl" (1983) consiguió el hito de ser protagonista, coguionista y directora a la vez.
En fin, para datos apabullantes y premios tenéis wikipedia.
A mi personalmente me gusta más Streisand en su faceta cinematográfica. Su cénit: la cinta de Sydney Pollack, "Tal como éramos" (1973), compartiendo papel protagonista con un Robert Redford también en plenitud de facultades. La BSO será probablemente recordada por eones.
Cinco años después, otra maravilla, el tema estrella de la cinta "Los ojos de Laura Mars" (1978).
Un año antes editó "Superman", un álbum bastante olvidado con las únicas canciones pop rock de esta diva, de resultado irregular pero del que hay que destacar su tema homónimo, que por supuesto no es pop.
En definitiva, una larguísima lista de álbumes publicados (más de treinta), en los que incide una y otra vez en la misma fórmula, buscando siempre la excelencia, eso sí, pero encontrándola en ocasiones muy contadas.
Barbra es sin duda mucha Barbra, pero también es mucho mito. Para ayudar a desmitificarla pondré un ejemplo:
Una de las mejores canciones de Streisand es All in love is fair. Pero nuestra querida pero muchísimo más desconocida Nancy Wilson la interpreta aún mejor. No pongo ya la de Streisand porque me la han capado en varias ocasiones.
Compositora, actriz y directora de cine, fue la primera mujer que con "Yentl" (1983) consiguió el hito de ser protagonista, coguionista y directora a la vez.
En fin, para datos apabullantes y premios tenéis wikipedia.
A mi personalmente me gusta más Streisand en su faceta cinematográfica. Su cénit: la cinta de Sydney Pollack, "Tal como éramos" (1973), compartiendo papel protagonista con un Robert Redford también en plenitud de facultades. La BSO será probablemente recordada por eones.
Cinco años después, otra maravilla, el tema estrella de la cinta "Los ojos de Laura Mars" (1978).
Un año antes editó "Superman", un álbum bastante olvidado con las únicas canciones pop rock de esta diva, de resultado irregular pero del que hay que destacar su tema homónimo, que por supuesto no es pop.
En definitiva, una larguísima lista de álbumes publicados (más de treinta), en los que incide una y otra vez en la misma fórmula, buscando siempre la excelencia, eso sí, pero encontrándola en ocasiones muy contadas.
Barbra es sin duda mucha Barbra, pero también es mucho mito. Para ayudar a desmitificarla pondré un ejemplo:
Una de las mejores canciones de Streisand es All in love is fair. Pero nuestra querida pero muchísimo más desconocida Nancy Wilson la interpreta aún mejor. No pongo ya la de Streisand porque me la han capado en varias ocasiones.
lunes, 14 de agosto de 2017
New England (Searchin´) - 1978 / (You'll Be Born Again) - 1980 / (She's Gonna Tear You Apart) - 1981 / (Encore) - 1979
Origen: Boston (USA).
Periodo: 1977 - 1981.
New England es un grupo de muy corto recorrido, nacido en Boston en 1978. Fueron descubiertos por Bill Aucoin, manager de Kiss y también Paul Stanley ayudó en la producción de su primer disco.
En muchos momentos recuerdan a ELO en sus elaboradas armonías vocales. Pero sin embargo constato un valor muy original porque sus canciones están orientadas específicamente a un pre-AOR, un rock basado en mucha guitarra sangrante (cosa que no tenía ELO, y pocos grupos exploraron el feeling y las armonías a través de la guitarra, ELO lo hizo básicamente a través de teclados).
Este es el valor de New England: un grupo rock de su tiempo pero instalado en un mundo sensible superior.
Simplemente apoteósicos "She's Gonna Tear You Apart" y "Encore".
"You´ll be born again" es una composición de ánima paralela a lo que hacía Ken Hensley pocos años antes. Y me encanta que este grupo conecte con esta fantástica manera de hacer música. Pues esto es música suprema medular. Justo lo que aquí perseguimos.
Solo editaron tres discos de corrido y ahí acabó todo. Una verdadera lástima. Como decían Golpes Bajos (ver post), malos tiempos para la lírica. Lo eran ya a finales de los ´70, y en los ´80.
Ahora ya ni os cuento...
A destacar:
> Hello, hello, hello - Shall i run away (1979)
> Explorer suite - Honey money (1980)
> D.D.T. - Elevator (1981)
Periodo: 1977 - 1981.
New England es un grupo de muy corto recorrido, nacido en Boston en 1978. Fueron descubiertos por Bill Aucoin, manager de Kiss y también Paul Stanley ayudó en la producción de su primer disco.
En muchos momentos recuerdan a ELO en sus elaboradas armonías vocales. Pero sin embargo constato un valor muy original porque sus canciones están orientadas específicamente a un pre-AOR, un rock basado en mucha guitarra sangrante (cosa que no tenía ELO, y pocos grupos exploraron el feeling y las armonías a través de la guitarra, ELO lo hizo básicamente a través de teclados).
Este es el valor de New England: un grupo rock de su tiempo pero instalado en un mundo sensible superior.
Simplemente apoteósicos "She's Gonna Tear You Apart" y "Encore".
"You´ll be born again" es una composición de ánima paralela a lo que hacía Ken Hensley pocos años antes. Y me encanta que este grupo conecte con esta fantástica manera de hacer música. Pues esto es música suprema medular. Justo lo que aquí perseguimos.
Solo editaron tres discos de corrido y ahí acabó todo. Una verdadera lástima. Como decían Golpes Bajos (ver post), malos tiempos para la lírica. Lo eran ya a finales de los ´70, y en los ´80.
Ahora ya ni os cuento...
A destacar:
> Hello, hello, hello - Shall i run away (1979)
> Explorer suite - Honey money (1980)
> D.D.T. - Elevator (1981)
sábado, 12 de agosto de 2017
Traffic (Paper sun) - 1967
Primer proyecto del todopoderoso Steve Winwood (Birmingham, 1967 - 1974).
Aunque los estudiosos esnob, barbudos y hippies, de siempre ensalzaron a este grupo, yo no lo tengo nada claro. Me refiero a que muy pocos se atreverán a decir que este fue un grupo "protegido", es decir, de esos en los que cualquier crítica está mal vista.
No obstante, canciones malas tiene muchas, regulares, un montón. De Winwood puede escribirse que es uno de los mayores genios que ha dado la música, pero cuando comenzó en Traffic la cosa no eran trompetas y hordas con brazos en alto.
Para mi Traffic se resume y concentra en un solo tema absolutamente glorioso, este que está aquí. Como pasa en Twin Peaks, es un asunto jodido. Peter Gabriel tomó nota, eso es seguro.
El archiconocido "Feelin´Alright" fue una canción base, pero siempre quedó mejor en el elenco futurible. Lo cito, y ahí queda todo.
Ojalá y siempre ojalá nunca jamás El Hado permita que nos visite ese ser oscuro como la pez, grillo carnoso, alado, con patas delanteras de insecto y ancas traseras de rana. El conjuro para todo mal se escribe así.
Escuchemos.
Aunque los estudiosos esnob, barbudos y hippies, de siempre ensalzaron a este grupo, yo no lo tengo nada claro. Me refiero a que muy pocos se atreverán a decir que este fue un grupo "protegido", es decir, de esos en los que cualquier crítica está mal vista.
No obstante, canciones malas tiene muchas, regulares, un montón. De Winwood puede escribirse que es uno de los mayores genios que ha dado la música, pero cuando comenzó en Traffic la cosa no eran trompetas y hordas con brazos en alto.
Para mi Traffic se resume y concentra en un solo tema absolutamente glorioso, este que está aquí. Como pasa en Twin Peaks, es un asunto jodido. Peter Gabriel tomó nota, eso es seguro.
El archiconocido "Feelin´Alright" fue una canción base, pero siempre quedó mejor en el elenco futurible. Lo cito, y ahí queda todo.
Ojalá y siempre ojalá nunca jamás El Hado permita que nos visite ese ser oscuro como la pez, grillo carnoso, alado, con patas delanteras de insecto y ancas traseras de rana. El conjuro para todo mal se escribe así.
Escuchemos.
Smash Mouth (Pacific coast party) - 2001 / (Who´s there) - (All star) - (Diggin your scene) - 1999
Grupo USA que tuvo una importante atención por los medios en el comienzo de su carrera.
En sus dos primeros discos elaboraron un ska rock muy efectivo, que les proporcionó un prestigio a nivel internacional.
Pero alguno de sus más conocidos hits son covers o refritos, como por ejemplo:
"Why can´t be we friends", un tema de War (Eric Burdon - The Animals, 1975).
"Can´t get enough of you baby" es un tema original de The Toys (1966).
Banda muy inestable, con continuos cambios, no solo de formación, sino también de estilo.
Hay un pequeño puñado de canciones originales que merecen este podio. Todos ellas se engloban en sus primeros trabajos. Sin duda, su segundo disco, Astro Lounge, es lo mejor que hicieron.
Hasta el momento cuentan en su haber con siete discos de estudio, el último (olvidable) en 2012.
A destacar:
> Walkin´on the sun (1997)
> Sister Psychic (2001)
> Space man - Hang on - Whole lotta love (2003)
> Summer girl (2006)
En sus dos primeros discos elaboraron un ska rock muy efectivo, que les proporcionó un prestigio a nivel internacional.
Pero alguno de sus más conocidos hits son covers o refritos, como por ejemplo:
"Why can´t be we friends", un tema de War (Eric Burdon - The Animals, 1975).
"Can´t get enough of you baby" es un tema original de The Toys (1966).
Banda muy inestable, con continuos cambios, no solo de formación, sino también de estilo.
Hay un pequeño puñado de canciones originales que merecen este podio. Todos ellas se engloban en sus primeros trabajos. Sin duda, su segundo disco, Astro Lounge, es lo mejor que hicieron.
Hasta el momento cuentan en su haber con siete discos de estudio, el último (olvidable) en 2012.
A destacar:
> Walkin´on the sun (1997)
> Sister Psychic (2001)
> Space man - Hang on - Whole lotta love (2003)
> Summer girl (2006)
jueves, 3 de agosto de 2017
Procol Harum (A whiter shade of pale) - 1967
Grupo británico, formado en 1967, año en el que editaron su único gran éxito, "A whiter shade of pale".
Su tema estrella permanece cual hálito divino y magnífico, y permanecerá era tras era...
Esta es una buena ocasión para detenernos un momento.
Dilucidemos: ¿Esta canción es buena por su letra o por su música? Un asunto para nada baladí que me ha planteado más de uno.
Veamos los hechos. La melodía es impecable, sin embargo su letra es absurda, cuasi rozando la memez. Supuestamente es la historia de chico-deja-chica en clave muy surreal, según contó en su momento el artífice, Keith Reid, compositor que escribió casi todas las canciones de Procol Harum.
¿Y qué es lo que en este podio de maravillas ensalzamos, la música o la letra? Y respondemos ipso facto:
Definitivamente: la música, sin importar cualquier otro parámetro.
En conclusión: la letra del temazo de Procol Harum es tontísima. Pero su música es altamente evocativa. A mi, por ejemplo, me habla de un desierto, un lugar sin alegría, aunque hay una mísera esperanza final. Y habla también sobre el amor, probablemente de un amor imposible, aunque sus protagonistas luchan por él, en desconocida pero épica batalla.
Dicho todo esto, la letra cuenta cuando cuenta de verdad. En caso contrario la música, cuando es suprema, absorbe y empapa como única lengua universal.
Su tema estrella permanece cual hálito divino y magnífico, y permanecerá era tras era...
Esta es una buena ocasión para detenernos un momento.
Dilucidemos: ¿Esta canción es buena por su letra o por su música? Un asunto para nada baladí que me ha planteado más de uno.
Veamos los hechos. La melodía es impecable, sin embargo su letra es absurda, cuasi rozando la memez. Supuestamente es la historia de chico-deja-chica en clave muy surreal, según contó en su momento el artífice, Keith Reid, compositor que escribió casi todas las canciones de Procol Harum.
¿Y qué es lo que en este podio de maravillas ensalzamos, la música o la letra? Y respondemos ipso facto:
Definitivamente: la música, sin importar cualquier otro parámetro.
En conclusión: la letra del temazo de Procol Harum es tontísima. Pero su música es altamente evocativa. A mi, por ejemplo, me habla de un desierto, un lugar sin alegría, aunque hay una mísera esperanza final. Y habla también sobre el amor, probablemente de un amor imposible, aunque sus protagonistas luchan por él, en desconocida pero épica batalla.
Dicho todo esto, la letra cuenta cuando cuenta de verdad. En caso contrario la música, cuando es suprema, absorbe y empapa como única lengua universal.
viernes, 21 de julio de 2017
Rainbow (II) - Instrumentales- (Maybe next time) - 1981 / (Anybody there) - 1986 / (Weiss Heim) - 1979
Seleccionamos aquí tres fantásticos tracks instrumentales de Blackmore. Es un complemento al post anterior.
Ninguno de ellos pertenecen al elenco de los temas más conocidos de Rainbow, pero son todos una exploración al mejor universo del genio.
El primero -mi favorito de siempre- es una composición que aúna tristeza con esperanza. Una absoluta joya que debería ser objeto de escucha en toda casa, aula, y hasta en un congreso de prospectiva, por dar ideas.
Vamos a ello.
Rainbow (I) - (Temple of the king (1975) / (Gates of Babylon) - 1978 / (Since you´ve been gone) - 1980 / (Stone cold) - 1982
Grupo ideado en 1974 por el genial pero muy polémico guitarrista de Deep Purple, Ritchie Blackmore.
Tuvo gran visión al contar con el cantante de ELF para su primera versión de la banda (de hecho se hizo con el personal al completo de ELF, excepto el guitarra, obvio), aunque hay que decir que el resto de componentes fueron fluctuando disco tras disco, no permaneciendo estable ninguna de las formaciones. Esto era debido al carácter de su lider, tachado por muchos de dictatorial y perfeccionista insufrible, y por otros pocos de visionario genial.
Pero los hechos demuestran que el ego de Blackmore ha sido uno de los más inflados de la historia del rock. Por su actitud y maneras, que hoy día hubieran estado rayando simplemente en el delito laboral.
El primer vocalista, Ronnie James Dio, da la sensación de que no encontró su auténtico registro hasta que Tommy Iommi de Black Sabbath le contrató tras la partida de Ozzy. Alli y poco después en solitario estuvo su cénit. Pero, aun siendo buenísima su actuación en los tres primeros álbumes, según mi opinión la música de Rainbow suena algo más adaptada con Graham Bonnet e incluso con Joe Lynn Turner. Es claro que con el tiempo Dio demostró con creces ser mejor, pero en su etapa con Rainbow personalmente me gustan más Bonnet y Turner. Aunque también es cierto que hay supertemas de Rainbow que son joyas per se y Dio estaba ahí, sobre todo en su tercer y último trabajo con el grupo, "Long live rock ´n´roll" (1978).
Hay que reconocer que Dio dejó diamantes con su voz, por ejemplo, en The temple of the king (1975).
En Tarot Woman (1976), con un primer tercio instrumental en maravilloso progresivo, las vocales de Dio podrían haber dado mucho más de si, si esto pudiera ser exigible a este portento. Cosa que sí hizo en Gates of Babylon (1978). Vale, voy a mojarme: es el mejor tema de Rainbow, por composición, por ejecución (la base rítmica es muy efectiva) y el solo de Blackmore es de lo mejor que hizo en su carrera entera. Efectivamente, por unos segundos es capaz de hacernos sentir la Excelencia. Esto ocurre exactamente aquí: minutos 3,54 - 4,48 del primer vídeo.
Aporto una versión adicional en directo. Merece la pena.
En 1995, tras la segunda partida de Blackmore de Deep Purple, salió al mercado un nuevo disco de Rainbow, con componentes completamente extraños, excepto el propio ínclito. En los coros ya estaba su mujer, Candice Night.
A partir de aquí nuestro guitarra se alejó completamente de su estilo de siempre y se dedicó con Candice a su proyecto folk renacentista "Blackmore´s Night". Con ella lleva publicados nada menos que diez discos, el último en 2015.
Trataremos en un futuro artículo este devenir.
Pero el próximo post estará dedicado a los increíbles instrumentales que produjo el amo de todo esto.
A destacar:
> Snake charmer - Sixteen century greensleeves (1975)
> Tarot woman (1976)
> L.A. connection - Kill the king - Catch the rainbow (1976)
> Lost in Hollywood (1979)
> No release (1981)
Tuvo gran visión al contar con el cantante de ELF para su primera versión de la banda (de hecho se hizo con el personal al completo de ELF, excepto el guitarra, obvio), aunque hay que decir que el resto de componentes fueron fluctuando disco tras disco, no permaneciendo estable ninguna de las formaciones. Esto era debido al carácter de su lider, tachado por muchos de dictatorial y perfeccionista insufrible, y por otros pocos de visionario genial.
Pero los hechos demuestran que el ego de Blackmore ha sido uno de los más inflados de la historia del rock. Por su actitud y maneras, que hoy día hubieran estado rayando simplemente en el delito laboral.
El primer vocalista, Ronnie James Dio, da la sensación de que no encontró su auténtico registro hasta que Tommy Iommi de Black Sabbath le contrató tras la partida de Ozzy. Alli y poco después en solitario estuvo su cénit. Pero, aun siendo buenísima su actuación en los tres primeros álbumes, según mi opinión la música de Rainbow suena algo más adaptada con Graham Bonnet e incluso con Joe Lynn Turner. Es claro que con el tiempo Dio demostró con creces ser mejor, pero en su etapa con Rainbow personalmente me gustan más Bonnet y Turner. Aunque también es cierto que hay supertemas de Rainbow que son joyas per se y Dio estaba ahí, sobre todo en su tercer y último trabajo con el grupo, "Long live rock ´n´roll" (1978).
Hay que reconocer que Dio dejó diamantes con su voz, por ejemplo, en The temple of the king (1975).
En Tarot Woman (1976), con un primer tercio instrumental en maravilloso progresivo, las vocales de Dio podrían haber dado mucho más de si, si esto pudiera ser exigible a este portento. Cosa que sí hizo en Gates of Babylon (1978). Vale, voy a mojarme: es el mejor tema de Rainbow, por composición, por ejecución (la base rítmica es muy efectiva) y el solo de Blackmore es de lo mejor que hizo en su carrera entera. Efectivamente, por unos segundos es capaz de hacernos sentir la Excelencia. Esto ocurre exactamente aquí: minutos 3,54 - 4,48 del primer vídeo.
Aporto una versión adicional en directo. Merece la pena.
En 1995, tras la segunda partida de Blackmore de Deep Purple, salió al mercado un nuevo disco de Rainbow, con componentes completamente extraños, excepto el propio ínclito. En los coros ya estaba su mujer, Candice Night.
A partir de aquí nuestro guitarra se alejó completamente de su estilo de siempre y se dedicó con Candice a su proyecto folk renacentista "Blackmore´s Night". Con ella lleva publicados nada menos que diez discos, el último en 2015.
Trataremos en un futuro artículo este devenir.
Pero el próximo post estará dedicado a los increíbles instrumentales que produjo el amo de todo esto.
A destacar:
> Snake charmer - Sixteen century greensleeves (1975)
> Tarot woman (1976)
> L.A. connection - Kill the king - Catch the rainbow (1976)
> Lost in Hollywood (1979)
> No release (1981)
Annie Lennox (Cold) - (Stay by me) - 1992
Cantante escocesa de enorme éxito y con multitud de premios, sobre todo en su etapa con Eurythmics, grupo que analizamos hace pocas fechas.
En su versión en solitario ha editado hasta el momento seis trabajos, el último en 2014.
También es conocida por su importante carrera como activista político-social.
Además de cantar, domina el piano, el acordeón, la armónica y el salterio.
El álbum más interesante es el primero, denominado "Diva" (1992), del que hemos extraído dos cortes.
A destacar:
> Precious - Little bird (1992)
> Something so right (1995)
> Twisted (2003)
En su versión en solitario ha editado hasta el momento seis trabajos, el último en 2014.
También es conocida por su importante carrera como activista político-social.
Además de cantar, domina el piano, el acordeón, la armónica y el salterio.
El álbum más interesante es el primero, denominado "Diva" (1992), del que hemos extraído dos cortes.
A destacar:
> Precious - Little bird (1992)
> Something so right (1995)
> Twisted (2003)
lunes, 17 de julio de 2017
T. Rex (Jeepster) - (Get it on) - 1971 / (20th century boy) - 1973 / (All alone) - 1976
De nombre real Marc Feld, este músico, hijo de camionero, puso todo su empeño desde muy joven en convertirse en una estrella del rock.
Tras su breve etapa en John´s Clildren inauguró el grupo Tyrannosuaurus Rex, lanzando cuatro discos folk desechables entre 1968 y 1970.
Cambió el nombre del grupo a T. Rex en 1970, y es entonces cuando comienza a producir realmente una música interesante. Principal precursor del llamado glam rock, caracterizado por mostrar una estética más cercana al estilo femenino (maquillaje, pelambreras de peluquería, trajes ajustados y zapatos con tacones).
Su disco "Electric Warrior" (1971) supuso un hito en la música rock de la época y está plagado de temas atractivos.
Posteriormente, Bolan solo logró algún destello aislado hasta su temprana muerte en 1977, con solo veintinueve años. Tenía miedo a conducir y nunca se sacó el carnet, aunque era un apasionado de los coches. Se mató en un Mini conducido por su novia, la cantante Gloria Jones, conocida sobre todo por "Tainted Love" (tema que años más tarde convirtió en superhit el grupo de Marc Almond, Soft Cell).
A destacar:
> Jewel (1970)
> Hot love - Mambo sun - Life´s a gas (1971)
> Tenement lady - Electric slim & the factory Hen (1973)
> Jupiter liar (1976)
Tras su breve etapa en John´s Clildren inauguró el grupo Tyrannosuaurus Rex, lanzando cuatro discos folk desechables entre 1968 y 1970.
Cambió el nombre del grupo a T. Rex en 1970, y es entonces cuando comienza a producir realmente una música interesante. Principal precursor del llamado glam rock, caracterizado por mostrar una estética más cercana al estilo femenino (maquillaje, pelambreras de peluquería, trajes ajustados y zapatos con tacones).
Su disco "Electric Warrior" (1971) supuso un hito en la música rock de la época y está plagado de temas atractivos.
Posteriormente, Bolan solo logró algún destello aislado hasta su temprana muerte en 1977, con solo veintinueve años. Tenía miedo a conducir y nunca se sacó el carnet, aunque era un apasionado de los coches. Se mató en un Mini conducido por su novia, la cantante Gloria Jones, conocida sobre todo por "Tainted Love" (tema que años más tarde convirtió en superhit el grupo de Marc Almond, Soft Cell).
A destacar:
> Jewel (1970)
> Hot love - Mambo sun - Life´s a gas (1971)
> Tenement lady - Electric slim & the factory Hen (1973)
> Jupiter liar (1976)
John´s Children (Smashed blocked) - 1966
Este grupo de Leatherhead (Inglaterra) tuvo una muy corta vida (1966-1968), pero es interesante hacer una pequeña mención al mismo. Por varias razones:
a) Fue una banda protopunk aunque más cercana al estilo mod, descubierta por Yardbirds.
b) En sus buenos momentos se codearon con los mismísmos The Who.
c) Fueron los artífices de la mítica canción "Should i stay or should i go", que posteriormente llevó al estrellato The Clash.
d) Fue el primer grupo importante de Marc Bolan (T.Rex). Sustituyó a la guitarra a McClelland y compuso el tema "Desdemona", que fue bloqueado por la BBC durante años por letra inconveniente.
Su entera producción solo se abastece de varios sencillos y un único y polémico álbum (Orgasm, 1967).
Pero, en fin, si John´s Children está aquí es por un tema grandioso, previo a la llegada de Marc Bolan al grupo: "Smashed blocked", una nueva perla perdida en la oscuridad de los tiempos.
a) Fue una banda protopunk aunque más cercana al estilo mod, descubierta por Yardbirds.
b) En sus buenos momentos se codearon con los mismísmos The Who.
c) Fueron los artífices de la mítica canción "Should i stay or should i go", que posteriormente llevó al estrellato The Clash.
d) Fue el primer grupo importante de Marc Bolan (T.Rex). Sustituyó a la guitarra a McClelland y compuso el tema "Desdemona", que fue bloqueado por la BBC durante años por letra inconveniente.
Su entera producción solo se abastece de varios sencillos y un único y polémico álbum (Orgasm, 1967).
Pero, en fin, si John´s Children está aquí es por un tema grandioso, previo a la llegada de Marc Bolan al grupo: "Smashed blocked", una nueva perla perdida en la oscuridad de los tiempos.
lunes, 3 de julio de 2017
Eurythmics (There must be an angel) - (it's alright baby's coming back) - 1985 / (You have placed a chill in my heart) - 1987
Grupo británico liderado por Annie Lennox y Dave A. Stewart.
Nacieron en 1980 de las cenizas de The Catch y de The Tourists. Con esta última formación editaron tres discos interesantes.
Editaron ocho disco de estudio entre 1981 y 1989, más uno diez años después cuando Lennox ya llevaba tiempo en soliario.
Annie Lennox es un portento en cuanto a los premios que atesora, estudiaremos su carrera en solitario en el próximo post. Una mujer muy interesante, domina varios instrumentos: teclado, guitarra, acordeón y el mediaval salterio, precursor del clavicordio; aunque es claro que su voz contralto es su mejor tesoro.
El disco más completo de Eurythmics es Be yourself tonight (1985), en el que se encuentra su más preciada perla, "There must be an angel", una canción que ha resistido el transcurrir del tiempo y que se sigue y seguirá radiándose. Pero este trabajo también contiene otras muy buenas composiciones.
A destacar:
> She´s invisible now - Your time will come (1981)
> Would i lie to you - Sisters are doin´it for themselves (1985)
> You hurt me (and i hate you) - Sylvia (1989)
> Anything but strong (1999)
Nacieron en 1980 de las cenizas de The Catch y de The Tourists. Con esta última formación editaron tres discos interesantes.
Editaron ocho disco de estudio entre 1981 y 1989, más uno diez años después cuando Lennox ya llevaba tiempo en soliario.
Annie Lennox es un portento en cuanto a los premios que atesora, estudiaremos su carrera en solitario en el próximo post. Una mujer muy interesante, domina varios instrumentos: teclado, guitarra, acordeón y el mediaval salterio, precursor del clavicordio; aunque es claro que su voz contralto es su mejor tesoro.
El disco más completo de Eurythmics es Be yourself tonight (1985), en el que se encuentra su más preciada perla, "There must be an angel", una canción que ha resistido el transcurrir del tiempo y que se sigue y seguirá radiándose. Pero este trabajo también contiene otras muy buenas composiciones.
A destacar:
> She´s invisible now - Your time will come (1981)
> Would i lie to you - Sisters are doin´it for themselves (1985)
> You hurt me (and i hate you) - Sylvia (1989)
> Anything but strong (1999)
jueves, 29 de junio de 2017
Kool & the Gang (Fruitman) - 1974 / (Spirit of the boogie) - 1975 / (Rhyme tyme people) - 1974 / (Too hot) - 1979
Esta superbanda estadounidense de funk y soul dio sus primeros pasitos en 1964, aunque no lograron poner en el mercado su primer disco hasta 1969.
Tras el estudio de su discografía, encontramos ya temas fabulosos en 1972 como Rated X y Love the life you live.
Y en 1973, los apoteósicos Funky stuff y Hollywood swinging.
Y en 1973, los apoteósicos Funky stuff y Hollywood swinging.
En 1974 hallamos el genial Fruitman y el ritmo ya característico del grupo en Rhyme tyme people.
En 1975 llega por fin el que para nosotros es el tema más efectivo, Spirit of the Boogie, una firma del sonido K&G setentero.
El funk con instrumentación real se mantiene hasta finales de la década, pero como ocurrió con Earth Wind & Fire (una banda paralela en muchos aspectos), llegados a 1979, lanzan Too hot, junto a Ladies Night, ambas muy buenas canciones, apartándose radicalmente de su estilo.
En los ochenta y siguientes son una sombra de lo que fueron.
A destacar:
> Chocolate buttermilk - Give it up (1969)
> Rated X - Love the life you live (1972)
> Funky stuff - Hollywood swinging (1973)
> Cosmic energy - Open sesame (1976)
> Take my heart (1981)
> Big fun (1982)
A destacar:
> Chocolate buttermilk - Give it up (1969)
> Rated X - Love the life you live (1972)
> Funky stuff - Hollywood swinging (1973)
> Cosmic energy - Open sesame (1976)
> Take my heart (1981)
> Big fun (1982)
Pattie Brooks (Close enough for love) - 1979 / (Come fly with me-Let´s do it again) - 1978
Hablamos de una diva de la música disco de finales de los 70. Bastante olvidada. Pero con un registro de voz que no le va a la zaga a otras más grandiosamente conocidas.
No en vano, su discografía básica se reduce a solo cuatro álbumes.
Pero en 1979 se le encomienda hacer una versión del "Close enough for love" de Tony Benett, como banda sonora del film Agatha. Una película interpretada por Vanessa Redgrave, Dustin Hoffman y Timothy Dalton, que explora una posible teoría sobre la desaparición real de la escritora Agatha Christie durante once días en 1926.
La pelicula es interesante, pero lo que nos fascinó es esta banda sonora, que supera en ejecución al tema original de Benett. Y además podría haber también servido para cualquiera de las cuidadísimas BSO de 007. Y hubiera quedado de lujo. De hecho, ocho años después de Agatha, Timothy Dalton fue 007. Una buena prueba más del curioso y siempre misterioso modus operandi de la sincronicidad.
Aprovechando la coyuntura, hemos hecho un repaso a la discografía marcadamente disco de Brooks, y podemos resaltar también un tema de 1978, que merece estar aquí a modo ilustrativo de lo que fue el grueso de su producción.
No en vano, su discografía básica se reduce a solo cuatro álbumes.
Pero en 1979 se le encomienda hacer una versión del "Close enough for love" de Tony Benett, como banda sonora del film Agatha. Una película interpretada por Vanessa Redgrave, Dustin Hoffman y Timothy Dalton, que explora una posible teoría sobre la desaparición real de la escritora Agatha Christie durante once días en 1926.
La pelicula es interesante, pero lo que nos fascinó es esta banda sonora, que supera en ejecución al tema original de Benett. Y además podría haber también servido para cualquiera de las cuidadísimas BSO de 007. Y hubiera quedado de lujo. De hecho, ocho años después de Agatha, Timothy Dalton fue 007. Una buena prueba más del curioso y siempre misterioso modus operandi de la sincronicidad.
Aprovechando la coyuntura, hemos hecho un repaso a la discografía marcadamente disco de Brooks, y podemos resaltar también un tema de 1978, que merece estar aquí a modo ilustrativo de lo que fue el grueso de su producción.
Pop-Tops (Mamy blue) - 1971 / (Oh Lord, why Lord) - 1968
Grupo español formado en Madrid en 1967 y extinto en 1975.
El punto curioso para la época es que su cantante, Phil Trim, nacido en Trinidad y Tobago, dominaba el inglés y el castellano, y pasaba de uno a otro idioma con facilidad.
En 1968 obtuvieron gran éxito en Estados Unidos y en Holanda con Oh Lord, why Lord.
Pero su incontestable éxito mundial llegó en 1971 con Mamy blue.
Su producción total consta de ventiún 7 pulgadas y un único LP (Mamy Blue, 1971).
Una advertencia: Mamy blue es una canción pegadiza como pocas. Después de su audición recomendamos escuchar otras músicas para paliar el efecto y poder quitarla de la mente, a la que se agarra sin piedad.
El punto curioso para la época es que su cantante, Phil Trim, nacido en Trinidad y Tobago, dominaba el inglés y el castellano, y pasaba de uno a otro idioma con facilidad.
En 1968 obtuvieron gran éxito en Estados Unidos y en Holanda con Oh Lord, why Lord.
Pero su incontestable éxito mundial llegó en 1971 con Mamy blue.
Su producción total consta de ventiún 7 pulgadas y un único LP (Mamy Blue, 1971).
Una advertencia: Mamy blue es una canción pegadiza como pocas. Después de su audición recomendamos escuchar otras músicas para paliar el efecto y poder quitarla de la mente, a la que se agarra sin piedad.
miércoles, 21 de junio de 2017
Loquillo (Sol) - 2008 / (Barcelona ciudad) - 1983 / (Arte y ensayo) - 2004 / (El rompeolas) - 1988
Hablamos de José María Sanz Beltrán, cantante español de rock and roll, nacido en 1960.
Una curiosidad: debido a su gran altura, cerca de los dos metros, tuvo una breve incursión de juventud en el baloncesto, entrenando con Garcia Reneses. El apodo de "Loquillo" se lo puso en aquella época el famoso alero "Epi" (Juan Antonio San Epifanio).
Artista a tener en cuenta, y no solo en lo musical; siempre tuvo las ideas bastantes claras y fruto de sus inquietudes ha escrito un par de libros. Me recuerda a Ramoncín en este sentido: dos tipos interesados en la cultura, aunque entre ellos no tengan demasiado que ver.
Por mucho que en varios discos -etapa madura- se rodeó de una gran orquesta (por ejemplo, en Nueve tragos, 1999), ni la voz ni la letra conjuga bien con el intento. Loquillo intenta explorar otros estilos, pero está demasiado lastrado en su chulería para llevar la historia a buen término. El personaje evoluciona, pero debe hacerlo de verdad. Hay cantantes, como el gran Alice Cooper, verbigracia, que cambiaron de manera radical, sobre todo entre 1977 y 1981, pero también cambió su modulación de voz (consultar segunda etapa en el blog para más señas). Pero Loquillo continúa a piñón fijo con su voz. Parece que por el momento no sabe cantar de otra manera.
Nunca creimos que la frescura de sus primeros discos iba a retornar. Pero nos sorprende en 2001 con un fantástico tema, "Deportivo 7", recuperando la línea que le llevó al estrellato. Aunque bien es cierto que ningún Loquillo supera al primigenio. Incluso hace una nueva versión, del que para nosotros es su mejor tema, "Barcelona ciudad". Pero, de nuevo, no logrando superar al original.
Continúa haciendo bien las cosas con su "Arte y Ensayo" (2004), pero en alarde de cosas impropias de un rockero, como demostrar cultura de la buena (véase "Johnny et Silvie").
En 2008 sale a luz el que es por derecho el mejor disco de este artista en conjunto, "Balmoral". Quizá cuando apareció el elenco de fans había menguado mucho, pero lo cierto es que por fin encuentra una voz madura, exenta de la chulería que le caracterizó siempre, pero de manera sorpresiva conserva entera su personalidad. Este es un trabajo muy destacable, con canciones realmente buenas, como son "Memoria de jóvenes airados", "Soy una cámara", "La vida es de los que arriesgan", pero sobre todo esa maravillosa joya llamada lacónicamente "Sol".
Al igual que Alice, Loquillo consiguió al fin un sonido distinto, pero muy bueno. ¡¡Bien hecho!!
A destacar:
> Rocker city - Pégate a mi - María (1983)
> Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas - Avenida de la luz (1984)
> Siempre vestida de negro (1988)
> Pregunta más allá - Es la noche (1994)
> Ciudad muerta (1996)
> Transgresiones (1998)
> La sonrisa de Risi (2000)
> Deportivo 7 (2001)
> Soy una cámara - La vida es de los que arriesgan (2008)
Una curiosidad: debido a su gran altura, cerca de los dos metros, tuvo una breve incursión de juventud en el baloncesto, entrenando con Garcia Reneses. El apodo de "Loquillo" se lo puso en aquella época el famoso alero "Epi" (Juan Antonio San Epifanio).
Artista a tener en cuenta, y no solo en lo musical; siempre tuvo las ideas bastantes claras y fruto de sus inquietudes ha escrito un par de libros. Me recuerda a Ramoncín en este sentido: dos tipos interesados en la cultura, aunque entre ellos no tengan demasiado que ver.
Por mucho que en varios discos -etapa madura- se rodeó de una gran orquesta (por ejemplo, en Nueve tragos, 1999), ni la voz ni la letra conjuga bien con el intento. Loquillo intenta explorar otros estilos, pero está demasiado lastrado en su chulería para llevar la historia a buen término. El personaje evoluciona, pero debe hacerlo de verdad. Hay cantantes, como el gran Alice Cooper, verbigracia, que cambiaron de manera radical, sobre todo entre 1977 y 1981, pero también cambió su modulación de voz (consultar segunda etapa en el blog para más señas). Pero Loquillo continúa a piñón fijo con su voz. Parece que por el momento no sabe cantar de otra manera.
Nunca creimos que la frescura de sus primeros discos iba a retornar. Pero nos sorprende en 2001 con un fantástico tema, "Deportivo 7", recuperando la línea que le llevó al estrellato. Aunque bien es cierto que ningún Loquillo supera al primigenio. Incluso hace una nueva versión, del que para nosotros es su mejor tema, "Barcelona ciudad". Pero, de nuevo, no logrando superar al original.
Continúa haciendo bien las cosas con su "Arte y Ensayo" (2004), pero en alarde de cosas impropias de un rockero, como demostrar cultura de la buena (véase "Johnny et Silvie").
En 2008 sale a luz el que es por derecho el mejor disco de este artista en conjunto, "Balmoral". Quizá cuando apareció el elenco de fans había menguado mucho, pero lo cierto es que por fin encuentra una voz madura, exenta de la chulería que le caracterizó siempre, pero de manera sorpresiva conserva entera su personalidad. Este es un trabajo muy destacable, con canciones realmente buenas, como son "Memoria de jóvenes airados", "Soy una cámara", "La vida es de los que arriesgan", pero sobre todo esa maravillosa joya llamada lacónicamente "Sol".
Al igual que Alice, Loquillo consiguió al fin un sonido distinto, pero muy bueno. ¡¡Bien hecho!!
A destacar:
> Rocker city - Pégate a mi - María (1983)
> Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas - Avenida de la luz (1984)
> Siempre vestida de negro (1988)
> Pregunta más allá - Es la noche (1994)
> Ciudad muerta (1996)
> Transgresiones (1998)
> La sonrisa de Risi (2000)
> Deportivo 7 (2001)
> Soy una cámara - La vida es de los que arriesgan (2008)
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